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Dalla natura noi riceviamo tutte le materie prime utili al nostro sostentamento e all’opportunità di vivere in armonia con l’ambiente intorno a noi, che ci ospita. Ecco perché è importante rispettare la natura e l’ambiente in cui viviamo, perché ne siamo parte. Rispettando la natura rispettiamo noi stessi.

Il Meeting è ideato e coordinato dall’associazione McLuc Culture aps di Parma ed è ospitato dai Molini Agugiaro & Figna, promotori e sostenitori dell’iniziativa. Con il patrocinio del Comune di Parma, Assessorato alla Cultura. Si svolgerà presso la struttura di Via Martiri della Liberazione tra Parma e Vicofertile. In un’area che rappresenta già un’importante memoria storica per l’arte dei mugnai di Parma.

Gli artisti, per poter partecipare, devono fare richiesta di selezione tramite un modulo online debitamente compilato e firmato in tutte le sue parti, accettando i termini di partecipazione alla call.

In contemporanea, ai fini della partecipazione alla selezione, il progetto dovrà pervenire entro la mezzanotte del 25 Giugno 2024, via mail al seguente indirizzo info@mclucculture.it e dovrà contenere, pena l’esclusione, la seguente documentazione:

1. Portfolio dell’artista;

2. Una bozza dell’opera su muro, a colori, in pdf, fedele anche nei colori. Il progetto deve recare sul file, cognome e nome dell’autore.

3. Gradito ma non obbligatorio, un fotomontaggio dell’opera sul muro che si vorrebbe dipingere.

4. Un testo di massimo 2000 battute, in cui verrà descritto il progetto, il significato/messaggio del progetto, eventuale tecnica utilizzata, la modalità di realizzazione ed eventuali accorgimenti necessari.

5. I colori degli spray necessari per la realizzazione, tenendo conto del numero di spray messi a disposizione per ogni artista. E’ importante prendere visione delle modalità di partecipazione il cui documento è pubblicato sui siti degli organizzatori e sui rispettivi canali social.

Oppure è possibile chiedere l’invio via mail scrivendo a info@mclucculture.it.

I 6 artisti selezionati saranno ospitati dall’organizzazione per tre giorni e due notti, riceveranno tutto il materiale e l’occorrente per l’esecuzione delle opere. Essere di sana e robusta costituzione certificata e avere il patentino in regola per l’utilizzo delle piattaforme aeree. Riceveranno anche un rimborso spese e dovranno comunque essere autonomi negli spostamenti.

Gli artisti saranno selezionati da una giuria interna i cui nomi saranno resi noti dopo il 25 Giugno. La giuria terrà conto di: Attinenza al tema proposto, Qualità artistica, Creatività dell’opera, Interazione con l’ambiente circostante, Fattibilità in relazione alle risorse e Originalità. Le opere devono essere inedite non devono essere già state utilizzate in altri ambiti.

Il progetto non vuole rappresentare una competizione. Vuole essere un’opportunità, per gli organizzatori e gli artisti, per utilizzare la creatività urbana come mezzo per sensibilizzare concretamente la comunità verso i contenuti del tema.

Il Meeting si svolgerà nei giorni 6/7/8 Settembre 2024. Per la realizzazione delle opere Molini Agugiaro & Figna mette a disposizione i muri della propria struttura in Via Martiri della Liberazione tra Parma e Vicofertile. L’area non sarà accessibile al pubblico ma gli estimatori potranno ammirare le opere dall’esterno, ben visibili dalla strada. Durante l’evento saranno ammessi i giornalisti e i fotoreporter accreditati e i collaboratori delle rispettive organizzazioni.

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Siracusa – Dal 6 aprile al 4 maggio 2024 la galleria Montevergine artecontemporanea (Via Serafino Privitera, 6/8, Ortigia ) ospiterà la personale “IO SONO astrazione ed empatia” di Sonja Streck, a cura di Marilena Vita (inaugurazione sabato 6 aprile ore 18.30, ingresso libero).

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La realtà che la circonda ha una logica tutta al contrario, piena di personaggi buffi e dolci che incrociano la strada di Alice e la accompagnano in un’avventura magica e movimentata, il cui capolinea riserva una fantastica sorpresa degna delle fiabe.

Dall’opera geniale e toccante di Lewis Carroll, “𝘈𝘭𝘪𝘤𝘦 𝘢𝘵𝘵𝘳𝘢𝘷𝘦𝘳𝘴𝘰 𝘭𝘰 𝘚𝘱𝘦𝘤𝘤𝘩𝘪𝘰” è uno spettacolo che racconta una storia classica ma intramontabile: una bambina che sogna, un paese incantevole, personaggi straordinari, e lo fa con la magia del teatro, della musica, della danza, per rendere vivo un viaggio che affascinerà qualsiasi bambino.

Ma i cuori degli adulti non saranno risparmiati: grazie ad Alice, il bambino interiore di chiunque può rinascere!

Alice attraverso lo specchio

Ideato e diretto da Salvatore Mosca
Musica e testi di Umberto Ciccone
Rivisitato e scritto da Emanuele Argilli e Salvatore Mosca

Con
Enrica La Rosa
Irene Egidi
Gianluca Savino
Emanuele Argilli
Alessandra Pulvirenti
Eleonora Lipuma
Francesco Vigna Taglianti

MUSICA DAL VIVO
Umberto Ciccone

CORPO DI BALLO
Elena Valentini
Eleonora Bassotti
Melissa Rosci

Date spettacoli
Venerdì 1 dicembre 2023
Sabato 2 dicembre 2023
Domenica 3 dicembre 2023

Orari repliche
Venerdì e sabato ore 21:00
Domenica ore 18:00

Biglietti
15 euro intero
12 euro ridotto (over 65 e bambini fino a 10 anni)
2 euro tessera associativa

Per info e prenotazioni
prenotazioni@arteatrio.it
351-9752453
Spazio Arteatrio
Via Nicola Maria Nicolai, 14 – 00156 Roma

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Come di consueto il testo è minimal ed ermetico, ma dopo una breve telefonata, l’autore ci dice la sua senza filtri.
Le riflessioni di Pernice partono dalla realtà illusoria che i social hanno portato nel nostro quotidiano e nella nostra psiche.
Tanto protagonismo e immagini di persone sexy e vincenti, spesso senza un contenuto o un vero messaggio da veicolare (in alcuni casi si tratta di foto di 20 anni prima).

Relazioni che nascono in chat, basate sull’ambiguità e spesso sull’ipocrisia, magari flirti con una persona particolare che allo stesso tempo sta scrivendo e flirtando con qualcun altro. Concetti che non sono più chiari e reali, nascondendosi dietro qualche emoji che non spiega un granché.

Siamo sempre più social, ma nella realtà socializziamo sempre meno, e siamo tutti un po’ più soli.

Torniamo all’aspetto strettamente musicale, qui il sound è decisamente rock con ritmiche funky e chitarre elettriche virtuose dai solismi mozzafiato.

Dopo qualche hanno di sperimentazioni elettroniche, c’è un netto ritorno al rock crossover dal sapore newyorkese anni 90.

Le influenze musicali di Marco Pernice, effettivamente sono quelle, e prima o poi tutti tornano alle origini.
La voce è sempre più aliena ed estraniata, ma le chitarre ci riportano ad era in cui si suonava davvero.
WELCOME TO SHOW è il titolo del nuovo singolo, disponibile sulle maggiori piattaforme streaming, ma è uno spettacolo distopico e stralunato quello che Pernice intravede all’orizzonte.

Ecco i link per l’approfondimento, e buon ascolto!!

• Link brano: https://ampl.ink/o6OGp
• Link Artista: https://linktr.ee/marcopernicemusic

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di Noemi Di Gioia, Giuseppe Tarditi

con Prefazione di Vittorio Sgarbi

Il saggio di Di Gioia e Tarditi guida attraverso percorsi atipici nella storia dell’arte, per mostrare il forte legame che sussiste tra le rappresentazioni artistiche e gli accadimenti della vita. Gli autori approfondiscono alcuni dei principali temi che agitano l’esistenza e l’animo umano, quali l’amore e la morte, la solitudine, il rapporto con la vecchiaia, la dimensione del lavoro inteso come fatica ed espressione di valori universali, interpretando inoltre le grandi trasformazioni della storia tramite il prisma dell’opera artistica.

Ne sono un emblema la linea curva, che, in antitesi alla compostezza della linea retta, si presenta proprio nei momenti di crisi, o il grido ribelle con cui l’Eva di Masaccio prorompe nell’Umanesimo; altri esempi sono la riscossa del mutamento sulla staticità nella pittura impressionista e la rivoluzione anticlassica di Picasso che prende vita ne “Les Demoiselles d’Avignon”. Impreziosisce il volume la Prefazione di Vittorio Sgarbi, in grado di farne emergere in modo brillante lo spirito e gli scopi.

https://www.amazon.it/Insoliti-percorsi-darte-Noemi-Gioia/dp/8857596885

• Editore:Mimesis
• Collana:Arte e critica
• Data di Pubblicazione:19 maggio 2023
• EAN:9788857596884
• ISBN:8857596885
• Pagine:200
• Formato:brossura

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PassepARTout Unconventional Gallery è lieta di annunciare l’apertura della mostra Geometrie Cosmiche dell’ingegner Orlando Allocca in arte Orloco.

Questa eccezionale mostra personale del Maestro Orloco racconta un universo onirico fatto di sensazioni, visioni, forme e scomposizioni.  La rassegna verrà inaugurata sabato 15 aprile alle ore 18:00 in occasione della Milano ART & DESIGN WEEK nell’incantevole scenario espositivo di Unahotels Expo Fiera Milano, il più grande ed importante Business Center di Milano.

La Direttrice e curatrice dell’evento Elena Ferrari presenterà la serata insieme al critico e storico dell’arte Prof. Nicola Traversoni, offrendo al pubblico una visione inedita ed una personale chiave di lettura delle opere.

Apertura mostra:

Nei giorni dal 16 al 30 aprile l’accesso alla mostra è libero TUTTI I GIORNI dalle 9:00 alle 18:00.

Inaugurazione:

sabato 15 aprile ore 18:00.

Prenotazione obbligatoria contattando via email passepartoutgallery@libero.it

PassepARTout Unconventional Gallery

C/O UNAHOTELS Expo Fiera Milano

Via Keplero 12, Pero (MI)

Per informazioni contattare passepartoutgallery@libero.it

Seguiteci anche su Instagram @passepartoutgallery  –  visitate il sito

www.passepartout-unconventional-gallery.com

DIRE COSE DIFFICILI IN MODO SEMPLICE

“Di tutte le arti, la pittura astratta è la più difficile. Richiede che tu sappia disegnare bene, che tu abbia una maggiore sensibilità per la composizione e i colori e che tu sia un vero poeta.”

Vasilij Kandinskij

Le opere presentate da Orlando Alloca (Orloco) inaugurano la strada dell’astrazione, dirigendosi verso riflessioni ed esperimenti di un’arte non oggettiva, il più delle volte.

Quello che più traspare dai suoi lavori sono le emozioni, evocate con veemenza attraverso l’utilizzo di forme elementari e primarie nel tentativo di esprimere questioni profonde attraverso forme, linee e colori.

Anche se di piccolo formato, nelle opere di Orloco si ode, inoltre, il richiamo di alcune caratteristiche proprie della Color Field Painting: l’utilizzo di forme piatte nel tentativo di distruggere ogni parvenza illusoria per rivelare, al contempo, una sintetica verità.

L’artista dunque approda verso una personale visione dell’astrattismo, caratterizzata da un sistema di variazioni tra elementi formali impiegati per costruire uno spazio del quadro che non è da percepire come una banale organizzazione, perché diviene composizione, scomposizione.

Le sue opere sono conseguenza, perciò, di un iter compositivo in cui l’osservazione della realtà si fonde in una commistione di associazioni mentali che a quella stessa realtà forniscono una struttura e un ordine sia esteriore sia interiore.

Le sue “Articolazioni” o il suo “Grande Albero”, ad esempio, rappresentano una vera e propria astrazione da qualsiasi immagine reale li abbia ispirati anche se, per certi aspetti, si possono ritrovare alcuni richiami simbolici, visivi. Cromie calde, taglienti, nette e definite dialogano in modo uniforme perché prive di sbavature (non solo formali) che si distendono creando una superficie calma, piatta, bidimensionale. Immediata. Anche di fronte all’uso divertente di colori più brillanti come l’argento e l’oro che pongono risalto a talune campiture.

Sfondi chiari e terrosi danno spazio, in altri lavori, a contesti bui quasi infiniti su cui si scagliano le forme a volte organizzate simmetricamente in altre circostanze che seguono più una dinamica sentita.

Quello che più seduce dei suoi acrilici è la coerenza ad uno stile univoco e chiaro al quale aderiscono differenti tematiche che concorrono comunque a delineare, seppur con una voce peculiare, la definizione di una poetica personale che agisce secondo la “necessità interiore” di non rappresentare per sembianze effimere ma di attingere ad una natura interna, segreta, spirituale.

Orloco ha respirato sin da giovane l’atmosfera artistica grazie alla presenza del maestro Eliseo Allocca, suo padre, che possiamo intendere come sua guida nel mondo del disegno e della pittura.

L’artista espone con successo in territorio nazionale opere realizzate, inoltre, ad acquerello e a china. È rappresentato da PassepARTout Unconventional Gallery come artista in permanenza.

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Con un piede in Italia e l’altro nella natale Catalogna, Josep Minguell è uno dei pochi pittori di affreschi nell’Europa contemporanea e uno dei maggiori esponenti internazionali di una tecnica decorativa ancestrale, presente in grandi opere architettoniche. Ha realizzato affreschi negli Stati Uniti, in Giappone e nella città italiana di Carrara una casa di riposo è impreziosita da una delle sue opere. In Catalogna, i suoi affreschi sono in chiese, università e altri palazzi.

La sua principale fonte di ispirazione è costituita dal lavoro dei pittori di affreschi italiani del Rinascimento e del Barocco, la cui tecnica ha studiato per decenni, e ha impartito lezioni magistrali su affreschi nell’Accademia di Belle Arti di Firenze. In diversi libri, come “Pintura mural. La estrategia de los pintores” – Affreschi. Le strategie dei pittori – (Edicions Universitat di Lleida, 2014), Minguell mostra come gli artisti italiani lo abbiano influenzato, giorno dopo giorno. La sua ultima grande opera, appena ultimata, è un affresco di 1.014 metri quadrati che decora la chiesa barocca di Santa Maria dell’Alba, nel suo paese natale, Tàrrega, a poco più di un’ora da Barcellona. La stampa spagnola si riferisce a questo straordinario monumento come a una sorta di Cappella Sistina contemporanea, perché contemplando il lavoro di Josep Minguell vengono alla mente gli affreschi di Michelangelo nel cuore del Vaticano.

L’insieme murale, in questa singolare ‘Cappella Sistina del secolo XXI, fu avviato dall’artista nel 2006: è stato realizzato in cinque fasi concluse quest’anno, in occasione delle celebrazioni dell’anniversario della fondazione della chiesa, avvenuta 350 anni fa. Negli affreschi che oggi la impreziosiscono, Minguell ha interpretato passaggi della Bibbia e ha saputo eseguire la sua pittura in completa armonia con l’architettura.

La risurrezione di Cristo, la Natività, la creazione del mondo, la storia di Caino e Abele e quella dell’Arca di Noè sono alcuni degli episodi delle sacre scritture rievocati sui muri della chiesa. L’ultima porzione dipinta è stata dedicata dall’artista alla prima luce del giorno, l’alba, come allegoria della Madonna che dà il nome alla chiesa, Santa Maria dell’Alba. Il monumento si trova in un tratto del Cammino di Santiago e del Cammino di Santo Ignacio, nel territorio catalano.

Al paese di Tàrrega si può arrivare da Barcellona in treno e in autobus. In auto, dal capoluogo catalano, il percorso è di circa un’ora e un quarto. Nelle parole di Gianluigi Colalucci, amico di Josep Minguell e principale restauratore della Cappella Sistina di Roma, scomparso un anno fa: «Non è casualità che Josep Minguell e suo padre, Jaume, siano figli della Catalogna, una terra ricca di fermenti artistici, di grandi pittori, architetti e scrittori, dove già nell’epoca romanica si va praticando una pittura all’affresco di così alta qualità che genera opere di un valore assoluto, le quali conosco bene per essermene occupato e per averle studiate a fondo come restauratore”.

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Il fenomeno NFT è esploso negli ultimi mesi, e l’interesse verso i non-fungible tokes è ora alle stelle. La velocità con cui il mercato degli NFT si è espanso e si sta continuamente allargando ha lasciato tutti sorpresi.

Dopo che un’opera NFT è stata messa all’asta per ben 69,3 milioni di dollari il mercato ha iniziato a conquistare non sono solo personaggi famosi come Justin Bieber, Eminem e Madonna ma sta ormai raggiungendo una larghissima schiera di collezionisti di tutto il mondo e diventando un vero e proprio status symbol.

Ma non è solo una questione di status symbol; la cosa più allettante e concreta degli NFT è il loro potenziale di redditività.  L’opportunità di guadagnare una grande fortuna sta spingendo sempre più persone a investire negli NFT costruendo un portafoglio diversificato di investimenti supportato da transazioni sicure e affidabili.

La tecnologia blockchain, infatti, consente ai collezionisti di avere una prova sicura di autenticità e originalità e tutela da qualsiasi tipo pirateria o azione illegale.

Ma come scegliere che cosa acquistare? Cercando artisti innovativi, con contenuti e idee artistiche di spessore e in crescita.

In questo contesto ben si inserisce la collezione di NFT Immaterial Body.

Immaterial Body vuole esaltare l’unione tra fisico e virtuale, tra body art e arte digitale, attraverso una serie di 10 opere su OpenSea.io

Una importante collezione nata dall’interazione tra la realtà reale delle opere dal carattere provocatorio di Cristina Vitan che guidano verso una riflessione pragmatica del nudo femminile, e la loro rinascita attraverso la realtà digitale grazie ad un’esperienza phygital di Jacopo Menconi, figura impegnata sia in ambito musicale che nell’ambito della digitalizzazione e della sperimentazione tecnologica.

Nelle opere il corpo, in particolare il seno femminile, mezzo dì espressione dell’artista, rimane il protagonista diventando però spunto di riflessione sulla crisi della nostra società.

Dalle tele nascono le opere in 3D con alcune opere che rimandano in modo evocativo alla cultura classica antica rivista e attualizzata. Opere dai cui nascono tre busti che rappresentano il corpo dell’artista che diventa metafora della figura femminile che viene trasportata in una dimensione oltre il fisico trasformandosi così in materia non tangibile. In chiave ironica il messaggio della collezione è stimolare la riflessione sui problemi sociali, politici ed economici del nostro secolo anche attraverso volti di personaggi politici internazionali e simboli del consumismo moderno come la Coca Cola, Mastercard.

Una collezione di NFT di alto spessore artistico, oggi disponibili sulle una delle principali piattaforme online di arte digitale.

Link: https://opensea.io/CRISTINAVITAN

Cristina Vitan e Jacopo Menconi: https://www.cristinavitan.it

INFO
Paolo Milani
Egeria – Sezione Cultura
info@egeria.cloud

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Art Talent Fair si inserisce nel progetto voluto dalla galleria “Moho Art Gallery” dedicato ai talenti emergenti nel contesto prestigioso delle fiere dedicate all’arte contemporanea.

Il premio Art Talent Fair è riservato ad opere di valore fino ai 5000€.

Una importante opportunità per i migliori talenti internazionali dell’arte contemporanea.

“Tre giorni all’insegna dell’arte internazionale, nel contesto prestigioso del Real Collegio di Lucca.”

Il premio è rivolto a tutti gli artisti, grafici, designers, pittori, fotografi, ecc., professionisti e non, provenienti da qualsiasi paese del mondo.

Termine ultimo per le iscrizioni:

7 Aprile 2022

Tutte le informazioni del concorso sul sito ufficiale : www.arttalentfair.com

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Il prossimo autunno Milano, la città italiana più all’avanguardia nei settori dell’arte, della moda e del design, ospiterà artisti provenienti da oltre 40 Paesi che esporranno le loro opere in un contesto internazionale nel quale potranno farsi conoscere da esperti ed appassionati d’arte di tutto il mondo, complice il grande risalto che l’iniziativa avrà su stampa e televisioni.

Al successo della manifestazione, organizzata dal curatore d’arte Salvo Nugnes, già manager di note personalità, contribuiranno, come di consueto, grandi nomi dell’arte e della cultura come Vittorio Sgarbi, Francesco Alberoni, sociologo di fama mondiale, Maria Rita Parsi, scrittrice e psicoterapeuta, il direttore del Tgcom 24 Paolo Liguori, Silvana Giacobini, già direttore di Chi e Diva e Donna, Katia Ricciarelli, soprano e attrice, Massimo Giletti, giornalista e conduttore televisivo, Pippo Franco, attore, presentatore ed artista, Mario Luzzatto Fegiz, noto critico musicale e giornalista del Corriere della Sera, Morgan, cantautore e polistrumentista, Carolyn Smith, presidente di giuria di Ballando con le Stelle, Marco Columbro, presentatore televisivo, lo storico e presidente del Vittoriale degli Italiani Giordano Bruno Guerri, il noto critico d’arte Luca Beatrice, Alviero Martini, stilista di fama, Marzia Risaliti, nota attrice, Yari Carrisi Power, musicista, figlio d’arte, Jim Beckwith, cantautore internazionale, Caterina Grifoni, presidente FIDAPA sez. SP, il Presidente della Regione Lombardia, il sindaco della città di Milano e tanti altri.

La manifestazione, che si svolgerà dal 21 al 25 ottobre presso il Milano Convention Center, sarà, usando le parole del Prof. Vittorio Sgarbi, “un’occasione per vedere artisti nuovi e conosciuti, per vedere lo stato dell’arte fuori dai fasti veneziani e senza discriminazioni”.

Per info e selezioni www.biennalemilano.it – info@biennalemilano.it – 388 7338297

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24 opere esposte a Pistoia, nella mostra “Modì a Modo Mio”.
24 interpretazioni nello stile dell’indimenticabile artista toscano.

La mostra rimarrà aperta dal 5 al 19 giugno. Ore 16,30 19,00
Galleria Artistikamente
Largo San Biagio 53, Pistoia

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Tutte le tecniche di opera d’arte sono ammesse al premio: disegno, pittura, scultura, video, fotografia, grafica, mix media, installazioni e performance.

Internazionalità e networking rendono Yicca una grande opportunità per gli artisti, che potranno vincere un premio in denaro ed avere la possibilità di esporre le proprie opere in una galleria d’arte di una città europea. La selezione della giuria, composta da curatori e critici d’arte, porterà all’individuazione di 18 artisti che parteciperanno all’esposizione finale che si terrà al CMC – CENTRO CULTURALE MILANO, in autunno 2020.

Il bando scade il 22 maggio 2020.

PREMI
• premio in danaro al primo selezionato Euro 3.000,00
• premio in danaro al secondo selezionato Euro 1.000,00

Gli artisti avranno inoltre la possibilità di:
• presentare le opere d’arte selezionate presso lo spazio espositivo stabilito da concorso;
• arricchire il bagaglio relazionale tra artisti finalisti e critici, curatori, galleristi, istituzioni artistiche pubbliche e private che avranno accesso alla importante esposizione;
• accedere alla massima visibilità possibile attraverso la campagna pubblicitaria che seguirà il concorso in tutte le sue fasi gli artisti selezionati saranno pubblicati nel catalogo “YICCA” che verrà distribuito gratuitamente agli stessi artisti finalisti e sarà a disposizione dei professionisti nonché delle istituzioni invitate alla inaugurazione dell’evento espositivo.

Per iscriversi è necessario compilare il modulo presente sul sito ufficiale www.yicca.org/subscribe.

Le quote di iscrizione variano a seconda del numero di opere iscritte:

• 1 opera:45,00€
• 2 opere:75,00€
• 3 opere:105,00€
• 4 opere:125,00€
• 5 opere:140,00€
• 6 opere:150,00€

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IL PROGETTO

L’arte e la cultura devono continuare a vivere senza limiti e senza confini. 

Nasce ArtAway, piattaforma web che permette agli utenti diconoscere le bellezze artistiche del nostro paese e della storia dell’arte in un  modo nuovo e coinvolgente, offrendo ai visitatori l’opportunità di dialogare dal vivo con le migliori guide turistiche e i più esperti mediatori culturali.

Da un’idea di Paolo Gabriele Falcone e Laura Lamonea come reazione ad un  momento di grande difficoltà per sostenere la cultura ed il mondo dell’arte italiano, il progetto è stato realizzato durante la quarantena dal team di Video Sound Art, centro di produzione e festival d’arte contemporanea. Giunto alla sua decima edizione, VSA,  avvalendosi della pluriennale esperienza di Paolo Gabriele Falcone, product manager nella Silicon Valley,  contribuisce alla creazione di un nuovo modo di scoprire l’arte.

Dalla visita di Verona, alla scoperta delle metropolitane di Napoli, dai grandi capolavori dell’arte rinascimentale alle opere contemporanee, dal museo degli Uffizi alla collezione Iannaccone; le visite proposte sono varie e suddivise in livelli di approfondimento nell’ottica di presentare ai visitatori una proposta curata.

Tutto questo utilizzando una modalità non solo virtuale, ma dal vivo: attraverso la mediazione e lo scambio tra persone, perché la relazione umana sarà sempre motore di curiosità, tolleranza e conoscenza, qualcosa a cui non si dovrebbe mai rinunciare.

L’ESPERIENZA DEL VISITATORE

Il progetto si rivolge a coloro che sono impossibilitati a spostarsi fisicamente e non vogliono rinunciare a conoscere città e opere d’arte, ma anche a chi sta programmando un viaggio e vuole farsi un’idea più completa dei luoghi da visitare.

Inoltre gli appassionati d’arte e gli studenti potranno utilizzare ArtAway  come strumento di approfondimento, per visitare musei o esplorare correnti artistiche, accompagnati da esperti con cui potranno interagire dal vivo.

Dalla piattaforma web il visitatore potrà selezionare il tour che più gli interessa e prenotarsi negli orari disponibili. Successivamente riceverà le istruzioni per poter accedere alla video conferenza attraverso un semplice link. Una volta terminata l’esperienza, il visitatore potrà donare liberamente un contributo per supportare le guide e il progetto. In questo periodo difficile per tutti, ArtAway vuole garantire alle guide un compenso economico che sia idoneo alla loro preparazione accademica e professionale. 

LE GUIDE

Le guide e i mediatori culturali sono stati scelti attraverso un processo di selezione accurato per offrire al visitatore un’esperienza coinvolgente e di livello. I requisiti richiesti sono relativi alla formazione accademica – laurea specialistica in Storia dell’Arte ed eventuali Master o Dottorati in materia –  e all’esperienza di mediazione culturale presso dipartimenti di educazione dei principali Musei ed Istituzioni culturali.

Con questa preparazione accademica e competenze consolidate  di mediazione culturale, le guide condivideranno le loro conoscenze specifiche in campo artistico e,  contemporaneamente, arricchiranno l’esperienza degli utenti con opinioni e riflessioni volte al confronto collettivo. 

LE ESPERIENZE

La proposta di esperienze è diversificata ed in continuo ampliamento. Per ogni destinazione ci saranno dei tour volti alla conoscenza della città e dei suoi principali monumenti ed altri più specifici che offrono un approfondimento di un museo o di un artista in particolare relazionato a quella città. Ad integrare la proposta sono anche previste visite trasversali dedicate a grandi artisti che toccheranno più luoghi.

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BIO

Paolo Gabriele Falcone e’ un Product Manager che vive e lavora a San Francisco.  Si è laureato in Ingegneria in Italia, prima di trasferirsi in Irlanda per cominciare la sua carriera a Google, dove ha lavorato su diversi prodotti ideati per aiutare piccole e medie imprese ad ottenere successo online. Paolo ha cominciato a lavorare all’idea di ArtAway.com per rispondere alla crisi generata dal COVID-19 in Italia, per permettere all’arte ed alla cultura italiane di rimanere accessibili da chiunque e da qualunque parte del mondo, e per aiutare le guide turistiche il cui business è stato completamente cancellato dalle recenti restrizioni sui viaggi.

Laura Lamonea è la fondatrice del  centro di ricerca e festival Video Sound Art per il quale dal 2011 svolge il ruolo di direzione artistica.  Durante l’anno è impegnata nella realizzazione di nuove produzioni e svolge un ruolo di intermediazione tra artisti, gallerie e istituzioni museali. Ha lavorato  come regista per Radio2 e attualmente è consulente del Teatro Franco Parenti. Nel 2019 ha partecipato alla Biennale Internazionale olandese Manifesta 12 nell’ambito del dipartimento development and research. 

Video Sound Art è un centro di produzione e Festival di arte contemporanea, dedicato alla valorizzazione dei giovani talenti e alla promozione dell’arte visiva. VSA ha oggi all’attivo nove edizioni e numerose mostre e residenze presso Musei nazionali e internazionali. Ogni anno promuove giovani talenti attraverso la diffusione di un bando open call. È previsto, a supporto del vincitore, un percorso di intermediazione con gallerie, fondazioni e istituzioni culturali al fine di facilitare l’inserimento nei circuiti distributivi e creare occasioni di visibilità per le nuove creazioni. Video Sound Art organizza laboratori, conferenze, seminari condotti da critici d’arte, curatori, direttori di Fondazioni, collezionisti, galleristi, direttori di Musei.

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ART AWAY

www.artaway.com

Facebook @artaway.com

Instagram @artaway.com_official

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Valcarlo Drensi

Nato a Roma nel ’53, Drensi si forma sotto la guida del maestro salentino Raffaele Giurgola, da cui eredita e rielabora i caratteri figurativo-impressionisti. È il ’92, quando espone alla galleria Munch di Amsterdam e alla Ensen Gallery di Dresda. Torna poi in Italia per il Festival dei Due Mondi di Spoleto (’94 e ’96) continuando a raccogliere menzioni speciali e riconoscimenti in casa e all’estero. La svolta tuttavia arriva nel 2006 con il Movimento Artistico e Culturale dell’Affabulazione Italiana. Per Drensi l’artista affabulante è colui che non riproduce la realtà, ma ne propone una alternativa e verosimile. È chi “attraverso la memoria elabora il verso con l’immaginazione”.

Il Movimento Metaformale

Segue il Movimento Metaformale nel 2009. Il pittore ne è, ancora una volta, il fondatore. In particolare, parla di “sintetismo espressivo” per cui è possibile offrire un’interpretazione ulteriore della realtà rendendola rappresentazione di quella concettualità “immaginabile, leggibile e sintetica”. Niente fronzoli e orpelli, semmai un figurativo che renda più fruibile l’esperienza concettuale informale.

Folla, individuo e simbologia in Valcarlo Drensi

Interessante poi scoprire come dietro le creazioni di Valcarlo Drensi si nasconda anche una profonda analisi sociologica. Si prenda ad esempio la folla, un elemento spesso presente nei suoi lavori. Una folla dove il singolo individuo genera un movimento conflittuale o meno nei confronti degli altri e viceversa. Ciascuno dei personaggi è raffigurato in azione, in un moto di libertà ed espressione. Ciascuno si staglia su uno sfondo rarefatto che desidera passare inosservato per far emergere massimamente i suoi abitanti. Proprio a questi ultimi viene data particolare attenzione così come alla loro integrazione nel gruppo. Ecco allora che il pittore si aiuta, nella caratterizzazione sintetica dei personaggi, con l’utilizzo di simboli che connotino il soggetto e allo stesso tempo stimolino l’immaginazione del fruitore. Una bicicletta diviene metafora della gioia di muoversi e allo stesso tempo della fatica impiegata nel raggiungere un obiettivo; una barca simboleggia il viaggio e la speranza, così come una borsa il bagaglio di esperienze e conoscenze…

Il messaggio di Valcarlo Drensi

L’opera in questo modo si riveste di un significato palese e, al contempo, segreto. Ne nasce una suggestione tale da rielaborare il senso della realtà in un messaggio tanto concreto quanto comprensibile. O, come direbbe Vittorio Sgarbi: «gli uomini vengono esibiti quasi sempre nella loro pluralità, in disposizione orizzontale o verticale che sia, con la strutturalità decomposta della pittura a fare da perfetta metafora del loro essere un insieme comunque inseparabile, anche in una condizione permanente di annebbiamento che non è solo visuale, ma, probabilmente, anche esistenziale. È questo, forse, il messaggio più forte dell’arte di Valcarlo Drensi».

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Maria Petrucci

Il suo percorso artistico comincia a Mantova nel ’72, all’età di 33 anni. All’epoca Maria Petrucci frequentava i corsi dell’Enal (Ente nazionale assistenza lavoratori) e nel frattempo scriveva poesie, dipingeva. In questo periodo conosce il segretario Roberto Tranchina, che la inizia e incoraggia al mondo dell’arte presentandole un bando per un concorso artistico. Da allora la nostra artista raccoglie un successo dopo l’altro.

Più o meno è la stessa storia con la scultura: conosce il legno nella falegnameria dell’allora marito. Ne rimane affascinata, prova inquietudine. Comincia così a scolpire sulle ginocchia ed espone sei mesi dopo la sua prima scultura in una mostra di pittura. Ma quella rassegna viene vista dal critico mantovano Renzo Margonari che non si lascia sfuggire il nuovo talento. Con stupore la nostra artista ne legge il biglietto a lei indirizzato. Margonari le consigliava caldamente di smettere di dipingere per dedicarsi esclusivamente alla scultura. Si ricolgeva proprio a lei che aveva creato solamente un’unica opera scultorea, quella esposta… Si trattava nientemeno che di esordire come scultrice mentre, come, pittrice, era già affermata. Eppure segue il consiglio.

Quasi vent’anni dopo fonda il Museo Maria Petrucci nel suo paese natale, Toffia. Qui si dedica ai ragazzi e alla gente del suo paese. Tuttavia, come le piace ricordare, “la vita dà e toglie”: nel 2000 viene investita da un’automobile. L’incidente compromette per sempre l’uso del braccio destro. Dopo vari tentativi e atroci dolori, l’artista purtroppo è costretta a desistere dalla sua attività artistica.

Una speranza si riaccende nel 2008, quando Editoriale Giorgio Mondadori la contatta per il Catalogo degli Scultori Italiani. Da allora accende l’interesse delle più grandi associazioni artistico-culturali. Scrive nel suo sito: «Ogni lavoro nasce dalle mie emozioni, da una forte spinta interiore, dall’anima. Ho sempre desiderato essere in qualche modo a servizio degli altri e questo museo mi ha permesso di riuscirci».

Una storia travagliata e uno stile altamente suggestivo, quello di Maria Petrucci.

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Due voci,quelle del soprano Olga De Maio e del tenore Luca Lupoli, lontane, ma unite in un appello di solidarietà all’Italia,infestata dal Covid-19: in un video sul web, per la prima volta, dallo Stabat Mater di Pergolesi ” O quam tristis”, eseguito da un soprano e da un tenore.

OLGA DE MAIO  illustra le motivazioni alla base del progetto ” l’idea mi è venuta in mente in previsione del periodo Pasquale e del repertorio sacro ad esso legato,come lo Stabat Mater di Pergolesi ed ho  paragonato Maria,la madre di Gesù che piange suo figlio,all‘Italia intera che è provata per il suo popolo.

UN APPELLO dunque attraverso il canto e l’arte alla sensibilizzazione di quanto sta accadendo ma anche un’apertura verso la speranza di una ripresa veloce.

Il brano,eseguito a due voci, è stato cambiato rispetto all’originale scritto per soprano e contralto e ripreso,in maniera nuova, da soprano e tenore!

In conclusione un bel progetto artistico, umano e originale!

Nel video  scorrono le immagini di capolavori dell’arte, giacenti nelle loro sedi, i musei, ora deserti e tristi, in un pianto che presagisce una redenzione vicina.

 “0 quam tristis et afflicta “

è il terzo movimento, Larghetto, dello Stabat Mater di Giovan Battista Pergolesi (1710-1736), una delle sue composizioni più famose ed una delle più importanti del ‘700 musicale .

Probabilmente ,come riportato da alcuni suoi biografi,( Tommaso di Villarosa),pare che sia stata l’ultima sua composizione, scritta addirittura sul capezzale del ventiseienne musicista malato e consapevole della fine imminente, si narra che  :

negli ultimi istanti di vita   Pergolesi contemplo’ un’effigie della Madonna Addolorata, posta di fronte al letto e,osservandola ansiosamente, piangeva con il petto ansante, come se chiamasse la sua celeste musa.

Associazione Culturale Noi per Napoli

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Incontriamo, con grande piacere, la Dott.ssa Enrica Palmieri recentemente confermata nel ruolo di Direttrice dell’Accademia Nazionale di Danza per il triennio 2020/2022

E’ nostro desiderio sottolineare il rigoroso profilo professionale della Dott.ssa Palmieri che ci ha concesso l’intervista solo dopo l’esito delle votazioni proprio per evitare una possibile sovraesposizione mediatica.

Buongiorno Direttrice e le porgiamo le nostre congratulazioni.

Tracciamo un breve profilo artistico della Dott.ssa Maria Enrica Palmieri:

danzatrice, coreografa, docente, coordinatrice della scuola di coreografia dell’Accademia Nazionale di Danza e, da gennaio 2017, Direttrice dell’AND

La Dott.ssa Palmieri è anche membro componente del CNAM (Consiglio Nazionale per l’Alta Formazione Artistica e Musicale) del Ministero dell’Istruzione, dell’Università e della Ricerca.

Ha partecipato a numerosi Festival e tourneè in Italia e all’estero per poi trasferirsi negli USA a New York City, a Portland (Oregon), a S. Francisco (California) rientrando in Italia per dedicarsi alla creazione di coreografie che sono rappresentate in quasi tutti i paesi europei ed anche in Iraq, Mali e Capo Verde.

E’ la rappresentante italiana alla XII edizione dell’International Course for Professional Choreographers & Composers a Guilford (GB).

Curatrice di numerose manifestazioni artistiche pone in evidenza il connubio della danza con le arti visive multimediali ed attua un percorso di integrazione delle tradizioni coreutiche delle Isole di Capoverde in un processo creativo di più ampio respiro e non racchiuso in una ristretta ottica di unica centralità nazionale.

Direttrice, questa rinnovata fiducia manifesta l’apprezzamento del lavoro da lei svolto nel precedente triennio e delle indicazioni contenute nel suo documento programmatico delle attività per il triennio 2020/2022; ci può dare un suo pensiero?

Ricordo che nel mio passato ho vissuto esperienze professionali e di vita anche in zone di guerra dove ho partecipato intensamente con azioni umanitarie, ho attraversato pericoli di ogni genere che mi hanno formato e fortificato nell’affrontare la realtà e le responsabilità, ritengo quindi di poter gestire anche l’Accademia Nazionale di Danza.

Le difficoltà indubbiamente ci sono però esiste sempre una soluzione che deve essere cercata, analizzata ed attuata per la migliore prosecuzione ed affermazione dell’AND; il tempo aiuta a derimere le nubi all’orizzonte e far cessare le azioni o gli atteggiamenti che ostacolano lo sviluppo che essa merita.

Direttrice, questo suo pensiero evidenzia una forza di carattere non comune perché superare questi momenti di riflessione con le proprie forze significa avere un carattere combattivo e che non si arrende; è certamente un atteggiamento positivo.

Spesso sono testarda e determinata, mi sono trovata in momenti molto difficili della vita, momenti che anche di notte non mi hanno consentito di dormire ed anche in questa realtà – inizialmente – ho percepito un senso di solitudine, non ho percepito la felicità e la condivisione dei programmi e del pericolo che incombeva sullo sviluppo futuro dell’Accademia; in tempo di guerra ci si unisce, ci si aggrega, qui ho invece avvertito la divisione. Per fare un paragone è come se avessi aperto la scatola di Aladino ma non è apparso il genio che ha aiutato a risolvere situazioni, anche stratificate nel tempo, le ha soltanto messe in luce.

E’ stato un allenamento emotivo e razionale, un alternarsi di paura e razionalità che induce quindi al ragionamento, che permette di creare i vari collegamenti tra fatti e situazioni, di capire dinamiche, di aver chiari alcuni contesti, di scoprire i vari perché, i quali non sono mai casuali; posso ben dire che si è trattato di un intenso allenamento.

Il primo anno è stato molto pesante poi l’ho colto come una ulteriore opportunità di crescita personale e collettiva. C’è una parola ricorrente nel mio programma di lavoro e che ho enfatizzato durante il mio discorso di presentazione quando ho parlato di Navigazione.

Durante un percorso si possono trovare dei porti, degli approdi ai quali si arriva perché spinti dalla tempesta, dal vento o da altri fenomeni ma proprio questi, che possono apparire situazioni negative, si tramutano in nuove opportunità, in nuove soluzioni.

L’Odissea, la Navigazione è un percorso non un arrivo.

Su questo ho riflettuto, non bisogna pensare solo in termini negativi alle difficoltà e agli incidenti di percorso poiché esistono anche le soluzioni; se io nel mio ruolo creo un approdo io creo – conseguentemente – nuove opportunità. Le difficoltà apparentemente rallentano il percorso ma questi “incidenti” consentono di accrescere e migliorare noi stessi e l’AND   

Sono pronta ad affrontare anche queste situazioni inaspettate; tutta la mia direzione è stata una riflessione per elaborare un piano di interventi e di programmi che ci portano lontano, mi sono interfacciata con tanti personaggi ed istituzioni con cui mi sono trovata a lavorare e questi incontri e opportunità si possono replicare all’infinito.

Il nostro pianeta è meraviglioso ed in costante mutamento e leggendo tutti i punti contenuti nel programma si potrebbe erroneamente concludere che sia impossibile attuarli e che io desideri “apparire”. Io sono al servizio dei colleghi e degli studenti, non ho alcun atteggiamento agonistico, il mio ruolo è quello di creare nuove opportunità attraverso la realizzazione di progetti

NO, ogni indicazione o decisione è frutto di approfondita riflessione e non vale l’antico concetto che… un progetto vale l’altro.

Ogni progetto ha un significato ed un obiettivo ben preciso, il numero dei progetti non mi deve spaventare nè ci deve spaventare perché ogni progetto racchiude in se un seme che deve germogliare e far realizzare una nuova opportunità.

Questo ragionamento lo faccio anche nei miei confronti perché mi gratifica così come gratifica l’AND, il corpo docente e gli studenti che hanno sempre vissuto nell’ambiente familiare un po’ serviti e riveriti però poi, quando è il momento di prendere iniziative autonome, potrebbero cadere se non avessi creato per loro un percorso di crescita.

Non li devo far cadere, non è questa la mia funzione; io li devo sostenere e quindi il mio ruolo consiste nel creargli opportunità che possono realizzarsi in Italia o all’estero, su tutto il territorio, con i teatri, con i municipi con tutte le realtà.  

La danza si può ben declinare all’interno di ogni realtà culturale. E’ chiaro che sarà loro compito proseguire e perseguire i loro obiettivi ma io non posso abbandonarli a se stessi.

Loro sono sostenuti nella formazione che comprende non solo la tecnica ma anche la conoscenza più in generale del mondo esterno all’Accademia Nazionale di Danza. Si troveranno ad affrontare tante battaglie ma questo è insito nella evoluzione del processo educativo. I progetti sono come il percorso formativo con i crediti. I progetti sono affini cioè sono una parte del percorso formativo educativo con i relativi crediti che sono necessari per la completa formazione del futuro Professionista.

Se vogliamo continuare su questo futuro la Danza è ora chiamata a fornire risposte di altro genere non solo quelle di abbellire esteticamente i vari programmi TV oppure di creare un prodotto fruibile in teatro se poi non contribuisce a risolvere problemi o tensioni sociali.

Abbiamo visto che con la danza si uniscono le persone, con la danza si possono scegliere tra i diversi linguaggio del corpo e, rispetto al linguaggio orale, benchè più universale e riconoscibile, è più facile con la danza creare solidarietà.

Quantunque il governo non abbia varato una politica di interventi strutturali per il settore danza io invece ho ricavato uno spazio ed un programma di opportunità da poter cogliere. Consideriamo, per esempio, che la danza è ecologica, non crea inquinamento, abbiamo in mano un’arte capace di adattarsi. La danza ha una sua missione che si adegua ai tempi che si stanno evolvendo, si plasma ai movimenti è in continuo divenire.

La danza ha la sua funzione.

A che scopo vivere, a che serve il tempo e le opportunità che la vita ci concede? Il trascorrere del tempo è un’opportunità perché ci permette di vedere cose che prima non si vedevano, l’arte della danza è stata sempre percepita come una professione di nicchia. L’arte è parte della cultura, l’arte è un prodotto umano, è un prodotto della cultura.

L’uomo ha bisogno della cultura per sopravvivere, in natura l’uomo è debole rispetto agli altri animali, la cultura e l’arte rappresentano invece la forza, sono la vita che necessita all’uomo.

La cultura nasce prima ancora della nascita della norma, del diritto; l’arte è la prima forma della cultura, è il primo atto creativo. Si può concettualmente assimilare alla cornice del famoso quadrato che se viene posizionato perpendicolarmente diventa una parete, se lo sposto in alto diventa un tetto, in pratica realizza una delimitazione del territorio.

L’arte è la vita.

L’essere umano deve essere abituato e facilitato ad apprendere l’arte e senza l’arte l’uomo non può vivere.  L’uomo dovrebbe sempre avere la possibilità di coltivarla anche se poi si inserisce in un percorso lavorativo dove l’arte è esclusa ma dovrebbe sempre conservarne il Segreto.

L’arte è universale.

Direttrice, nel suo programma elettorale o di lavoro che aveva proposto al mondo dell’AND vi è il concetto della democrazia che coinvolge l’intera struttura e, in modo particolare, il concetto dell’internazionalizzazione. Ci può dare maggiori indicazioni?

Io la democrazia la intendo come concetto di RESPONSABILITA’. La democrazia potrebbe essere facilmente confusa con il concetto di populismo o anche per la capacità di saper creare un consenso. Voglio che le scuole, le strutture didattiche siano responsabili del progetto che deve legarsi alle finalità dell’Accademia, esse devono muoversi in direzione univoca e conforme alla funzione che esplicano. Nel mio caso il concetto di Responsabilità implica anche risvolti di tipo legale e penale connesse al mio ruolo.

Nel caso dei docenti la considero una responsabilità individuale, il ruolo del docente necessita di una forte deontologia professionale. Mi piace la trasparenza e la lealtà, mi piace vedere che gli studenti sanno, per esempio, orientarsi mediante indicazioni chiare senza che debbano vagare a chiedere e cercare. Allora che cosa significa comunicazione chiara? Questa chiarezza, anche nelle indicazioni, consente di trovare agevolmente ciò che è di personale interesse anche se si è un neofita; ci si rende conto che si è all’interno di un sistema, di conoscerlo, si sa dove andare, come muoversi e quindi non si rimane escluso.  Se esiste un sistema verticale e centralizzato che non è user friendly, è difficoltosa la sua consultazione; il sito deve essere chiaro, trasparente e fornire ogni indicazione. Ogni struttura didattica ha corsi particolari con diverse finalità e non si può seguire tutto, bisogna saper scegliere. Quell’atto di scegliere è quello che ci contraddistingue, si deve effettuare una scelta consapevole, si deve portare avanti il proprio obiettivo con consapevolezza.

Direi che il suo programma di lavoro è stato compreso e sono state messe in atto le sue indicazioni.

Io non ho fatto promesse particolari a nessuno, tutti si sono responsabilizzati e tutti hanno afferrato le indicazioni fornite malgrado – inizialmente – ci siano state anche difficoltà di comunicazione tra me ed i colleghi i quali si sono trovati investiti di molte responsabilità. In alcuni momenti c’è stato anche qualche attrito su cui ho meditato.

 Se i miei programmi, le mie azioni sono rapidi e dinamici non posso pretendere che siano seguiti da tutti però è anche vero che è meglio rischiare un attrito interno piuttosto che tornare a situazioni precedenti dove nessuno sceglieva, dove nessuno si responsabilizzava. Ci sono stati anche momenti dove mi sono sentita esclusa in quanto, nel mio ruolo di Direttore, dovevo fermare un piano artistico che magari non avevo avuto modo di condividere nella discussione con gli altri. Tuttavia ho preferito correre questo rischio piuttosto che tornare a “prima” dove c’era imposizione oppure consuetudine perché la consuetudine genera vizi; preferisco invece che ogni attività, ogni pratica sia ragionata, sia condivisa e ci sia la convinzione che quella pratica non è una semplice formalità ma è sostanza dell’azione.

 La nostra fondatrice è stata una innovatrice, ha praticamente creato l’Accademia dal nulla, l’AND è nata come una costola della Regia Scuola di Arte Drammatica, ha fatto molto bene in quel periodo storico ma quella eredità non dobbiamo, non possiamo mantenerla immutata sino ai giorni nostri. Non possiamo soltanto continuare a gestire un’eredità e sopravvivere di rendita. Oggi dobbiamo ampliare il nostro sguardo oltre un corto raggio ma non esporsi a rischi finanziari, dobbiamo investire con cautela e lungimiranza.

Direttrice, in un suo punto del programma di lavoro lei accennava a un percorso più legato alle istituzioni, può ampliare questo punto?

Assolutamente SI, noi siamo unici ma non possiamo rimanere nella nostra unicità o solitudine La solitudine è una condanna a rimanere soli, noi dobbiamo invece interagire con istituzioni a noi affini e mi riferisco a Campobasso, Benevento, Roma parlando di Conservatori e Napoli, Ravenna e Torino come Accademie.  Li ho inclusi nei miei progetti di collaborazione e devo dire che i colleghi delle altre istituzioni mi hanno supportato, ci siamo supportati, c’è stata una condivisione di progetti.

La Danza potrebbe rappresentare una Istituzione all’estero dove ho lavorato lungamente con molti compositori. Posso affermare che le creazioni più belle che hanno realizzato questi compositori per la danza le hanno realizzate grazie alla danza che gli ha creato una logica e soprattutto gli ha fatto scoprire delle tematiche a loro prima estranee; la danza gli ha permesso di fare ricerca e quelli che non si sono legati alla danza non ne hanno tratto vantaggio perché non si sono abbandonati alla danza, non sono stati contaminati dalla danza… sono rimasti “sospesi”.

Direttrice, l’internazionalizzazione è un concetto a cui lei tiene in modo particolare, questa internazionalizzazione può essere legata anche al supporto che fornisce la Cuomo Foundation?

Assolutamente SI

La Cuomo Foundation ha come slogan “L’arte dell’educazione è l’educazione del cuore”.  E’ un assioma chiaro che non lascia dubbi circa la Mission che si è data. Ho avuto anche altri contatti con altre fondazioni private di grandissimo livello ma ho verificato che questa Fondazione sa fare le cose con stile, con qualità ed amore. Madame Cuomo mi assomiglia, è pragmatica ed anche lei lotta per raggiungere gli obiettivi. Ha il senso del bello e dell’arte, la capacità di perseguire i sogni come me e, come me, non intende far rimanere i sogni nel cassetto. Ho avuto l’opportunità di visitare il loro centro cardio pediatrico a Dakar mentre ero impegnata in un altro progetto che non vedeva la presenza della Cuomo Foundation e questo centro cardio pediatrico è stato realizzato a misura di bambino e a misura di mamma. Quando sono arrivata era in corso una sessione di musicoterapia per i bambini piccoli, per i più grandi e con le mamme. Possiede macchinari ad altissima tecnologia, un centro di ricerca all’avanguardia. La Cuomo Foundation è una organizzazione privata che fa investimenti, è attenta alla propria visibilità ma la sua missione è anche rivolta all’Arte. Madame Cuomo è sensibile alla crescita dei giovani ed infatti i suoi collaboratori sono prevalentemente giovani professionisti di grande qualità. Altrettanta sensibilità la rivolge alla crescita dei giovani artisti.

Si è interessata ai miei programmi di sviluppo dei giovani artisti per i quali voglio creare alleanze, creare opportunità. Al Premio Roma la giuria è costituita da coreografi, critici, da organizzatori di festival, proprio con l’intento non finalizzato solo a corrispondere premi in denaro ma – principalmente – offrire connessioni, legami che possano generare contatti e accordi ed avere una continuità futura.

Madame Cuomo ha sposato pienamente le finalità del progetto per far emergere le qualità dei giovani ma non necessariamente emergere significa essere “il primo in assoluto” però consente di cambiare la propria esistenza. Certamente un artista senza un pubblico a cui parlare rimane racchiuso in se stesso, non riesce ad esprimersi quindi il fatto di vivere il Premio Roma consente di trasmettere le proprie sensazioni; tutto ciò rientra nella Mission della Cuomo Foundation. Diciamo che Dio mi ha mandato le persone giuste al momento giusto. Anche Madame Cuomo ama le cose belle che racchiudono anche un valore filantropico e senso di umanità. Ci piace pensare all’umanità, abbiamo sogni che si devono realizzare, non siamo missionari quindi tutto quello che attiene i nostri specifici credo, ai nostri valori religiosi, sono messi da parte.

Madame Cuomo ha perfettamente compreso che la sua sponsorizzazione del Premio Roma, come possibilità offerta ai giovani, costituisce la realizzazione di alleanze e connessioni di alto profilo artistico.

Aggiungo che la Cuomo Foundation sarà con me al Padiglione Italia a Dubai perché il Padiglione Italia che presenterà il Premio Roma sarà incentrato sulla bellezza. 

Direttrice è evidente che questa sua impostazione riguardo al futuro dell’Accademia naturalmente necessità di un corpo docenti e di una struttura alle spalle che condivida pienamente i programmi. Concorda su questa affermazione?

Ritengo sia assolutamente opportuno che non vengano creati ostacoli alla visione del futuro dell’AND, che non ci si opponga a questo tipo di esperienze. Indubbiamente non è semplice e ci sono detrattori, non tutti sono dalla mia parte.

Si può anche ignorare il consenso rispetto a questo tipo di difficoltà ma i programmi non sono una novità, sono una continuazione di quanto già programmato e svolto. Mi si può anche contrastare ma si deve prendere atto che l’Accademia vuole andare in questa direzione così come espresso dalla maggioranza la quale potrebbe eccepire il mio mancato rispetto dei programmi stabiliti; ho anche una responsabilità nei confronti della maggioranza.

Io sono tenuta a rispondere del mio programma elettorale, l’ho sempre seguito e ogni volta verificavo se mi stavo muovendo verso quella direzione stabilita.

Direttrice il suo programma di lavoro elettorale per il prossimo triennio va a confermare o integrare i famosi 7 punti contenuti nel precedente programma?

Migliorare SI:  la comunicazione, l’ascolto ed ampliare il processo di internazionalizzazione Quest’anno abbiamo accordi con quattro paesi extraeuropei su cui dobbiamo lavorare per tre anni, adesso mi accingo a realizzare un altro progetto con altri tre partner europei. Se questi progetti saranno approvati avremo ben sette opportunità per l’Accademia Nazionale di Danza.

Ci sono tanti altri progetti con l’obiettivo “Europa” per i quali l’AND corre veloce nella internazionalizzazione. Sottolineo, come già detto, che è una prosecuzione di quanto già posto in essere, nessuna novità. 

Direttrice, non c’è stato nulla di quei 7 punti che ha incontrato maggiori ostacoli al suo conseguimento?

Nessuno per me era sbagliato ma una cosa non sono riuscita ancora a concludere ma non perché non l’abbia voluta realizzare. Ci ho lavorato due anni e mezzo e molto probabilmente riusciamo a farcela; mi riferisco al decentramento dell’Accademia.

Pur lavorandoci intensamente mi è apparso poi chiaro che il MIUR non mi avrebbe concesso i necessari finanziamenti e quindi, non volendo agire sulla leva economica riguardante la retta degli studenti, ho condotto un altro tipo di politica e cioè sono stata inclusa all’interno di un vasto ed articolato progetto che – se riceve le approvazioni – è il preludio del decentramento. Con ciò intendo costituire corsi esterni all’Accademia, in altri qualificati siti; l’Accademia è unica e prestigiosa e noi dobbiamo rispondere alle aspettative e richieste di iscrizione che sono molto numerose. Vivere a Roma e frequentare l’AND impone un esborso economico a dir poco significativo. Per ottenere il decentramento perseguo una politica di alleanze e non di aggressività.

Ovviamente non è realizzabile in tempi brevi ma con il decentramento creiamo servizi e proposte per il territorio, mostriamo così di avere una visione lungimirante, l’Accademia Nazionale di Danza si apre verso l’esterno anziché rimanere confinata nella sua unicità.

Direttrice le vorremmo proporre una riflessione forse “politica” circa la mancanza di offerta formativa coreutica nelle scuole, quale è il suo pensiero?

L’Arte coreutica non è stata mai inserita nel processo culturale. Se io vado a leggere la storia dell’Italia è pur vero che la danza nasce in Italia ma non è stata mai inserita nel processo di crescita culturale; la cultura italiana – di fatto – non è legata alla danza. È una semplice questione numerica. Mi spiego: quanti danzatori hanno contato nel mondo del lavoro? Ben pochi. Nelle scuole si conducono processi di acculturazione, di identità. Se dovessi pensare a personaggi famosi penso a Verdi a Michelangelo a Leonardo, dico quindi che necessita sviluppare un processo culturale sin dalle elementari, che la danza possa essere inclusa ma non a scapito della matematica, dell’italiano o di altre attività utili proprio per diventare “persona”. La danza deve affiancarsi e con le stesse attenzioni che vengono rivolte ad altri tipi di attività. Lo sport è utile, lo sport crea spirito comune cosa invece che la danza non crea, lo può creare se utilizzata in un certo modo ma è molto individualistica, crea un lavoro sull’ individuo, sul proprio corpo. Il calcio, dove ognuno ha un ruolo definito, rappresenta il gioco di squadra. Quando si mette in scena un balletto abbiamo il primo ballerino e il corpo di ballo e si crea così la squadra dove il gruppo rappresenta la cornice ed il primo ballerino esegue la prestazione artistica eccellente. La danza non è soltanto una esplosione di energie, che comunque avviene, ma è una esaltazione dell’anima, da una lezione di danza si esce sfinite ma contente, la danza è un sentimento molto personale.

Tornando alla sua precedente domanda relativa alla offerta formativa coreutica nelle scuole aggiungo che la nostra cultura si fonda sullo scritto, non c’è nulla che non passi attraverso uno scritto che esso stesso è un linguaggio; la musica è scritta, tutto è codificato. Da ciò è facile intuire il perché in Africa la danza rappresenta la storia dell’uomo, della tribù. La storia della tribù è tramandata attraverso la danza, che non è fondata sullo scritto. Ci sono danze che vengono rappresentate ogni 70 anni e i danzatori indossano dei copricapo alti 4 mt. con i quali eseguono movimenti molto difficili. I movimenti dei danzatori esprimono valori spirituali o legami tra le comunità: matrimoni, accordi tra le tribù ecc. e dai movimenti ed intrecci dei danzatori ne scaturisce un presagio.

Nulla è scritto, la storia è tramandata per via orale, la danza è l’unico strumento, è un linguaggio comune, crea identità culturale.

Direttrice lei è chiamata ad altri impegni, cosa può dire a tutti coloro che “fanno danza”?

Di non dimenticare la propria libertà; la danza deve istruire alla libertà che non è una cosa dovuta. E’ la libertà di scelta ma con consapevolezza. Il messaggio più importante che io lancio è utilizzare pienamente questa libertà, farla divenire una sorta di guida quotidiana. Deve venire “da dentro”, la danza non è una finalità ma uno strumento che rende capace di affrontare le avversità con lealtà con rigore e con chiarezza.

Grazie Direttrice.

PH Federica Maria Bianchi tratte dal sito AND per finalità divulgative e non commerciali

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Insieme, per rilanciare il paese, sono chiamati all’appello, oltre agli artisti italiani, anche critici e storici dell’arte, musei e gallerie, le case d’asta, gli imprenditori, i filosofi ecc. Per contrastare quella che l’OMS (l’Organizzazione mondiale della sanità) ha dichiarato una pandemia, serve un’azione coinvolgente e unificata. Così la pensa Gabriele Maquignaz, che suggerisce caldamente di seguire la direzione della solidarietà attiva e di mettere in pratica ciò che da sempre nobilita l’essere umano: l’arte. Piccola divagazione sul tema: l’etimologia stessa della parola, che probabilmente deriva dalla radice ariana ar- (che in sanscrito significa “andare verso”) suggerisce l’immagine dell’adattamento, del fare, della produzione armonica. E cosa c’è di più armonioso di un gesto altruista fatto per mezzo di opere d’arte?

Con l’intenzione di raccogliere più opere possibili, Gabriele Maquignaz propone l’organizzazione di un’asta online che abbracci tutta la nazione. L’arte salverà l’Italia? Certamente contribuirà a farlo. L’artista ha trovato in questa forma d’espressione, nell’arte, la sua ragione di vita. Con il Manifesto Codice Aldilà, presentato nel 2018 ad Albissola Marina (SV), ha esposto la sua ricerca in merito a temi esistenziali quali vita, morte, spazio e tempo. Il suo percorso trova un acceleratore naturale: l’incontro con Philippe Daverio, con il quale ha presentato lo scorso febbraio a Milano il suo ultimo catalogo edito da Skira Edizioni: La Porta dell’Aldilà.

In un periodo di ansie, di emergenze e di crisi come questo, profondamente segnato dalla presenza del virus Covid-19, occorre elevare lo sguardo. L’arte può essere anche una cura materiale, il suo valore può essere anche concreto oltre che emozionale.

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