Dopo il successo del primo capitolo dedicato a Enrique Ramirez presso la piscina Romano, Video Sound Art cambia sede e dal 16 ottobre alla piscina Cozzi presenta la seconda mostra monografica dedicata all’artista GIULIO FRIGO con interventi musicali a cura di Sentieri Selvaggi e contributi video di teorici contemporanei.

VIDEO SOUND ART, il festival e centro di produzione dedicato all’arte contemporanea, a partire dal 16 settembre celebra i suoi 10 anni di attività con un ciclo di mostre monografiche, concerti e screening program nella cornice delle storiche piscine Guido Romano e Cozzi di Milano.

Il progetto è stato realizzato con il sostegno di Fondazione Cariplo, Regione Lombardia, con il contributo di MiBACT, con il patrocinio del Comune di Milano e con la collaborazione di Milanosport e del Touring Club Italiano.

SECONDO CAPITOLO

16 ottobre – 16 novembre, Piscina Cozzi

A seguito della prima parte del festival, svoltasi presso la piscina Romano con la mostra personale dell’artista cileno Enrique Ramirez, finalista al premio Duchamp, preludio all’esposizione al Centre Pompidou di Parigi, Video Sound Art presenta la seconda mostra monografica dedicata all’artista italiano GIULIO FRIGO.

Giulio Frigo (1984) è ad oggi uno dei più promettenti e interessanti giovani artisti nel panorama italiano per la sua capacità di riflessione estremamente raffinata e sofisticata sulla pittura, la luce, e il colore.

Il progetto espositivo è risultato vincitore per la qualità curatoriale nell’ambito del bando Exhibit Program – promosso dalla Direzione Generale di Creatività Contemporanea del MiBACT – per la sua capacità di far convivere l’espressione artistica con l’attività sportiva della piscina, che rimarrà aperta ai nuotatori per tutta la durata della mostra.

Nella grande tribuna che si affaccia sulla vasca interna, l’artista presenta la nuova installazione complessa, composta da due grandi dipinti e uno corridoio di tubi in pvc attraversabile dai visitatori.

Il percorso prosegue con altre opere pittoriche esposte nell’antico bagno mosaicato degli anni ‘30, uno spazio normalmente inaccessibile al pubblico che sarà riaperto in occasione della mostra e ospiterà la sonorizzazione composta da Carlo Boccadoro, direttore artistico dell’ensemble Sentieri Selvaggi

L’interazione tra arte e musica contemporanea, innovativa per la sua modalità inclusiva, è uno degli elementi centrali di questa edizione, in particolare di questo secondo appuntamento che rientra nel progetto Kunsthalle for music vincitore del bando Cultura di Qualità della Fondazione Cariplo.

Il protagonista per la parte musicale è l’ensemble Sentieri Selvaggi con il suo direttore Carlo Boccadoro, che ha curato e realizzato la sonorizzazione, frutto di una residenza con l’artista per approfondire la stretta connessione tra immagine e suono.

Nel percorso espositivo saranno presenti anche contributi video di teorici contemporanei connessi alle tematiche del festival. A differenza dei classici talk, sono previsti dei televisori, disseminati nel percorso, su cui il visitatore può vedere i brevi video preregistrati. Questa scelta curatoriale nasce da uno dei grandi quadri esposti, raffigurante quattro presentatori della Rai, a testimonianza del legame che l’artista ha con il mondo della televisione.

INFORMAZIONI

16 ottobre – 16 novembre
Piscina Cozzi
Viale Tunisia, 35, Milano
Opening: venerdì 16 ottobre

Orari:
giovedì e venerdì, dalle 18 alle 23
sabato e domenica, dalle 15 alle 19
lunedì 16 novembre, dalle 18 alle 21

Biglietto d’ingresso
5 euro

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Cosa ne pensa del format “Arte in quarantena”: le piace l’iniziativa pensata per portare l’arte nelle case degli italiani durante la quarantena?

Certo che sì! L’arte da sempre è un veicolo di emozione, stupore, studio e ricerca. In questo tempo, in cui la nostra vita si imprime di incertezze, possiamo spostare lo sguardo oltre, verso qualcosa che aiuta lo spirito. La visione dell’arte è una presenza importante in questo periodo di isolamento.

Secondo lei, cosa dovrebbe fare l’arte in questo momento?

Dal mio punto di vista è fondamentale l’incontro con l’Arte che è in grado di foggiare una sorta di creatività collettiva, ovvero una condivisione universale, il risveglio delle coscienze: ci si sente ingabbiati come in un vortice che evolve velocemente, di conseguenza la realtà diventa pesante e motivo di sofferenza. Si percepisce la necessità di ritrovarsi, di riscrivere lo spazio e il tempo in una sinergia, in un turbinio di emozioni che portino a un coinvolgimento.

E a proposito di coinvolgimento… Nelle sue opere il colore rosso balza subito agli occhi. Impossibile non domandarsi quale sia il motivo dietro a questa scelta…

Esse vivono un’esperienza di vita. L’esperienza che mi ha proiettato verso un qualcosa che intuivo ma non sapevo cosa fosse. Man mano che il tempo passava cercavo di cogliere tutto quello che mi rendeva felice interiormente. Andavo alla ricerca del particolare, un percorso che scrutava l’essenza dell’io in un contesto di intenso colore, ove emerge una passione intrinseca. È l’io che matura e che ritrova la forza nella fragilità, consapevole del tortuoso cammino.

Che cosa cerca nei suoi ritratti?

Questa è una bella domanda!

Allora, tratti, movenze e pennellate trasudano di molecole dinamiche, guidate dal conscio e dall’inconscio di cui l’anima diventa una specie di “specchio”. Uno specchio che lascia riflettere l’essenza di un io nuovo, che lascia riscoprire l’essenza della vita in nuovi volti.

In questi volti ci sono tantissime espressioni, specie in quelle dei bambini. Come sceglie i suoi soggetti?

I volti sono il punto focale delle opere. Il tutto prende forma da un connubio fra idea, progetto e interiorità. Le espressioni indicano la capacità di ricercare lo sguardo di bimba dove si cela il desiderio dell’artista. I soggetti sono scelti da un’intuizione “inconscia” e profonda.

C’è un quadro a cui è particolarmente legata?

No, perché ogni lavoro nasce, prende forma, si plasma e acquista coscienza dall’intimo. Perciò l’uno non esclude l’altro, essi fanno parte di un grande disegno, cioè l’infinito (come i tanti tasselli della vita).

Come ha conosciuto Spoleto Arte?

Spoleto Arte l’ho conosciuta tramite vari eventi di rilievo, e con stupore in un momento così inconsueto.

Qual è il suo prossimo progetto?

Il mio prossimo progetto è tutto da scrivere, perché nasce e prende forma dalla vita stessa.

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Le piace l’iniziativa del Tgcom24 di portare direttamente a casa l’arte contemporanea durante l’isolamento?

Quando me ne hanno parlato, mi è sembrata un’ottima iniziativa. L’espressione artistica riesce a raggiungere lo spettatore, anche se non direttamente, avendo la possibilità di espandersi e dimostrare la propria forza. Sono fermamente convinta che ogni espressione d’arte è una “medicina invisibile” a portata dell’uomo e che, specialmente in questo periodo, ne abbiamo urgentemente bisogno.

Secondo lei per fare vera arte occorre viaggiare oppure l’arte è un viaggio che cominciamo in noi stessi?

Per quanto mi riguarda, entrambe le cose. Il viaggio della mia vita, specialmente il mio cammino spirituale, influenza molto la mia pittura. D’altro canto il mio universo personale viene ampliato grazie alla mia passione per i viaggi che sono un vero percorso interiore, tracciato spesso in solitaria, al fine di entrare in comunione con i luoghi e le culture incontrate. Una sorta di studio che successivamente, dai miei taccuini, si traduce in arte.

Nelle sue opere c’è effettivamente una forte componente spirituale e cromatica. Come comunicano queste due realtà nei suoi lavori?

La realtà spirituale e quella cromatica coesistono nelle mia creatività e si fondono per esaltare il concetto che desidero esprimere attraverso un’opera d’arte. La sperimentazione della componente cromatica e l’energia dei colori delineano e rafforzano i concetti spirituali.

Che funzione ha la parola nelle sue creazioni?

Il gesto e la materia sono uno dei punti chiave da cui si dirama la mia arte dove confluisce spesso anche la parola, in foggia di scrittura o di poesia, sulla scia del desiderio di far emergere il concetto delle mie creazioni.

C’è un’opera a cui è affezionata?

L’opera a cui sono molto affezionata è senza dubbio Grandmother. Si tratta di un dipinto eseguito con tela dipinta ad olio lavorata a maglia. È stata un’opera che mi ha portato molto successo e visibilità, apprezzata inoltre dal critico Vittorio Sgarbi. Un dipinto che ho dedicato a mia nonna, la quale mi ha tramandato la passione per la manualità e insegnato il sapere dei lavori artigianali di un tempo.

Come ha conosciuto Spoleto Arte e il suo presidente?

Durante le selezioni della Biennale Milano 2017. In quell’occasione ho conosciuto il suo presidente Salvo Nugnes, grazie al quale nel corso degli anni ho partecipato a diverse esposizioni collettive.

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Valcarlo Drensi

Nato a Roma nel ’53, Drensi si forma sotto la guida del maestro salentino Raffaele Giurgola, da cui eredita e rielabora i caratteri figurativo-impressionisti. È il ’92, quando espone alla galleria Munch di Amsterdam e alla Ensen Gallery di Dresda. Torna poi in Italia per il Festival dei Due Mondi di Spoleto (’94 e ’96) continuando a raccogliere menzioni speciali e riconoscimenti in casa e all’estero. La svolta tuttavia arriva nel 2006 con il Movimento Artistico e Culturale dell’Affabulazione Italiana. Per Drensi l’artista affabulante è colui che non riproduce la realtà, ma ne propone una alternativa e verosimile. È chi “attraverso la memoria elabora il verso con l’immaginazione”.

Il Movimento Metaformale

Segue il Movimento Metaformale nel 2009. Il pittore ne è, ancora una volta, il fondatore. In particolare, parla di “sintetismo espressivo” per cui è possibile offrire un’interpretazione ulteriore della realtà rendendola rappresentazione di quella concettualità “immaginabile, leggibile e sintetica”. Niente fronzoli e orpelli, semmai un figurativo che renda più fruibile l’esperienza concettuale informale.

Folla, individuo e simbologia in Valcarlo Drensi

Interessante poi scoprire come dietro le creazioni di Valcarlo Drensi si nasconda anche una profonda analisi sociologica. Si prenda ad esempio la folla, un elemento spesso presente nei suoi lavori. Una folla dove il singolo individuo genera un movimento conflittuale o meno nei confronti degli altri e viceversa. Ciascuno dei personaggi è raffigurato in azione, in un moto di libertà ed espressione. Ciascuno si staglia su uno sfondo rarefatto che desidera passare inosservato per far emergere massimamente i suoi abitanti. Proprio a questi ultimi viene data particolare attenzione così come alla loro integrazione nel gruppo. Ecco allora che il pittore si aiuta, nella caratterizzazione sintetica dei personaggi, con l’utilizzo di simboli che connotino il soggetto e allo stesso tempo stimolino l’immaginazione del fruitore. Una bicicletta diviene metafora della gioia di muoversi e allo stesso tempo della fatica impiegata nel raggiungere un obiettivo; una barca simboleggia il viaggio e la speranza, così come una borsa il bagaglio di esperienze e conoscenze…

Il messaggio di Valcarlo Drensi

L’opera in questo modo si riveste di un significato palese e, al contempo, segreto. Ne nasce una suggestione tale da rielaborare il senso della realtà in un messaggio tanto concreto quanto comprensibile. O, come direbbe Vittorio Sgarbi: «gli uomini vengono esibiti quasi sempre nella loro pluralità, in disposizione orizzontale o verticale che sia, con la strutturalità decomposta della pittura a fare da perfetta metafora del loro essere un insieme comunque inseparabile, anche in una condizione permanente di annebbiamento che non è solo visuale, ma, probabilmente, anche esistenziale. È questo, forse, il messaggio più forte dell’arte di Valcarlo Drensi».

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