VERNISSAGE 13 maggio 2026 h. 18:30

 IN MOSTRA dal 14 maggio al 6 giugno 2026

mercoledì – venerdì h. 16 – 19; sabato h. 11 – 19

o su appuntamento whatsapp 349-5056460

INGRESSO LIBERO

“In questa mostra ho dipinto anche alcuni soggetti dello shintoismo: i draghi sono divinità protettrici dell’acqua e nuotano tra le nuvole; i cervi e le volpi sono messaggeri delle divinità di boschi e montagne. Dipingo gli umani di spalle, ma loro, queste divinità e messaggeri, ci guardano e ci interrogano”

Ritorna a Manifiesto Blanco, dopo la personale del 2022, il pittore giapponese Kazuto Takegami, con una mostra che trasforma la galleria in un luogo di meditazione, dove le tele dipinte vibrano e trasmettono energie ancestrali, tra cieli verde-acqua, nostalgici orizzonti di oceani lontani e creature ospitate da boschi e rami.

Sia in Italia che in Giappone abbiamo esperienza di ammirare foglie e nuvole nel divenire delle stagioni, con colori, temperature, luci diverse. Non è così in tutte le parti del mondo.

Sempre presenti sopra e sotto di noi, foglie e nuvole sono certamente una preziosa eredità dei nostri territori e dei nostri cieli, messaggeri portatori di storie, gioie e, talvolta, ferite. Takegami, da osservatore della Natura, percepisce le vibrazioni di questi elementi, esempio dell’effimero e del transitorio che donano al nostro sguardo la bellezza delle loro mutevoli forme e colori.

Le nuvole: basta alzare lo sguardo verso il cielo. Quante immagini si creano nella casualità delle correnti d’aria calda e fredda, in quell’effetto di soffice morbidezza che riporta a quando eravamo piccoli, aprendo il cuore – inaspettatamente – a ricordi che erano rimasti sopiti.

Quel che si vede, poco dopo non c’è più. Vederlo è cogliere l’attimo, l’emblema della preziosità del singolo momento che quando accade – poi – non torna mai identico a prima.

Fatte di acqua sospesa, sono un filtro nel cielo che esalta i colori di albe e tramonti, nel passaggio del tempo. Il temporale le rende protagoniste e scarica sulla terra la pioggia che disseta, distrugge, ricrea.

Le foglie: alberi e piante con le loro fronde ci riparano dalla luce, creando rifrazioni cangianti quando scorgiamo il sole fra i rami; luce che – filtrata dall’aria – arriva a noi e ci fa percepire un leggero brivido di bellezza che riequilibra le nostre forze e accarezza cicatrici.

Le foglie servono alle piante per trasformare la luce nel loro nutrimento, sono dei “visi” rivolti verso il sole per raccoglierlo e filtrarlo in elisir di vita.

Le loro venature ricordano le rughe che gradualmente appaiono sui nostri volti, tra sorrisi, lacrime, gioie e dolori della vita. Proteggono le creature di boschi e parchi. Il vento le sposta, le fa cadere, e crea nuovi passaggi, come messaggi tra cielo e terra.

L’esposizione delle opere di Takegami ci accompagna in questo percorso di storie e memorie, con quadri, disegni e piccole sculture che raffigurano momenti di stupore e bellezza del transitorio, schegge di una quotidianità resa protagonista nell’attimo di splendore che si è manifestato e che va conservato nel ricordo, come qualcosa di prezioso.

Kazuto Takegami nasce in Giappone nel 1970. Dopo la laurea presso la Musashino Art University di Tokyo con specializzazione in pittura ad olio, svolge il lavoro di professore d’arte per alcuni anni. Decide in quel periodo di dedicare la sua vita solamente all’attività di pittore. Nel 1998 giunge in Italia con una borsa di studio del Ministero della Cultura e arricchisce le sue conoscenze pittoriche presso l’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano, città nella quale attualmente vive e lavora.

È nel contesto italiano ed europeo che perfeziona l’uso della pittura ad olio, da lui molto amata. Apprende allo stesso tempo le tecniche dell’affresco e della tempera grassa. La lontananza dal suo paese natio gli consente di riscoprire la bellezza delle sue origini, portandolo ad usare sempre più i materiali della tradizione pittorica giapponese come l’inchiostro di china, il gofun, i pigmenti naturali. Una perfetta fusione tra oriente ed occidente.

L’artista ha esposto in mostre personali e collettive specialmente sul territorio italiano, oltre che in Europa ed in Giappone. Dal 2020 diviene socio della Società per le Belle Arti ed Associazione Permanente di Milano.

www.kazutotakegami.com

IG kazutotakegami

The post Mostra STORIE DI NUVOLE E FOGLIE – Kazuto Takegami @ Manifiesto Blanco appeared first on ComunicatoStampa.org.

Simone Carbone presenta un enigmatico romanzo giallo ambientato nell’affascinante città di Torino, in cui si muove un assassino spietato e con un machiavellico piano da portare a termine. Sarà l’ex ispettore e ora investigatore privato Edoardo Lodovici a tentare di rivelare la sua identità, prima che altre pedine di questo macabro gioco cadano sotto i colpi di un individuo folle e in cerca di vendetta. Con una prefazione di Daniele Giannazzo, autore e fondatore del noto portale di intrattenimento Daninseries. 

Casa Editrice: MTS Edizioni

Genere: Romanzo giallo

Pagine: 188

Prezzo: 18,00 €

Codice ISBN: 979-1281849273

«Torino brillava sotto le luci artificiali, inconsapevole del vortice di eventi che aveva travolto Edoardo. Il volante era rigido sotto le dita, il respiro corto, le pupille fisse sulla strada. Ogni chilometro inghiottito dal buio lo avvicinava a una trappola. E lui lo sapeva»

“Chiaroscuro. Interpretazione di un delitto” di Simone Carbone è un giallo psicologico che ci conduce in una storia inquietante e ricca di simbologie occulte, ambientata nel mondo dell’arte contemporanea. In una Torino raffinata e allo stesso tempo oscura, che rispecchia perfettamente le luci e le ombre dei personaggi che compariranno in scena, si svolge questa trama misteriosa e caratterizzata da una scrittura tagliente e coinvolgente; il protagonista dell’opera è Edoardo Lodovici, un ex ispettore che ha lasciato la Polizia diversi anni prima, nonostante il suo innegabile talento investigativo, in seguito a un evento che lo aveva segnato profondamente. Ora è un detective privato, ma accade spesso che Alice Dall’Erica, l’attuale capo della squadra mobile, lo coinvolga nei casi più spinosi e lo affianchi al suo braccio destro, l’ispettore Tommaso Barbieri.

Ed è così che Edoardo, richiamato all’azione dalla ex collega, si ritrova invischiato in una vicenda torbida: l’assassinio di Gioele Castelli, un giovane artista e mecenate, proprietario di una nota galleria d’arte torinese; un visionario che desiderava intrecciare l’arte classica con le tecnologie all’avanguardia, per gettare un ponte tra passato e futuro. Iniziando ad indagare, il protagonista si trova davanti a una realtà che, ben presto, si rivela essere pura apparenza: solo lo sguardo affilato di Edoardo riuscirà a penetrare la superficie, per svelare una verità che risulterà essere soltanto la punta dell’iceberg di una vicenda ben più intricata.

Tra ambiziose visioni artistiche che dovrebbero garantire l’eternità a chi le realizza, un fantasma che ritorna dal passato, complessi enigmi da risolvere e strani messaggi da decriptare, il protagonista viene chiamato a fronteggiare un nemico pericoloso e astuto, che ha dalla sua parte una delle armi più potenti: una furibonda sete di vendetta. Servirà il suo formidabile intuito da investigatore per venire a capo di un mistero che arriverà a mettere a dura prova la sua lucidità mentale, quando verrà colpito nella sua intimità; sarà una partita ardua, giocata su un terreno sfavorevole per Edoardo, brancolante nell’oscurità di un odio viscerale.

SINOSSI DELL’OPERA. Quando un omicidio scuote l’élite artistica di Torino, l’ex ispettore Edoardo Lodovici si ritrova, suo malgrado, coinvolto nelle indagini. Un taccuino enigmatico, una rete di segreti nascosti sotto la superficie della città e un passato che torna a tormentarlo. Un gioco investigativo pericoloso, dove nulla è come sembra e ogni risposta porta solo a nuove domande. Tra inganni, alleanze in bilico e una verità sempre più sfuggente, Edoardo dovrà affrontare non solo il mistero, ma anche i fantasmi che pensava di aver lasciato indietro. La soluzione è più vicina di quanto creda… ma a quale prezzo?

BIOGRAFIA DELL’AUTORE. Simone Carbone è nato a Potenza nel 1991. Appassionato di comunicazione, tecnologia, informatica e scrittura creativa, lavora nel marketing per una multinazionale, ma è nelle storie che trova la sua dimensione più autentica. Tra le sue prime passioni ci sono anche la palestra, la cucina e il mondo Marvel. Nel 2023 si trasferisce a Torino, città che ama e che diventa lo sfondo perfetto per il suo romanzo d’esordio, “Chiaroscuro. Interpretazione di un delitto” (MTS Edizioni, 2025): un’indagine tra misteri, inganni e innovazione, dove il confine tra realtà e finzione si assottiglia pericolosamente.

Contatti

https://www.instagram.com/thecarb1/

www.mtsedizioni.com

Link di vendita online

https://www.mtsedizioni.com/prodotto/chiaroscuro-libro-thriller/

https://www.amazon.it/Chiaroscuro-Interpretazione-delitto-Simone-Carbone/dp/B0F4HBD18H

Ufficio Stampa Diffondi Libro

https://www.diffondilibro.it/

Mail: info@diffondilibro.it

The post Simone Carbone presenta il romanzo giallo “Chiaroscuro. Interpretazione di un delitto” appeared first on ComunicatoStampa.org.

“Dislikeme” è il rifiuto di un mondo dominato dalla ricerca incontrollata dei Like sui Social. I Like trasmettono un senso di piacere che è alla base dei fenomeni di dipendenza. Dislike è un neologismo creato dall’artista, un pollice verso, simbolo di denuncia contro la perdita di autenticità dell’individuo, un’attenzione dedicata ai problemi d’identità e di genere, che denunciano un forte dissenso nei confronti di una cultura votata all’omologazione.

Tre le installazioni in mostra, realizzate con l’impiego di luci al neon dislocate in tre ambienti diversi che richiamano spazi industriali o commerciali dai colori acidi. Le installazioni entrano in relazione con l’ambiente dove sono collocate, creando atmosfere suggestive e quasi mistiche.

Nel primo ambiente azzurro una scritta a neon “Dislikeme” poggia su un letto di spilli d’acciaio. Nel secondo, di colore rosso, due opere fotografiche dal titolo “You dare b’cause You are” e “Do not lie to me” mettono in risalto l’unicità nella diversità, con un’attenzione al corpo come luogo politico.

The post Siracusa – “Dislikeme”, personale di Giancarlo Marcali alla Montevergine artecontemporanea appeared first on ComunicatoStampa.org.

Intervento del Giornalista e Fotografo Zeno Tentella

Inaugurazione Sabato 4 Novembre ore 17:00

Nei dipinti di Giancarlo Cuccù il colore è sostanza e trasfigurazione: paesaggi, figure e nature morte sono animati da una sottile vibrazione interiore che rivela sommessamente il confine fra l’esistere e il dissolversi. Colore come materia vivente, il cui fremito è il dinamismo che pervade il passaggio terreno di tutte le cose, umane, animali e naturali: non esiste nulla di completamente incontaminato e avulso dal dolore di questo percorso, e la stessa lacerazione è fondamento di nuova creazione. “Fuori dal limbo non v’è eliso”, scriveva Elsa Morante ne “L’isola di Arturo” (1957), e in effetti la ricerca di ciascuno di noi, e del pittore in particolare nella sua opera, è quella di scandagliare tale limite, fra innocenza e inevitabile corruzione, nel suo trascorrere ed imprescindibile, necessario ripetersi.

Da Cèzanne a Soutine, fino ad espressionisti nordici come Nolde e Appel, l’addensarsi dei cromatismi timbrici sottolinea la forza incisiva del messaggio: i blu e i verdi intensi, riproposti in reiterate declinazioni nelle rappresentazioni degli amati scenari marchigiani delle colline e dei monti, specchio-riflesso di tutta una vita, si scontrano con l’energia del rosso intenso e l’esplosione del giallo, il quale origina punti di luce che accendono le composizioni e fanno da contrappunto. Il gioco di chiaro e scuro è fondamentale nelle opere di Giancarlo Cuccù, sebbene queste appaiano ad un primo sguardo nutrirsi di sole reiterate tonalità predilette dalla sua tavolozza; l’alternarsi di essi costituisce il diaframma fra l’inizio e la fine di tutto.

E’ per questo che la fragile malinconia dei bambini si rispecchia nell’assorta rassegnazione degli adulti, generando un continuativo anello di congiunzione fra passato e presente, che coniuga l’esperienza intera della nostra specie. Le sembianze trascorrono, come per ogni altro soggetto, verso la loro consunzione, le nature “vive” traslucide svelano una intrinseca, impellente ed imminente degenerazione. Ma ad alimetare questo filo conduttore costante non vi è semplicemente un pacato, consapevole e oggettivo spirito osservativo, quanto si percepisce altresì una curiosità vivace e sottesa, un anelito sommesso e persistente, uno studio attento e progressivamente affinantesi verso quel principio innato e inconoscibile se non per atto di fede, che è la “fiammella” immateriale, fonte e radice ultima di ogni ente.

19.10. 2023 Maria Palladino

Mostra in collaborazione con la Galleria Città di Padova

Galleria Città di Padova, Vicolo Santa Margherita 2 (angolo con Via San Francesco), 35121 Padova (PD).

La mostra resterà visitabile fino al 18 Novembre.

Orari di apertura: 16:00 – 19:15. Chiuso Domenica. Ingresso libero.

Per informazioni: Maria Palladino 3341695479 audramaria76@gmail.com

Galleria Città di Padova: 3403230490 assartepadova@gmail.com

The post Mostra Personale di Pittura “Il Colore come riflesso dell’Anima”, del Maestro Giancarlo Cuccù appeared first on ComunicatoStampa.org.

PassepARTout Unconventional Gallery è lieta di annunciare l’apertura della mostra Geometrie Cosmiche dell’ingegner Orlando Allocca in arte Orloco.

Questa eccezionale mostra personale del Maestro Orloco racconta un universo onirico fatto di sensazioni, visioni, forme e scomposizioni.  La rassegna verrà inaugurata sabato 15 aprile alle ore 18:00 in occasione della Milano ART & DESIGN WEEK nell’incantevole scenario espositivo di Unahotels Expo Fiera Milano, il più grande ed importante Business Center di Milano.

La Direttrice e curatrice dell’evento Elena Ferrari presenterà la serata insieme al critico e storico dell’arte Prof. Nicola Traversoni, offrendo al pubblico una visione inedita ed una personale chiave di lettura delle opere.

Apertura mostra:

Nei giorni dal 16 al 30 aprile l’accesso alla mostra è libero TUTTI I GIORNI dalle 9:00 alle 18:00.

Inaugurazione:

sabato 15 aprile ore 18:00.

Prenotazione obbligatoria contattando via email passepartoutgallery@libero.it

PassepARTout Unconventional Gallery

C/O UNAHOTELS Expo Fiera Milano

Via Keplero 12, Pero (MI)

Per informazioni contattare passepartoutgallery@libero.it

Seguiteci anche su Instagram @passepartoutgallery  –  visitate il sito

www.passepartout-unconventional-gallery.com

DIRE COSE DIFFICILI IN MODO SEMPLICE

“Di tutte le arti, la pittura astratta è la più difficile. Richiede che tu sappia disegnare bene, che tu abbia una maggiore sensibilità per la composizione e i colori e che tu sia un vero poeta.”

Vasilij Kandinskij

Le opere presentate da Orlando Alloca (Orloco) inaugurano la strada dell’astrazione, dirigendosi verso riflessioni ed esperimenti di un’arte non oggettiva, il più delle volte.

Quello che più traspare dai suoi lavori sono le emozioni, evocate con veemenza attraverso l’utilizzo di forme elementari e primarie nel tentativo di esprimere questioni profonde attraverso forme, linee e colori.

Anche se di piccolo formato, nelle opere di Orloco si ode, inoltre, il richiamo di alcune caratteristiche proprie della Color Field Painting: l’utilizzo di forme piatte nel tentativo di distruggere ogni parvenza illusoria per rivelare, al contempo, una sintetica verità.

L’artista dunque approda verso una personale visione dell’astrattismo, caratterizzata da un sistema di variazioni tra elementi formali impiegati per costruire uno spazio del quadro che non è da percepire come una banale organizzazione, perché diviene composizione, scomposizione.

Le sue opere sono conseguenza, perciò, di un iter compositivo in cui l’osservazione della realtà si fonde in una commistione di associazioni mentali che a quella stessa realtà forniscono una struttura e un ordine sia esteriore sia interiore.

Le sue “Articolazioni” o il suo “Grande Albero”, ad esempio, rappresentano una vera e propria astrazione da qualsiasi immagine reale li abbia ispirati anche se, per certi aspetti, si possono ritrovare alcuni richiami simbolici, visivi. Cromie calde, taglienti, nette e definite dialogano in modo uniforme perché prive di sbavature (non solo formali) che si distendono creando una superficie calma, piatta, bidimensionale. Immediata. Anche di fronte all’uso divertente di colori più brillanti come l’argento e l’oro che pongono risalto a talune campiture.

Sfondi chiari e terrosi danno spazio, in altri lavori, a contesti bui quasi infiniti su cui si scagliano le forme a volte organizzate simmetricamente in altre circostanze che seguono più una dinamica sentita.

Quello che più seduce dei suoi acrilici è la coerenza ad uno stile univoco e chiaro al quale aderiscono differenti tematiche che concorrono comunque a delineare, seppur con una voce peculiare, la definizione di una poetica personale che agisce secondo la “necessità interiore” di non rappresentare per sembianze effimere ma di attingere ad una natura interna, segreta, spirituale.

Orloco ha respirato sin da giovane l’atmosfera artistica grazie alla presenza del maestro Eliseo Allocca, suo padre, che possiamo intendere come sua guida nel mondo del disegno e della pittura.

L’artista espone con successo in territorio nazionale opere realizzate, inoltre, ad acquerello e a china. È rappresentato da PassepARTout Unconventional Gallery come artista in permanenza.

The post Geometrie Cosmiche di Orloco appeared first on ComunicatoStampa.org.

Si tratta della mostra personale dell’artista italo-canadese Carla Ann Di Nunzio.

Rigorosamente al femminile, la sua pittura ci presenta sensuali figure di donne ritratte in pose ammiccanti. Disinvolte nella loro sicurezza espressiva, determinate negli sguardi intensi, emancipate e coraggiose, ma soprattutto protagoniste.

Sono questi i primi elementi che appaiono dalle opere della pittrice canadese, nata e cresciuta a Toronto, ma che con l’Italia ha avuto, ed ha tutt’ora, un rapporto privilegiato. Non soltanto per le origini molisane, ma anche per essersi formata in importanti istituzioni come l’Accademia di Belle Arti di Siena, oltre ad aver esposto in più occasioni tra Venezia, Campobasso, Roma e oggi in Umbria, a Deruta.

Realismo psichico è il genere pittorico che la contraddistingue, rintracciabile nelle parole dell’artista stessa quando parla di “flusso costante di lavoro […] che fa emergere la fonte della complessità nella consapevolezza psichica dei soggetti”.

L’inaugurazione, che avrà luogo sabato 10 settembre 2022 alle ore 17 presso la Sala Consiliare del Comune di Deruta, segna anche un momento importante nei rapporti tra Italia e Canada, con l’intervento in collegamento dal Canada della Dottoressa Catherine McKernan dell’Università di Toronto che ha analizzato le opere di Di Nunzio anche dal punto di vista psicologico.

Essenziale il contributo del critico d’arte Andrea Baffoni, che introdurrà al pubblico l’artista e la sua poetica, avendone curato l’esposizione e il catalogo.

Forme e colori vivranno nei volti, nei corpi e negli sfondi delle opere in mostra all’Antica Fornace, visitabile ad ingresso gratuito fino al 2 ottobre 2022.

The post “Psychic realism”, a Deruta la mostra personale di Carla Ann di Nunzio appeared first on ComunicatoStampa.org.

Castellina Marittima, 9 novembre 2021. A Pontedera, la città della Vespa che da tempo si fa notare per la sua attenzione alla cultura e all’arte, è imminente l’inaugurazione della nuova mostra di Andy Warhol (PALP, Palazzo Pretorio, dal 10 novembre 2021 al 20 marzo 2022) con oltre 140 opere del poliedrico interprete della società americana.

L’importante operazione culturale è stata resa possibile grazie all’impegno di Knauf, che aggiunge così una nuova tappa al suo lungo percorso di mecenatico supporto all’arte moderna in ogni sua forma e declinazione, dalle torri del Progetto Vara (Biennale di Venezia, 2016) alle opere multidimensionali di Boetti del Maximum Minimum di Boetti (Isola di San Giorgio, 2017), dall’omaggio al futurismo del FuturDome Liberty Palace (Milano, 2017) ai paesaggi oniricamente danteschi di Divina Sezione (Reggia di Caserta, 2018), fino al complesso psicodelico di luci e colori di Bosch, Brueghel e Arcimboldo (Arsenali Repubblicani di Pisa, 2018/19) solo per citare alcuni dei tanti eventi che Knauf ha supportato.

Knauf e l’arte – Arte e cultura, per loro stessa natura intangibili e frutto del sentimento, sembrano lontane dalla materialità e dalla razionalità dell’edilizia, cuore del business di Knauf. L’apparente distanza però di annulla pensando che la sua missione impone a Knauf di essere all’avanguardia nel finalizzare innovazione e tecnologia al benessere, al comfort, alla sicurezza e all’appagamento dell’uomo. Quindi poiché l’uomo e il suo benessere sono al centro della visione e della missione di Knauf, e poiché Knauf mira a creare soluzioni abitative sempre più performanti e attente al benessere e alla salute, è naturale che Knauf si impegni anche per l’arte e per la cultura che sono aspetti importanti per la crescita del benessere intellettuale ed emotivo dell’uomo che quelle case abita.

L’attenzione di Knauf per l’uomo si inquadra inoltre in un contesto ancor più ampio e trova profondo e solido supporto nell’attenzione alla sostenibilità che si sintetizza nell’acronimo ESG (environment, social, governance) e di cui questa attività coglie appunto l’aspetto social. Promuovere, supportare e rendere possibili fiere ed eventi culturali particolarmente rilevanti, in altre parole, è totalmente e perfettamente coerente con le moltissime altre attività che Knauf svolge a sostegno della sostenibilità

“Knauf ha un solido legame con l’arte di qualità ed è sempre in prima fila quando ci sono iniziative di altissimo livello come questa mostra di Warhol che per di più si svolge a Pontedera, nel nostro territorio, a cui Knauf presta sempre grandissima attenzione e per il quale c’è un legame speciale, visto che Knauf è anche partner del recupero degli storici locali del teatro Roma per la creazione dell’Accademia della Musica.” spiega Damiano Spagnuolo, Product & Marketing manager Knauf.

Knauf e Warhol – Il rapporto tra Knauf e Warhol però va addirittura oltre e arriva a incardinarsi su un livello di affinità di ispirazione. Warhol è stato un innovatore, ha plasmato e trasformato la materia e la sua immagine, ha intuito che si poteva guardare alla realtà con filtri inediti e mostrarla da punti di vista nuovi, evidenziandone aspetti sorprendenti. Questo approccio è esattamente identico a quello di Knauf che plasma la materia grezza, gli dà nuova vita trasformandola in cartongesso e a sua volta offre materia plasmabile e modi nuovi per agire e dare forma e concretezza alle proprie ispirazioni ad altri artisti, gli architetti, che così possono immaginare e costruire forme e strutture nuove, inedite e parimenti sorprendenti.

Insomma, allo stesso modo in cui Wharol prendeva la foto di Mao o di un barattolo di zuppa e nel fissarlo sulla tela lo trasformava in qualcosa che permetteva al pubblico di farsi protagonista dell’arte interpretandola a suo modo, così Knauf con le sue avanzate soluzioni in gesso permette a ogni artista delle costruzioni di dare forma, colore e materia al proprio pensiero e lo mette in grado di farlo ogni volta in modo innovativo, creando realtà diverse, nuove e originali.

“Arriviamo così al punto focale del parallelismo ideale tra Warhol e Knauf, il concetto di innovazione. Warhol ha cambiato i concetti e le definizioni dell’estetica nell’ambito dell’arte ricercando l’innovazione rispetto agli schemi contemporanei; allo stesso modo Knauf, nel suo campo, ogni giorno reinventa, cambia e ridefinisce gli schemi e gli standard di riferimento nell’ambito dell’edilizia come la nuova linea di soluzioni Advanced, totalmente innovative e alternative rispetto agli standard correnti, dimostra chiaramente.” conclude Damiano Spagnuolo.

The post Knauf e Warhol, affinità elettiva per l’innovazione appeared first on ComunicatoStampa.org.

La mostra è accompagnata da due testi critici, uno del teologo Francesco Brancato; l’altro dello storico dell’arte Vito Chiaramonte. Brancato mette in evidenza la «delicata originalità» con cui Viola rilegge Caravaggio. Un atteggiamento di «originale imitazione», il suo, che «rispetta l’opera d’arte di riferimento reinterpretandola, ridandole vita per l’oggi, per l’uomo contemporaneo, lasciandosi condurre per le strade, i vicoli, gli scorci che ininterrottamente apre ogni autentica opera d’arte che è tale non perché tutto-dice e tutto-risolve, ma in quanto tutto-indica». 
Chiaramonte riflette sul procedimento e sul significato che l’immagine assume per l’artista. «La linea che taglia le scene caravaggesche – scrive – l’ironia che sostiene lo sguardo geometrico di un Antonello, le cancellazioni-rimozioni dalla cena in Emmaus, le luci di perla che attraversano i cieli delle sue marine, sono l’esito di uno stesso procedimento in cui la citazione, imprecisa, variata, mancante, sferra sempre un colpo di coda subliminale (ancora una volta sotto la soglia), e introduce all’incontro con un elemento inatteso, con un’alterità che non può essere descritta e che non prende forma».

La mostra potrà essere visitata da lunedì a sabato dalle 9 alle 13 e dalle 16 alle 20, previa prenotazione all’indirizzo di posta elettronica info@gallerialomagno.it oppure telefonando ai numeri 0932 763165 / 3396176251. Ingresso gratuito.

Info e prenotazioni
Lo Magno Arte contemporanea Via Risorgimento 91-93, Modicainfo@gallerialomagno.it
www.gallerialomagno.it
0932 763165 – 3396176251

The post “La ferita della carne e la Resurrezione”, personale di Giovanni Viola alla Galleria Lo Magno arte contemporanea appeared first on ComunicatoStampa.org.

Dopo il successo del primo capitolo dedicato a Enrique Ramirez presso la piscina Romano, Video Sound Art cambia sede e dal 16 ottobre alla piscina Cozzi presenta la seconda mostra monografica dedicata all’artista GIULIO FRIGO con interventi musicali a cura di Sentieri Selvaggi e contributi video di teorici contemporanei.

VIDEO SOUND ART, il festival e centro di produzione dedicato all’arte contemporanea, a partire dal 16 settembre celebra i suoi 10 anni di attività con un ciclo di mostre monografiche, concerti e screening program nella cornice delle storiche piscine Guido Romano e Cozzi di Milano.

Il progetto è stato realizzato con il sostegno di Fondazione Cariplo, Regione Lombardia, con il contributo di MiBACT, con il patrocinio del Comune di Milano e con la collaborazione di Milanosport e del Touring Club Italiano.

SECONDO CAPITOLO

16 ottobre – 16 novembre, Piscina Cozzi

A seguito della prima parte del festival, svoltasi presso la piscina Romano con la mostra personale dell’artista cileno Enrique Ramirez, finalista al premio Duchamp, preludio all’esposizione al Centre Pompidou di Parigi, Video Sound Art presenta la seconda mostra monografica dedicata all’artista italiano GIULIO FRIGO.

Giulio Frigo (1984) è ad oggi uno dei più promettenti e interessanti giovani artisti nel panorama italiano per la sua capacità di riflessione estremamente raffinata e sofisticata sulla pittura, la luce, e il colore.

Il progetto espositivo è risultato vincitore per la qualità curatoriale nell’ambito del bando Exhibit Program – promosso dalla Direzione Generale di Creatività Contemporanea del MiBACT – per la sua capacità di far convivere l’espressione artistica con l’attività sportiva della piscina, che rimarrà aperta ai nuotatori per tutta la durata della mostra.

Nella grande tribuna che si affaccia sulla vasca interna, l’artista presenta la nuova installazione complessa, composta da due grandi dipinti e uno corridoio di tubi in pvc attraversabile dai visitatori.

Il percorso prosegue con altre opere pittoriche esposte nell’antico bagno mosaicato degli anni ‘30, uno spazio normalmente inaccessibile al pubblico che sarà riaperto in occasione della mostra e ospiterà la sonorizzazione composta da Carlo Boccadoro, direttore artistico dell’ensemble Sentieri Selvaggi

L’interazione tra arte e musica contemporanea, innovativa per la sua modalità inclusiva, è uno degli elementi centrali di questa edizione, in particolare di questo secondo appuntamento che rientra nel progetto Kunsthalle for music vincitore del bando Cultura di Qualità della Fondazione Cariplo.

Il protagonista per la parte musicale è l’ensemble Sentieri Selvaggi con il suo direttore Carlo Boccadoro, che ha curato e realizzato la sonorizzazione, frutto di una residenza con l’artista per approfondire la stretta connessione tra immagine e suono.

Nel percorso espositivo saranno presenti anche contributi video di teorici contemporanei connessi alle tematiche del festival. A differenza dei classici talk, sono previsti dei televisori, disseminati nel percorso, su cui il visitatore può vedere i brevi video preregistrati. Questa scelta curatoriale nasce da uno dei grandi quadri esposti, raffigurante quattro presentatori della Rai, a testimonianza del legame che l’artista ha con il mondo della televisione.

INFORMAZIONI

16 ottobre – 16 novembre
Piscina Cozzi
Viale Tunisia, 35, Milano
Opening: venerdì 16 ottobre

Orari:
giovedì e venerdì, dalle 18 alle 23
sabato e domenica, dalle 15 alle 19
lunedì 16 novembre, dalle 18 alle 21

Biglietto d’ingresso
5 euro

The post The Reflecting pool | Impenetrable appeared first on ComunicatoStampa.org.

16 settembre – 1 ottobre Piscina Romano
16 ottobre – 16 novembre Piscina Cozzi
23 novembre – 3 dicembre Piscina Cozzi
OPEN CALL dal 5 agosto

VIDEO SOUND ART, il festival e centro di produzione dedicato all’arte contemporanea, a partire dal 16 settembre celebra i suoi 10 anni di attività con un ciclo di mostre monografiche, concerti e screening program nella cornice delle storiche piscine Giulio Romano e Cozzi di Milano.

Il progetto è stato realizzato con il sostegno di Fondazione Cariplo, Regione Lombardia, Direzione Affari Culturali del Ministero degli Affari Esteri del Cile (DIRAC) e MiBACT e con la collaborazione di Milanosport e del Touring Club Italiano.

IL FESTIVAL
a cura di Laura Lamonea

Video Sound Art festival dal 2011 sostiene la nascita di nuove produzioni riflettendo sulle trasformazioni del linguaggio installativo come risultato di un processo di ibridazione delle discipline tradizionali: scultura, architettura, cinema, teatro.

Le opere nel corso degli anni sono state presentate al pubblico in contesti espositivi lontani dai circuiti distributivi ordinari, con l’intento di  testare la capacità di adattamento dei progetti artistici all’interno della società:  mostre collettive presso scuole pubbliche (Biennale Manifesta, PA, Liceo Volta, MI), sotterranei (Ex Albergo Diurno Venezia, MI – Ali Kazma) , sale teatrali (Teatro Franco Parenti | Bagni Misteriosi MI – Yuri Ancarani). Dieci anni di tentativi durante i quali gli artisti hanno partecipato allo sviluppo di modelli di condivisione sociale, rivisitando spazi pubblici, relazionandosi con visitatori casuali.   

Anche quest’anno la dimensione espositiva trasforma gli impianti sportivi delle piscine Romano e Cozzi, le storiche vasche di Milanosport, mettendo in dialogo le produzioni artistiche con il dibattito contemporaneo, e convivendo – durante i mesi autunnali- con le attività destinate allo sport.

THE REFLECTING POOL
Ho ancora tutto da mettermi  

Il titolo dell’intero ciclo di interventi è un omaggio al capolavoro di Bill Viola del 1977, e ne prende in prestito gli interrogativi: il rapporto dell’uomo con il mondo, la riflessione sul potere dell’immagine, l’acqua simbolo di avvicinamento ad un percorso iniziatico.  

Le mostre propongono uno sguardo sulle possibilità di rappresentazione del paesaggio postmoderno, registrano cambiamenti evidenziando personali aspettative sul futuro.

Ho ancora tutto da mettermi urlava già nel 1985 l’uomo postmoderno disegnato tra le pagine di Tondelli: un fluttuare di combinazioni, un missaggio di immagini e riferimenti al passato e al presente. 

Protagonista della prima sezione è l’artista cileno ENRIQUE RAMIREZ, finalista del premio Duchamp a cui Video Sound Art dedica la prima mostra personale in Italia in contemporanea al Pompidou di Parigi. Le atmosfere idilliache dei paesaggi di Ramirez sono spesso stravolte da una sovrapposizione di segni che trasformano fatti storici in mito, luoghi esistenti in visioni oniriche postmoderne. Attraversamenti abbaglianti nel deserto di sale in Bolivia, lunghe traversate oceaniche assumono le sembianze di  nuovi spazi concettuali.

Il percorso espositivo, composto da installazioni, film, sculture e fotografie, si snoda nei suggestivi spazi della piscina, creando un gioco di corrispondenze e suggestioni visive: gli spogliatoi, il medagliere, la palazzina liberty, fino all’immensa vasca che ospita tre schermi a bordo piscina.

In esposizione anche una selezione ad opera dell’artista di alcuni materiali dall’Archivio del Touring Club Italiano, oggetto della residenza dell’open call di quest’anno.

Ad arricchire la mostra sono in programma: nel giorno di apertura una performance sonora dell’artista, il primo fine settimana sonorizzazioni musicali a cura di Le Cannibale e per l’intera durata della mostra uno screening program che vede la partecipazione di diverse realtà cinematografiche operanti sul territorio.

La seconda monografica, prevista per i mesi di ottobre e novembre nella piscina Cozzi, è dedicata all’artista GIULIO FRIGO, ad oggi annoverato tra i giovani italiani più promettenti nel campo della pittura. Insieme alle opere pittoriche dell’artista sono previste sonorizzazioni e una performance live a cura dell’ensemble Sentieri Selvaggi. Il progetto è risultato vincitore per la qualità curatoriale nell’ambito del bando Exhibit Program, promosso dalla Direzione Generale di Creatività Contemporanea del MiBACT.

Nei mesi di novembre e dicembre, la piscina Cozzi diventa sede dell’esposizione delle opere vincitrici dell’open call 2020, realizzata in collaborazione con il Touring Club Italiano, con la speciale partecipazione di un guest artist.

OPEN CALL
L’immagine aperta
in collaborazione con il Touring Club Italiano

Video Sound Art continua a sostenere la creatività di giovani artisti e la nascita di nuove produzioni.

Partendo dal prezioso archivio del Touring Club Italiano, i partecipanti, attraverso operazioni di assemblaggio e postproduzione, possono organizzare i materiali e costruire con essi narrazioni visive per dare nuove fisionomie all’Archivio.

La chiamata è rivolta ad artisti, curatori, ricercatori e viaggiatori ed è aperta fino al 30 settembre. I lavori selezionati saranno presentati presso la Piscina Cozzi di Milano.

UN PUBLIC PROGRAM A PIÙ VOCI
con il coordinamento di Davide Francalanci

Il public program prevede la realizzazione di concerti, sonorizzazioni, performance e, per la prima volta, uno screening program con la partecipazione di numerose istituzioni culturali del territorio.

Il 17 e 18 settembre gli spazi interni ed esterni della mostra ospitano interventi musicali a cura di Le Cannibale, creatrice e produttrice di eventi musicali di rilievo nella storia dell’entertainment milanese dal 2011. Tra gli artisti ospiti: Gigi Masin, con Calypso il suo ultimo progetto discografico composto sull’isola greca di Gavdos che richiama i ritmi e le texture del paesaggio mediterraneo, e Marco Puccini, artista e sound designer, con un intervento di sonorizzazione ad hoc sull’opera Ocèan di Enrique Ramirez.

Nel corso delle serate, sempre all’aperto, Video Sound Art invita realtà che operano nel cinema a costruire un cartellone condiviso, tra queste la casa di produzione milanese Rosso Film, il Lake Como Film Festival e Filmmaker Festival. Un ciclo di proiezioni a più voci per raccontare da diverse angolazioni il cinema contemporaneo. 

Ad ottobre presso la piscina Cozzi sono in programma performance live e sonorizzazioni a cura dell’ensemble di musica contemporanea Sentieri Selvaggi, diretto dal compositore Carlo Boccadoro. Questi interventi musicali nascono in simbiosi con le opere dell’artista, creando un suggestivo gioco di rimandi e corrispondenze.

16 settembre – 1 ottobre
Piscina Giulio Romano
Via Andrea Maria Ampère, 20, Milano
Opening: mercoledì 16 settembre
Orari: da martedí a domenica dalle 20 alle 24

16 ottobre – 16 novembre
Piscina Cozzi
Viale Tunisia, 35, Milano

23 novembre – 3 dicembre
Piscina Cozzi
Viale Tunisia, 35, Milano

COSTO DEL BIGLIETTO: 
– Mostra: 5 euro
– Mostra + sonorizzazioni: 12 euro (17 e 18 settembre)
– Mostra + proiezioni: 8 euro (dal 24 al 30 settembre)

SITO UFFICIALE: http://www.videosoundart.com

The post Video Sound Art festival – X edizione appeared first on ComunicatoStampa.org.

Cosa ne pensa del format “Arte in quarantena”: le piace l’iniziativa pensata per portare l’arte nelle case degli italiani durante la quarantena?

Certo che sì! L’arte da sempre è un veicolo di emozione, stupore, studio e ricerca. In questo tempo, in cui la nostra vita si imprime di incertezze, possiamo spostare lo sguardo oltre, verso qualcosa che aiuta lo spirito. La visione dell’arte è una presenza importante in questo periodo di isolamento.

Secondo lei, cosa dovrebbe fare l’arte in questo momento?

Dal mio punto di vista è fondamentale l’incontro con l’Arte che è in grado di foggiare una sorta di creatività collettiva, ovvero una condivisione universale, il risveglio delle coscienze: ci si sente ingabbiati come in un vortice che evolve velocemente, di conseguenza la realtà diventa pesante e motivo di sofferenza. Si percepisce la necessità di ritrovarsi, di riscrivere lo spazio e il tempo in una sinergia, in un turbinio di emozioni che portino a un coinvolgimento.

E a proposito di coinvolgimento… Nelle sue opere il colore rosso balza subito agli occhi. Impossibile non domandarsi quale sia il motivo dietro a questa scelta…

Esse vivono un’esperienza di vita. L’esperienza che mi ha proiettato verso un qualcosa che intuivo ma non sapevo cosa fosse. Man mano che il tempo passava cercavo di cogliere tutto quello che mi rendeva felice interiormente. Andavo alla ricerca del particolare, un percorso che scrutava l’essenza dell’io in un contesto di intenso colore, ove emerge una passione intrinseca. È l’io che matura e che ritrova la forza nella fragilità, consapevole del tortuoso cammino.

Che cosa cerca nei suoi ritratti?

Questa è una bella domanda!

Allora, tratti, movenze e pennellate trasudano di molecole dinamiche, guidate dal conscio e dall’inconscio di cui l’anima diventa una specie di “specchio”. Uno specchio che lascia riflettere l’essenza di un io nuovo, che lascia riscoprire l’essenza della vita in nuovi volti.

In questi volti ci sono tantissime espressioni, specie in quelle dei bambini. Come sceglie i suoi soggetti?

I volti sono il punto focale delle opere. Il tutto prende forma da un connubio fra idea, progetto e interiorità. Le espressioni indicano la capacità di ricercare lo sguardo di bimba dove si cela il desiderio dell’artista. I soggetti sono scelti da un’intuizione “inconscia” e profonda.

C’è un quadro a cui è particolarmente legata?

No, perché ogni lavoro nasce, prende forma, si plasma e acquista coscienza dall’intimo. Perciò l’uno non esclude l’altro, essi fanno parte di un grande disegno, cioè l’infinito (come i tanti tasselli della vita).

Come ha conosciuto Spoleto Arte?

Spoleto Arte l’ho conosciuta tramite vari eventi di rilievo, e con stupore in un momento così inconsueto.

Qual è il suo prossimo progetto?

Il mio prossimo progetto è tutto da scrivere, perché nasce e prende forma dalla vita stessa.

The post Benedetta Trudesti, artista di Spoleto Arte, si racconta in un’intervista appeared first on ComunicatoStampa.org.

IL PROGETTO

L’arte e la cultura devono continuare a vivere senza limiti e senza confini. 

Nasce ArtAway, piattaforma web che permette agli utenti diconoscere le bellezze artistiche del nostro paese e della storia dell’arte in un  modo nuovo e coinvolgente, offrendo ai visitatori l’opportunità di dialogare dal vivo con le migliori guide turistiche e i più esperti mediatori culturali.

Da un’idea di Paolo Gabriele Falcone e Laura Lamonea come reazione ad un  momento di grande difficoltà per sostenere la cultura ed il mondo dell’arte italiano, il progetto è stato realizzato durante la quarantena dal team di Video Sound Art, centro di produzione e festival d’arte contemporanea. Giunto alla sua decima edizione, VSA,  avvalendosi della pluriennale esperienza di Paolo Gabriele Falcone, product manager nella Silicon Valley,  contribuisce alla creazione di un nuovo modo di scoprire l’arte.

Dalla visita di Verona, alla scoperta delle metropolitane di Napoli, dai grandi capolavori dell’arte rinascimentale alle opere contemporanee, dal museo degli Uffizi alla collezione Iannaccone; le visite proposte sono varie e suddivise in livelli di approfondimento nell’ottica di presentare ai visitatori una proposta curata.

Tutto questo utilizzando una modalità non solo virtuale, ma dal vivo: attraverso la mediazione e lo scambio tra persone, perché la relazione umana sarà sempre motore di curiosità, tolleranza e conoscenza, qualcosa a cui non si dovrebbe mai rinunciare.

L’ESPERIENZA DEL VISITATORE

Il progetto si rivolge a coloro che sono impossibilitati a spostarsi fisicamente e non vogliono rinunciare a conoscere città e opere d’arte, ma anche a chi sta programmando un viaggio e vuole farsi un’idea più completa dei luoghi da visitare.

Inoltre gli appassionati d’arte e gli studenti potranno utilizzare ArtAway  come strumento di approfondimento, per visitare musei o esplorare correnti artistiche, accompagnati da esperti con cui potranno interagire dal vivo.

Dalla piattaforma web il visitatore potrà selezionare il tour che più gli interessa e prenotarsi negli orari disponibili. Successivamente riceverà le istruzioni per poter accedere alla video conferenza attraverso un semplice link. Una volta terminata l’esperienza, il visitatore potrà donare liberamente un contributo per supportare le guide e il progetto. In questo periodo difficile per tutti, ArtAway vuole garantire alle guide un compenso economico che sia idoneo alla loro preparazione accademica e professionale. 

LE GUIDE

Le guide e i mediatori culturali sono stati scelti attraverso un processo di selezione accurato per offrire al visitatore un’esperienza coinvolgente e di livello. I requisiti richiesti sono relativi alla formazione accademica – laurea specialistica in Storia dell’Arte ed eventuali Master o Dottorati in materia –  e all’esperienza di mediazione culturale presso dipartimenti di educazione dei principali Musei ed Istituzioni culturali.

Con questa preparazione accademica e competenze consolidate  di mediazione culturale, le guide condivideranno le loro conoscenze specifiche in campo artistico e,  contemporaneamente, arricchiranno l’esperienza degli utenti con opinioni e riflessioni volte al confronto collettivo. 

LE ESPERIENZE

La proposta di esperienze è diversificata ed in continuo ampliamento. Per ogni destinazione ci saranno dei tour volti alla conoscenza della città e dei suoi principali monumenti ed altri più specifici che offrono un approfondimento di un museo o di un artista in particolare relazionato a quella città. Ad integrare la proposta sono anche previste visite trasversali dedicate a grandi artisti che toccheranno più luoghi.

________________

BIO

Paolo Gabriele Falcone e’ un Product Manager che vive e lavora a San Francisco.  Si è laureato in Ingegneria in Italia, prima di trasferirsi in Irlanda per cominciare la sua carriera a Google, dove ha lavorato su diversi prodotti ideati per aiutare piccole e medie imprese ad ottenere successo online. Paolo ha cominciato a lavorare all’idea di ArtAway.com per rispondere alla crisi generata dal COVID-19 in Italia, per permettere all’arte ed alla cultura italiane di rimanere accessibili da chiunque e da qualunque parte del mondo, e per aiutare le guide turistiche il cui business è stato completamente cancellato dalle recenti restrizioni sui viaggi.

Laura Lamonea è la fondatrice del  centro di ricerca e festival Video Sound Art per il quale dal 2011 svolge il ruolo di direzione artistica.  Durante l’anno è impegnata nella realizzazione di nuove produzioni e svolge un ruolo di intermediazione tra artisti, gallerie e istituzioni museali. Ha lavorato  come regista per Radio2 e attualmente è consulente del Teatro Franco Parenti. Nel 2019 ha partecipato alla Biennale Internazionale olandese Manifesta 12 nell’ambito del dipartimento development and research. 

Video Sound Art è un centro di produzione e Festival di arte contemporanea, dedicato alla valorizzazione dei giovani talenti e alla promozione dell’arte visiva. VSA ha oggi all’attivo nove edizioni e numerose mostre e residenze presso Musei nazionali e internazionali. Ogni anno promuove giovani talenti attraverso la diffusione di un bando open call. È previsto, a supporto del vincitore, un percorso di intermediazione con gallerie, fondazioni e istituzioni culturali al fine di facilitare l’inserimento nei circuiti distributivi e creare occasioni di visibilità per le nuove creazioni. Video Sound Art organizza laboratori, conferenze, seminari condotti da critici d’arte, curatori, direttori di Fondazioni, collezionisti, galleristi, direttori di Musei.

_________________________

ART AWAY

www.artaway.com

Facebook @artaway.com

Instagram @artaway.com_official

The post Nasce ArtAway appeared first on ComunicatoStampa.org.

• Cosa ne pensa dell’iniziativa di Arte in Quarantena?

Quella istituita dal direttore Paolo Liguori per Tgcom24 è una bella opportunità tanto per gli spettatori che per gli artisti contemporanei, dal momento che non possiamo uscire di casa a causa dell’epidemia.

• Oltre a opere che riguardano il suo vissuto o la natura, ce ne sono diverse che raffigurano episodi di cronaca che hanno fatto il giro del mondo e sono entrati a far parte della Storia. Anche questo periodo diventerà il soggetto di uno dei suoi futuri quadri?

Sì, tant’è vero che ne ho già iniziato uno. Il tempo in questo momento non mi manca… Ma per il momento è troppo presto per dare maggiori dettagli.

• Speriamo di vederlo presto allora, anche perché la sua arte affascina per la minuzia con cui rende i particolari e per la dimensione dello spazio. Aperto e chiuso che significato assumono all’interno delle sue composizioni?

La minuzia è una delle mie caratteristiche distintive e una tela deve quasi sempre essere grande perché io possa esprimermi al meglio. Tutti noi viviamo “dentro e fuori”: mi piace pensare che chiunque osservi le mie opere possa interpretarle a modo proprio, ciascuno in base alla sua vita vissuta.

• Spesso si ha l’idea di osservare una visione, un sogno ricco di simboli che diventa dipinto: il surrealismo quanto può nascondere o enfatizzare la realtà?

Nei miei dipinti non nascondo niente, dipingo quella che è una mia pura realtà. Ma, come dicevo poco fa, lascio il pensiero a chi li osserva.

• Il colore è un altro grande protagonista dei suoi lavori. Che cosa vuole trasmettere con quest’ultimo?

La psicologia ha numerosi trattati sul significato del colore e del suo uso per trasmettere emozioni; io non sono esente dal coinvolgimento che questo effetto fisico genera. Principalmente trasmetto la gioia e il dolore che si associano a determinate scene.

• Il critico d’arte Vittorio Sgarbi e il noto sociologo Francesco Alberoni hanno scritto commenti molto positivi sulle sue opere. Come li ha conosciuti?

Sono lusingata dai loro apprezzamenti. Ho avuto l’opportunità di incontrarli partecipando alle mostre collettive organizzate da Spoleto Arte di Salvo Nugnes, quali la Pro Biennale di Venezia, la Biennale Milano, l’esposizione Spoleto Arte e le numerose manifestazioni cui ho partecipato.

The post Spoleto Arte: intervista alla pittrice Rosanna Cecchet appeared first on ComunicatoStampa.org.

D: Sabato 28 marzo al Tgcom24 il servizio sul suo percorso artistico: cosa pensa di quest’iniziativa che porta l’arte nelle case degli italiani durante la quarantena?

R: È un’ottima iniziativa. C’è bisogno di arte, di bellezza e di luce in questo periodo cupo che ci vede confinati nelle nostre abitazioni. Spero che in questo modo si possa portare un momento di serenità nelle nostre vite.

D: Oltre a essere pittrice, è anche fotografa. I suoi scatti raccolgono quanto ha esperito nei suoi viaggi. Cosa l’ha spinta nelle regioni della Cina e del Marocco?

R: La curiosità innanzitutto. La voglia di conoscere culture diverse.

Ho visitato molti paesi e, per quanto riguarda la Cina, fin da piccola ero affascinata da questa cultura millenaria e misteriosa, per noi. Ascoltavo rapita i racconti di un prozio, vissuto in Cina e a Taiwan per quasi cinquant’anni e, appena ho potuto, ci sono andata. Era una Cina che si apriva solo allora al turismo e per questo era ancora più interessante.

Il Marocco mi affascina per la diversità del paesaggio. Dalle città imperiali brulicanti di vita, in cui la cultura araba si mischia alla berbera, ai monti dell’Atlante dove i berberi si erano rifugiati per sfuggire agli invasori arabi, dove le stratificazioni delle rocce, messe a nudo, parlano delle ere geologiche che si sono susseguite fin da quando il luogo era un fondale marino… e infine il deserto, il regno dei nomadi.

D: Cosa la lega a queste culture?

R: Sono sempre stata attratta dalla cultura orientale. Mi sono formata in un periodo in cui il richiamo delle filosofie orientali era molto sentito. Il “viaggio in India” era un mito per molti miei coetanei. Io ho preferito interessarmi di filosofie-religioni quali il Confucianesimo, il Taoismo e lo Zen giapponese, perché ho sempre creduto che questo sia il modo migliore per capire un popolo. Ma io sono e rimarrò sempre un’occidentale con un background diverso.

Per quanto riguarda la cultura araba devo dire che mi sono avvicinata con il desiderio di conoscere e poi sono stata attratta dalla gente. I mercati ed i suk , brulicanti di gente, i suoni, i colori, l’odore delle spezie… Tutto ciò compare spesso nei miei quadri.

D: Ecco, infatti nelle sue opere si ritrovano reminiscenze, emozioni di luoghi lontani. Qual è la scintilla all’origine dei suoi lavori?

R: La voglia di approfondire e di trasmettere ciò che ho vissuto. Quando dipingo mi calo nella tela, come un attore nella sua parte, e non è tanto il semplice paesaggio quanto un insieme di percezioni, emozioni, sentimenti che voglio trasmettere.

D: Viaggi e miraggi: ai tempi del Coronavirus l’unica soluzione possibile è viaggiare con la fantasia?

R: Si, indubbiamente la fantasia ci può aiutare. Possiamo ricorrere alle arti visive, alla musica…

D: L’arte in un suo miraggio: come la dipingerebbe?

R: Da bambina sognavo di far volare gli aquiloni, di volare su di una mongolfiera… sogni mai realizzati. Ora, di tanto in tanto, li trasporto sulla tela ed è quanto di più vicino ad un miraggio io possa intendere.

D: Come ha conosciuto Spoleto Arte?

R: Rispondendo ad un vostro invito ad una mostra collettiva.

D: Nelle sue opere spazio e tempo hanno un peso importante. Proiettandoci dunque nel futuro, ha in serbo qualche progetto ancora da realizzare?

R: Ho ancora molte “storie” da raccontare… vedremo dove mi porteranno.

The post Intervista all’artista Anna Actis Caporale di Spoleto Arte appeared first on ComunicatoStampa.org.

D: A breve uscirà un servizio a lei dedicato sulla piattaforma del Tgcom24. Come si sente e cosa ne pensa di quest’iniziativa?

R: È un’iniziativa molto bella perché in un momento di difficoltà come quello che stiamo attraversando, dove le giuste restrizioni attuali impediscono ogni movimento, si ha la possibilità di comunicare in qualche modo arte e cultura, che è sempre un’ottima medicina per la mente e per l’anima.

D: Anticipando un po’ il contenuto… C’è un momento, all’inizio, in cui afferma che l’arte è un dono con cui si nasce. È sempre valido il detto “impara l’arte e mettila da parte” o ci vuole costanza, soprattutto in questo campo?

R: In questo campo avere un dono è un conto, ma non curarlo sarebbe un “dono sprecato”. Ci vuole molta costanza e studio, per fare in modo che questo dono si sviluppi poi in arte.

D: Il suo rapporto con il colore è molto particolare e lo si vede dalle atmosfere atemporali che ricrea nei suoi lavori. Come nasce una sua opera dal punto di vista cromatico?

R: Di solito parto sempre da una base neutra poi attraverso i contrasti di luci e colori l’opera prende forma. Possono variare i soggetti, ma non l’atteggiamento pittorico con cui affronto un lavoro.

D: E invece, parlando di soggetti, ce ne sono alcuni a cui è particolarmente legata?

R: In realtà no, perché alla forma io antepongo sempre il colore. Utilizzando la pittura come forma di comunicazione in genere il soggetto è legato a ciò che voglio comunicare in quel preciso istante.

D: L’osservazione della realtà è uno degli “esercizi artistici” da cui non si può prescindere. E questi giorni critici interessano tutti, ciascuno di noi li analizza, ma non tutti riescono a trarne motivo di ispirazione… È così anche per lei? Che cosa racconterebbe nelle sue creazioni adesso?

R: In questo periodo particolare l’ispirazione può arrivare da mille spunti anche se non è facile tenere alta la voglia di dipingere, perché sopraggiunge lo sconforto, la paura.

Io ho dipinto. Sì, ho dipinto alcune cose nel frattempo, raccontando l’arrivo del Coronavirus da paesi lontani, la ricerca nell’aiuto spirituale, l’arrivo della primavera e il risveglio della natura incurante di ciò che sta accadendo agli uomini. Di cose da dire ce ne sarebbero tante, però mi rendo conto che quando la testa è bombardata di pensieri solo negativi e preoccupazioni per te e per i tuoi cari, diventa difficile tradurre in pittura. Il tempo che potresti avere a disposizione per immergerti solo nell’arte non è sempre così artisticamente fruttifero.

D: Lei ha esposto in moltissime mostre di livello nazionale e internazionale, alcune organizzate da Spoleto Arte. Come ha conosciuto il suo presidente, Salvo Nugnes?

R: Ho conosciuto il dott. Nugnes semplicemente partecipando ad una delle mostre organizzate da Spoleto Arte, che ha la capacità di offrire ad un artista quella visibilità che non sempre da soli si riesce ad avere.

D: Su che cosa le piacerebbe lavorare prossimamente?

R: Mi piacerebbe lavorare sulla ripresa, sulla solidarietà che ha dimostrato il nostro Paese e sul saper “fare” e collaborare in momenti di crisi. È qualcosa su cui spero di poter lavorare presto.

The post Spoleto Arte: la pittrice Katiuscia Papaleo e l’arte in quarantena appeared first on ComunicatoStampa.org.

D: Sabato è uscito il servizio su TGcom24 in merito al suo percorso artistico. Come si sente?

R: Sono felicissima, trepidante. In un momento così difficile per l’Italia e per il mondo, impegnati a contrastare il Coronavirus, mi auguro che parlare di arte possa infondere in chi ascolta un po’ di serenità e possa offrire un attimo di fuga dalle preoccupazioni. Credo che possa portare una ventata di colore in questo periodo oscuro e duro per tutti noi, che ha spento l’entusiasmo e l’attività di molte persone.

D: Un’evasione nell’intimità. Le sue opere traducono la bellezza dell’universo femminile, quello più poetico, sognante, privato… Com’è nata l’idea di mostrare le sue protagoniste di spalle, in città romantiche immerse nella notte o nella luce del tramonto?

R: Nella cura dell’interiorità e della vita, l’arte è uno strumento fondamentale, è un potente veicolo di messaggi privati che possono diventare messaggi per tutti e unirci fortemente, dando luogo a una comunicazione e a una “comunità artistica”.

L’idea di mostrare le mie figure di spalle nasce quasi per magia da una linea tracciata sulla tela… Quel giorno intuisco un nuovo approccio all’insieme del quadro: traccio mano a mano una donna alla finestra. L’affacciarvisi ribadisce il punto di vista sul mondo. Mi rendo conto immediatamente che la donna, essendo voltata di spalle, facilita il fruitore nell’immedesimazione. Invita a guardare verso un oltre, verso un mondo migliore. Di sicuro in lei c’è un’esortazione a guardare di più il cielo e a immergersi nell’infinito che ci circonda oltre alla solita materialità. Filtra la musica del mondo, della vita e la trasmette. Il segno pittorico diventa così il mezzo per risalire alle radici della comunicazione, per dire con i colori quello che le parole non risolvono.

D: Perché alcune delle sue donne hanno un incarnato tendente all’azzurro?

R: Inconsciamente voglio invitare ad alzare di più lo sguardo verso il cielo e verso l’infinito.

D: Lei vive e lavora vicino a Cervia. C’è un po’ di questa città nei suoi dipinti?

R: Di sicuro ci sono dei luoghi vissuti e altri sognati: sia cittadini che di paese, con particolare attenzione anche agli alberi. Con i loro rami richiamano una tensione verso l’alto, quasi una muta preghiera. Mi rendo conto che l’arte è un meraviglioso processo in grado di raccogliere pezzi di mondo e di vita unendoli in un insieme armonico e ricco di significato.

D: Animali e gioielli: sulle sue tele li troviamo molto spesso, come mai? C’è una relazione tra loro e la figura femminile?

R: Parto dai gioielli: diverse donne alla finestra indossano gioielli ricavati da un’abile selezione di materiali. Talvolta li creo io stessa e attorno si costruisce pian piano un mondo sognante fatto di colori che a tratti sono sfumati. Il gioiello applicato diventa così un’opportunità per costruirci attorno delle impressioni. Si dice appunto cheun gioiello è per un’occasione… In questo caso ribadisce la “preziosa” occasione di incontrare se stessi e comunicare agli altri tramite l’arte. Dunque non è un simbolo di ricchezza materiale, ma suggerisce una raffinatezza interiore.

Gli animali nei miei quadri rappresentano un affetto quotidiano, come i gatti ad esempio. Fin da bambina mi hanno sempre fatto molta tenerezza, ne ho avuti tantissimi e con ognuno un rapporto speciale. Come nel silenzio del buio notturno ci sono le luci della luna, delle stelle e dei lampioni a farci compagnia e a guidarci, così il gatto rappresenta un legame con l’uomo e una peculiare attitudine, poiché è un animale che sa vedere bene anche al buio oltre a essere fin dall’antichità portatore di positività e di una sensibilità particolari.

In alcuni miei dipinti accanto alla figura femminile compare un uccellino: come ci ricordano le poesie di Giovanni Pascoli, gli uccelli sono i messaggeri di un mistero poiché, potendo volare, fungono da ponte tra il cielo e la terra.

D: La delicatezza del segno accarezza le forme degli oggetti e dei profili. Quanto questa scelta contribuisce nella creazione dell’atmosfera così caratteristica dei suoi lavori?

R: La delicatezza del segno passa attraverso molti anni di pittura e di contatto con i colori, attraverso sacrifici, sbagli, diverse ricerche e sperimentazioni per arrivare ad accorgermi, a sentire che il tratto pittorico proviene direttamente dall’anima.

D: Cosa cerca di trasmettere nella sua più recente produzione?

R: Di quest’ultima fanno parte alcune donne alla finestra che acquistano lentamente la posizione del viso di tre quarti. Sono donne che raccontano fragilità ed emozioni anche solo con lo sguardo oppure con la loro postura, in ascolto di una musica universale da saper cogliere e trasmettere. Invitano ognuno ad aprire la “propria finestra” sul mondo.

D: Qual è stato il percorso di crescita interiore e artistica da quando ha preso in mano per la prima volta pennello e tavolozza?

R: In più di vent’anni di pittura ho lavorato molto su me stessa. Vi ho unito lo studio della filosofia, la musica, il canto e la danza. Spesso ai quadri ho abbinato poesie.

Tutto è partito dall’interesse per la persona, per l’uomo concepito come essere problematico in mezzo a un universo misterioso dal ritmo affascinante. Parto raffigurando i musicanti di strada, le ballerine. La ballerina nella chiave di violino è un simbolo di musica universale, riassume il concetto di danza e di armonia. Dipingo anche donne con un gatto accanto e dopo la nascita di mia figlia Elena inizio a dipingere le maternità, uno spunto fortissimo anche per riflettere sulla donna creatrice, soggetto in cui la maternità è pure artistica. Poi è la volta della donna alla finestra che si ferma ad ascoltare la musica del mondo e si lascia attraversare da essa per cercare in tutti i modi di comunicarla agli altri.

A distanza di anni riesco a notare comunque che il filo conduttore del mio far arte è la musica e la cura dell’interiorità, chissà andando avanti…

D: Tra i suoi estimatori c’è anche Salvo Nugnes, presidente di Spoleto Arte a cura di Vittorio Sgarbi. Come vi siete conosciuti?

R: Ho conosciuto il presidente Nugnes a Biennale Milano dove erano state esposte alcune mie opere selezionate dal comitato di Spoleto Arte. Ringrazio lui e tutto il suo staff per l’impegno e la professionalità che dimostrano ogni volta nell’organizzare e seguire vari eventi artistici, in cui traspare una forte passione per la cura e la salvaguardia dell’arte.

The post Spoleto Arte: intervista a Margherita Casadei, la pittrice delle donne alla finestra appeared first on ComunicatoStampa.org.

Ed è proprio la natura che costituisce l’elemento imprescindibile per la produzione dolciaria e di panetteria di ordine biologico. Un campo, quello della panificazione, tramandato da generazioni in famiglia e che ha deciso di abbracciare con lo stesso cuore genuino con cui si rivolge alle vette. La scintilla per queste ultime scatta ai tempi del liceo e da allora l’artista si dedica con fervore a immortalare la storia e il paesaggio della sua terra.

Codroipo, Udine e Belluno guadagnano il podio per numero di scatti, tuttavia Sambucco ha già pensato di estendere la sua ricerca al Friuli e al Trentino, avanzando nella conquista tutta personale delle Dolomiti. Ma, forse, così personale poi non è. Le sue fotografie infatti non hanno come unico scopo quello documentaristico, puramente descrittivo. Non vogliono essere solamente “rimirate”.

Le montagne di Sambucco

A dominare il gesto con cui decide di fotografare le montagne è il rischio che scompaiano, che la magia di quell’istante vada perduta per sempre. Ma, più ancora del timore, è l’amore sconfinato per le alture che gli fa notare il lato positivo, giocoso con cui ci si può avvicinare tanto alla fotografia quanto alla natura. Nei tratti scoscesi, nei profili che si stagliano tra le luci e le ombre, tra le nuvole e la neve, vivono personaggi divini, contemporanei, fiabeschi. Le Dolomiti svelano storie preziose tutte da interpretare. Ed è la gioia di queste epifanie che ha portato Sambucco alla condivisione di questi attimi di pura meraviglia.

Il digitale

Con l’utilizzo delle fotocamere digitali, l’aspetto più giocoso si fa sentire maggiormente perché “si possono ottenere effetti simpatici e pieni di colore che attirano l’attenzione”. Ecco allora che la sua ricerca fotografica si divide in realistica e in pittografia, con la quale scopre altri soggetti oltre alle montagne. D’altro canto la sua lungimiranza valica senza timori il regno della realtà, per lasciarsi trasportare dall’immaginazione… Sambucco spera infatti che “la nostra fantasia possa interagire con la tecnologia per darci immagini ben definite, anche in 3D, e ologrammi per raccogliere quanto la stupefacente natura ci offre in modo da fonderlo con l’inventiva”. Se il tutto avviene tramite fotocamera, tanto meglio.

The post Spoleto Arte: al Tgcom24 i ritratti dolomitici del fotografo Sambucco appeared first on ComunicatoStampa.org.

L’Arte delle Donne

L’evento, pensato per ospitare opere la cui tematica sia afferente all’universo femminile, non preclude a nessun artista la selezione. Questo perché più punti di vista diversi su questa tematica aiutano ad avere una visione ampia, permettono un confronto più ricco e stimolante. Dall’idealizzazione della figura femminile al suo sfregio, fino alla reinvenzione: ci si può ritrovare oppure no, l’importante sarà uscire dalla visita con un’esperienza in più da ricordare e raccontare. Con una speranza nel cuore. Salvo Nugnes, l’organizzatore della kermesse, ha infatti dichiarato di aver pensato L’arte delle donne come un incontro per e con le donne.

Maria Rita Parsi

A sostegno di questa iniziativa si è schierata Maria Rita Parsi, che ha commentato:

«È infatti per le donne e con le donne che il mondo può veramente cambiare aspetto. Il mondo parte come origine dal grembo della madre e gli uomini devono capire con amore, rispetto e ammirazione che quel punto di partenza va rispettato, ammirato, sostenuto, perché le cose possono effettivamente cambiare, perché si parte solo e sempre dalla madre».

Essendo le donne la radice prima dell’esperienza di ciascun essere umano, occorre rivalutare in maniera adeguata il loro “peso”. Davanti a una violenza sulle donne sempre più dilagante, forse è proprio a partire dall’arte, da come viene vista e interpretata la donna, come si sente e si comporta lei stessa, che si deve prendere in mano la situazione.

«Buon 8 marzo – conclude la Parsi – perché le donne e gli uomini capiscano che l’alleanza vera tra maschile e femminile, con il rispetto profondo dell’origine, della matrice, del femminile può cambiare le sorti del pianeta».

Info e contatti

La mostra rimarrà aperta fino al 27 marzo 2020, tutti i giorni, eccetto la domenica, dalle 14.30 alle 19. Per informazioni è possibile chiamare lo 0424 525190, il 388 7338297 oppure scrivere a artfactory.eventi@gmail.com.

The post Milano Art Gallery: la donna nell’arte, la donna e l’arte con Parsi, Nugnes e Villa appeared first on ComunicatoStampa.org.

Dopo una tournée iniziata al Comune di Castel Franco Emilia, proseguita all’Ambasciata di Belgrado e presso il Teatro Nazionale Serbo, presso l’Ambasciata e Istituto Italiano di Cultura Sloveno di Lubiana, poi di Vienna e di Pechino, al Teatro Nazionale Cinese, presso l’Ambasciata e l’Istituto Italiano di Cultura di Minsk e il Teatro Nazionale Bielorusso, è proprio il caso di dire: finalmente a Roma!

Finalmente a Roma con la mostra dedicata a Dario Fo. Come vi siete conosciuti e cosa l’ha spinta a proporre una serie di mostre sul Giullare Nobel?

1968, Genova, Camera del Lavoro, è lì che ci siamo incontrati.

Da studioso dei linguaggi delle arti ero molto interessato allo sperimentalismo ed alle innovazioni nel mondo della comunicazione delle diverse forme dello spettacolo, teatro e cinema, musica e pittura, e via. Non a caso nel 1949 avevo studiato la appena nata “Teoria dell’informazione”.

Le nostre conversazioni sono state immediatamente “nutrienti” grazie ai comuni interessi, alla grande Cultura di Dario ed alla mia preparazione di ingegnere elettronico dagli interessi anomali.

Il punto forte comune era operare per i minus sapiens, poiché è la cultura che rende liberi e, per potere fare cultura, contattando i Grandi e per collaborare con loro, avevo scelto la fotografia, quella che mi ha consentito di costruire documenti unici sul fare poetico dei grandi intellettuali con cui ho collaborato facendo anche fotografia.

Quelle foto, infatti, non sono destinate ad essere appese ad un muro e basta, ma sono una overture che mi consente di parlare di cultura a decine di migliaia di giovani e no, ogni anno, non solo facendo loro scoprire il teatro, quello rivoluzionario linguisticamente di Dario Fo, ma rivelando anche i meccanismi del processo creativo in tutte le arti.

Come si è comportato il pubblico di questo progetto itinerante? Le reazioni sono diverse a seconda della cultura di appartenenza? Quanto è conosciuto Fo all’estero e quanto in Italia?

Grazie all’interattività, tra autore ed immagine nasce un dialogo che dà luogo a domande imperniate sul senso del lavoro e sul cosa rappresentano le immagini.

Le diversità appaiono nella differente cultura dei singoli, quasi nessuno conosce le regole della composizione di un’immagine, ed ancor meno la differenza fra la composizione nella cultura occidentale e quella nella cultura orientale per cui, con ogni risposta,  faccio un mini corso di semantica dell’immagine.

In tutto il mondo in cui ho presentato i lavori di Dario Fo il nostro Nobel è conosciuto e, spesso, più di quanto lo sia in Italia.

C’è uno scatto a cui è legato o un ricordo con Dario Fo a cui è particolarmente affezionato?

Sì, c’è. Si tratta di una immagine in cui Dario, al centro del palco, in piedi, sta agitando le mani che appaiono “sfocate da movimento”: quella foto è nata per dimostrare proprio che il recitativo non era mai statico ma dinamico.

Mentre facevamo quelle prove, noi due soli sul palcoscenico, Franca Rame, con suo divertimento, ci seguiva seduta in sala, talché ad un certo punto, con una espressione tipicamente milanese ha sigillato le nostre sperimentazioni con un “Sembrate due pirla!”

Lavorando a stretto contatto con grandi della cultura italiana e non solo, come ha fatto lei, si viene influenzati dal loro carisma? In che modo?

È proprio lo stretto contatto che non fa percepire il carisma destinato al pubblico. Quando gli argomenti della conversazione risultano molto complessi si stabiliscono rapporti ad elevata, autentica empatia ed anche di amicizia.

In quel caso il contributo delle due parti diventa paritetico e non porta con sé nessuna connotazione di superiorità di “casta”.

Nelle sue rassegne c’è una forte interrelazione artistica, dalla fotografia al teatro, dalla pittura alla scultura. Il fatto che molte forme d’arte comunichino tra loro non dovrebbe stupirci, dovremmo essere educati a questo oppure, secondo lei, la questione va affrontata diversamente? E cosa direbbe Dario Fo?

È presente, a nostra difesa, la percezione separata, per ogni “categoria” artistica così, quando tre anni fa ho scritto su Facebook “Fotografia: Finalmente si parla di Cultura”, in relazione agli Stati Generali della Fotografia voluti dal Ministro Franceschini, 75 fotografi mi hanno scritto: “Cosa c’entra la cultura con la fotografia?”

Viceversa, chi fa pittura o scultura è convinto di fare cultura con la C maiuscola, spesso una pia illusione. Tutti, proprio tutti, quando scelgono una qualsiasi forma di comunicazione esprimono sempre la loro cultura che, raramente, è meritevole della C maiuscola ma che, di certo, è l’impronta digitale (non elettronica, ma da digitus), del loro stato culturale meritevole, sia dell’appellativo più elevato o sia del pubblico ludibrio.

Dario Fo è stato uno studioso, uno storico, un letterato, e come tale ha potuto e saputo travalicare molte categorie passando dalla letteratura alla drammaturgia, dalla recita alla pittura, dimostrando che solo chi si è dato gli strumenti idonei, con lo studio, con la conoscenza, non solo può essere libero, ma può operare per la libertà altrui.

The post L’intervista: il fotografo internazionale Roberto Villa ricorda Dario Fo appeared first on ComunicatoStampa.org.

La mostra

Con l’inaugurazione alle 18, vicino alla sede della radiotelevisione italiana, in viale Giuseppe Mazzini 1, la kermesse vanta i contributi della giornalista RAI Antonietta Di Vizia e dell’artista José Dalì, figlio di Salvador Dalì.

Presenti anche gli scatti del noto fotografo Roberto Villa, amico del Nobel per la Letteratura e di Pier Paolo Pasolini, che ripercorrono alcuni dei momenti salienti della sua carriera artistica. A supporto, una sezione interamente dedicata all’arte contemporanea, tra cui figurano le creazioni di Gastone Bai. Cinque le opere selezionate della sua più recente produzione.

Gastone Bai

Nato nel ’42 a Sarteano, in provincia di Siena, dagli anni Ottanta Bai è pienamente attivo in campo artistico collezionando riconoscimenti di pubblico e critica e cimentandosi nella realizzazione di sculture, ceramiche e gres, e in quella di dipinti.

Arte e bellezza

Segno e sperimentazione sono i tratti distinguibili dei suoi lavori, le parole chiave iscritte nel suo DNA, nel suo modo di essere artista e di fare arte. Bai passa con disinvoltura dalla figurazione a un astratto dolce, non provocatorio. Alla continua ricerca della bellezza, che a sua volta è in evoluzione, le nuove strade da lui tracciate per giungere a tale ideale implicano un cambiamento pregno di vitalità. L’artista, nello spiegare la metamorfosi del concetto di bellezza, parte da lontano:

«Si pensi a quali cambiamenti ha fatto l’arte dalla Grecia Antica alla contemporaneità… Ora l’arte contemporanea è compresa da pochi, gli ignoranti sono destinati all’infelicità perché non hanno gli strumenti per capirla».

Gastone Bai e l’arte in evoluzione

E, alla domanda se sarà la stessa tra cinquant’anni, risponde con uno schietto no: l’arte, la bellezza, vanno oltre le persone… pur essendone parte costituente, perché “la bellezza – asserisce – porta alla nostra evoluzione”. Spiega infatti:

«Fino al Novecento esisteva una bellezza classica, sostituita successivamente da quella contemporanea. Ai più ignoranti e poveri una volta era sufficiente andare in chiesa, ascoltare la musica… tutti avevano quotidianamente accesso alla bellezza. Cosa succede oggi che in chiesa, ad esempio, ci si va poco? Che l’accesso alla bellezza è per pochi privilegiati e che essa ha quindi cambiato linguaggio».

L’appuntamento a Roma

Per non rimanere “indietro” rispetto ai tempi, Gastone Bai è consapevole della necessità di evolvere, di comunicare una bellezza per cui spesso, ai più umili, mancano le parole per esprimerla. L’importante è veicolarla, e Gastone Bai ci riesce splendidamente. Il suo studio è interamente improntato su questo fronte. E, anche chi non teme di rimanere senza parole, potrà constatarlo nei suoi dipinti dai tratti oscuri e incredibilmente vividi che resteranno al Micro di Roma fino al 23 febbraio 2020.

The post Gastone Bai a Roma appeared first on ComunicatoStampa.org.