Lorenzo Tarantino presenta un romanzo visionario, magnetico e fuori dagli schemi, in cui il piano della realtà e quello dell’immaginazione tendono a confondersi. Ambientato tra il Salento, la provincia italiana e l’universo creativo della musica, il libro segue la fuga improvvisa di una giovane sposa nel giorno del suo matrimonio: un gesto radicale che diventa il punto di partenza di un intenso viaggio nell’anima.

Casa editrice: bookabook

Genere: Narrativa contemporanea

Pagine: 247

Prezzo: 19,00 €

Codice ISBN: 979-1255993490

«Mentre la penna dipinge i contorni di questa storia, mi guardo attorno e mi chiedo: sono io a immaginare tutto questo o sono io stesso quello immaginato? I personaggi continuano a prendere vita – parlano tra di loro, scherzano, soffrono questo caldo cocente – e tutto mi sembra così reale»

“L’eternità” di Lorenzo Tarantino ha origine da una specifica domanda: cosa accade quando una vita costruita per compiacere gli altri implode all’improvviso, e la ricerca della felicità entra in collisione con le aspettative sociali, famigliari e affettive? L’autore risponde a questo quesito con una storia potente che si muove tra romanzo esistenziale, racconto di formazione e riflessione spirituale, dando voce a personaggi vivi, fragili e travolgenti.

La protagonista dell’opera, Sofia, fugge dal proprio matrimonio pochi minuti prima della cerimonia; da quel momento il romanzo si apre a un flusso emotivo che attraversa la sua infanzia, le ferite dell’adolescenza, il rapporto con la famiglia, la scoperta della musica e il bisogno disperato di restare fedele a sé stessa. Attorno a lei si muove un universo umano complesso: artisti, musicisti, amori tormentati, figure famigliari ingombranti e una provincia capace tanto di proteggere quanto di soffocare.

“L’eternità” parla di identità, di vergogna, di rinascita e di libertà, ma soprattutto della possibilità di riconoscere dentro di sé qualcosa che resiste al dolore, al giudizio e allo scorrere del tempo. Elemento centrale del romanzo è la musica, vissuta come forza salvifica e trasformativa; Lorenzo Tarantino racconta il potere dell’arte di rompere gli schemi, e di restituire autenticità all’esistenza.

BIOGRAFIA DELL’AUTORE. Lorenzo Tarantino è nato a Galatina, in provincia di Lecce. Dopo la laurea in Management aziendale e un master in Marketing internazionale, ha lavorato a Torino per alcuni anni; attualmente vive a Lecce. “L’eternità” (bookabook, 2025) è il suo romanzo d’esordio.

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In un’epoca dominata dal flusso incessante di informazioni e dalla manipolazione mediatica, Marco Pernice torna sulla scena con un brano che è tanto un manifesto sonoro quanto un atto di resistenza intellettuale. Si intitola “Turn off the tv”, un singolo che conferma l’eclettismo di un artista capace di fondere impegno sociale e ricerca sonora d’avanguardia.

“Turn off the tv” si presenta come un crossover raffinato di indie e progressive rock, dove la chitarra elettrica — vero marchio di fabbrica di Pernice — è la protagonista assoluta. Il brano si sviluppa su trame psichedeliche e venature funk, creando un’atmosfera ipnotica che avvolge l’ascoltatore sin dalle prime note.

La produzione, interamente curata da Marco (che ha firmato anche voci, basso e arrangiamenti), riflette la sua visione della musica: una fusione di culture e stili che punta dritta al futuro.

Se il testo sceglie la via del minimalismo, la sua potenza risiede nella centralità del tema trattato. Il brano affronta l’uso strumentale dei media e della televisione, spesso ridotti a puri strumenti di propaganda, specialmente in tempi di conflitto. “Spegnere la TV” diventa quindi un invito simbolico a recuperare il pensiero critico e a disconnettersi da una narrazione distorta della realtà.

“La mia idea di musica è un crossover, una fusione tra culture apparentemente distanti che, unendosi, danno vita a qualcosa di nuovo. In fondo, tutta la vita è ricerca.” – Marco Pernice
Chi è Marco Pernice: Un Artista Internazionale
Chitarrista, compositore, produttore e voce, Marco Pernice vanta una carriera radicata negli anni ’90, evolutasi nel tempo attraverso collaborazioni di prestigio e una costante sperimentazione.

Il Percorso: Cresciuto sotto l’influenza di giganti come Jimi Hendrix e Mike Stern (con cui ha studiato nel 2005), Pernice ha calcato i palchi di festival storici come Time Zones e Bari Jazz, condividendo cartelloni con leggende del calibro di Lou Reed e John Cale.
Il Successo Radiofonico: Brani come DJ Killer, The Shock (5° posto tra le migliori canzoni del 2024 su Only Rock Radio in Spagna) e My Mind sono diventati dei punti fermi nel circuito indie internazionale, scalando classifiche come la Euro Indie Music Chart e la Radio Indie Alliance.
Presenza Media: I suoi videoclip sono trasmessi in rotazione televisiva globale su “Spazio Musica”, raggiungendo milioni di dispositivi tra Smart TV e reti digitali in oltre 130 paesi.

Ascolta “Turn off the tv”
Il singolo è disponibile su tutte le principali piattaforme di streaming. Non perderti questo nuovo capitolo del viaggio sonoro di uno degli artisti più prolifici e innovativi della scena indie rock contemporanea.

Ascolta qui: Streaming Link
Segui Marco Pernice: Linktree Ufficiale

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Con questo brano, Chanel compie un passo deciso nel mondo della live music, proponendo un sound indie pop fresco, vibrante, futuristico e ad alto impatto, che unisce good vibes, atmosfere playful e un immaginario visivo pet friendly immediatamente riconoscibile. Non è un caso se la release della canzone è proprio a Pasqua, perchè il simpatico e tenero coniglietto pasquale è il simbolo ufficiale di questa festività.

Ma Tina Little Bunny è anche un singolo che gioca con l’identità pop dell’artista, trasformando la figura di Tina Coniglina in un simbolo di vitalità, libertà, autodeterminazione, self-confidence e resilienza.

«Questo brano è un inno a vivere la vita così com’è, senza pensieri e preoccupazioni. Tina mi ha ispirata molto e mi ha conquistata con la sua dolcezza e la sua simpatia: mi riconosco molto in lei e mi sono da subito immedesimata nel suo mood! Il sound è lo stesso di pop star e teen icons come Sabrina Carpenter, Olivia Rodrigo e Chappell Roan, che seguo sia sui social sia dal vivo (sono una loro grande fan e ho avuto il grande piacere di vederle live!). É proprio a loro che mi sono ispirata per comporre questa fantastica canzone! Devo comunque ammettere che non è stato facile scrivere e interpretare questo brano, e a maggior ragione non vedo l’ora di condividerlo con grandi e piccini!», racconta Chanel.

Si tratta infatti di un brano pensato per un pubblico intergenerazionale e in particolar modo destinato alla generazione alpha e alle giovani famiglie con bambini. Il singolo arriva in un momento di forte crescita per l’artista, che negli ultimi anni ha consolidato la propria presenza nel panorama entertainment grazie a progetti nel fashion, nella recitazione e nei social media.

Con Tina Little Bunny, Chanel apre una nuova fase creativa, portando nel mondo musicale la sua estetica distintiva e il suo approccio spontaneo e contemporaneo.
La release è disponibile da oggi su Spotify, Amazon Music, Apple Music, YouTube Music, Soundcloud, Deezer, Tidal, anghami, qobuz, Boomplay e tante altre piattaforme.

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Giacomo Fronzi presenta un interessante saggio – un unicum nel panorama italiano, e probabilmente anche in quello internazionale – in cui si affronta il tema della performance e del performativo attraverso un’inedita lettura filosofica, ricostruendo la storia di queste categorie nel teatro, nell’arte performativa, nella musica e nella danza. L’autore propone un’analisi che intreccia filosofia, estetica, sociologia e storia delle arti per mostrare come la performance non sia soltanto una pratica creativa, ma una dimensione fondamentale dell’esperienza umana. Con una prefazione del filosofo e musicista Massimo Donà.

Casa editrice: Castelvecchi

Collana: Guardare attraverso

Genere: Saggistica/Studi estetici e filosofia critica

Pagine: 452

Prezzo: 30,00 €

Codice ISBN: 979-1256146284

«L’esperienza che si fa durante una performance è un’esperienza estetica alla quale compartecipano la dimensione precognitiva e quella cognitiva: siamo passivi e attivi al contempo. Nelle pratiche di vita quotidiana, nel rapporto con gli oggetti, nell’abitare e attraversare i luoghi, nell’esperire i paesaggi, nelle relazioni con l’altro o nella produzione artistica, siamo costantemente calati nella trama dell’estetico che, quando orienta l’azione, acquisisce i caratteri del performativo»

“Performance. Un itinerario filosofico e storico-artistico” di Giacomo Fronzi fornisce un’approfondita lettura filosofica della performance, riabilitandola e rivalutandone la portata all’interno della cornice dell’esistenza quotidiana, e gettando quindi le basi di una possibile filosofia della performance. L’autore, inoltre, nella seconda parte del saggio indaga storicamente, in chiave didattico-critica, le forme e i modi attraverso cui si è consumata la cosiddetta “svolta performativa” nel teatro, nella performance art, nella musica e nella danza tra il XX e il XXI secolo. In tal merito, si offre un’esaustiva panoramica delle figure simbolo di questo cambio di paradigma culturale e artistico (tra i quali John Cage, Merce Cunningham, Marina Abramovi?, Jerzy Grotowski e Joseph Beuys), in cui si spostò l’attenzione dall’opera d’arte come oggetto fisico e statico al corpo dell’artista – inteso come luogo primario dell’esperienza estetica – e all’azione irripetibile e transitoria, rendendo cruciale la co-presenza di performer e pubblico (ora partecipe fisicamente ed emotivamente) e più labili i confini tradizionali tra arte e vita.

La lettura teorico-filosofica più diffusa ha visto nella performance qualcosa di riconducibile all’idea di prestazione efficace, richiesta in particolare nelle società tardo-capitalistiche; l’autore ne rende certamente conto nell’opera, ma amplia la prospettiva intendendo la performance come un fenomeno estetico di primaria importanza, a forte contenuto esperienziale e dall’alto potere trasformativo, in grado di costruire comunità e di elaborare una nuova idea di umanità. La riflessione sul performativo diviene inoltre l’occasione per mettere in discussione antichi dualismi – corpo e coscienza, materia e spirito – e per ripensare la costruzione dell’identità umana come un processo instabile, relazionale e in continuo divenire.

Giacomo Fronzi fornisce una mappatura dei tre concetti di performativo, performatività e performance, alla luce dei principali orientamenti teorici che si sono sviluppati negli ultimi decenni, sia in Italia che all’estero. Il suo più grande contribuito risiede comunque nella riflessione sulla natura performativa della vita umana tout court, in cui ogni gesto, anche il più ordinario, è carico di una dimensione estetica nel senso profondo del termine. Come nella performance artistica, ciò che conta non è l’esecuzione corretta di un copione ma la capacità di stare dentro l’accadere, di attraversarlo, di lasciarsi trasformare. È un laboratorio aperto, un intreccio di azioni e passioni in cui il significato non è dato una volta per tutte, ma si produce – provvisoriamente – nell’atto stesso del vivere.

SINOSSI DELL’OPERA. La parola performance è oggi onnipresente: la si incontra nella tecnologia, nello sport, nel management, nello spettacolo e persino nelle neuroscienze, quasi sempre in relazione al concetto di prestazione. Ma il campo del performativo è molto più vasto e complesso, tanto da poter essere indagato da prospettive differenti – inclusa quella filosofica, finora tendenzialmente trascurata. Giacomo Fronzi ci guida in questa esplorazione, mostrando come il performativo sia una dimensione che abitiamo costantemente, anche al di fuori delle pratiche artistiche che più l’hanno elaborata: teatro, arte performativa, musica e danza. Attraverso queste quattro tradizioni, l’autore ricostruisce anche i momenti chiave che hanno dato forma a quella che viene chiamata “svolta performativa”. Analisi filosofica e ricostruzione storico-artistica si combinano così in un percorso originale e dinamico nel multiforme e stupefacente universo della performance.

BIOGRAFIA DELL’AUTORE. Giacomo Fronzi (1981), professore all’Università di Bari, insegna Estetica, Estetica delle arti performative ed Estetica della musica. Laureato in Filosofia (Lecce), in Musicologia (Venezia), Diplomato in Pianoforte (Lecce) e Dottore di ricerca in Etica e Antropologia filosofica, ha insegnato Pianoforte al conservatorio di Lecce, è stato docente di ruolo di Storia e Filosofia nei licei e ha insegnato Estetica all’Università di Messina. Tra le sue pubblicazioni si ricordano “Theodor W. Adorno. Pensiero critico e musica” (Mimesis, 2011), “Electrosound. Storia ed estetica della musica elettroacustica” (EDT, 2013), “Percorsi musicali del Novecento. Storie, personaggi, poetiche da Schönberg a Sciarrino” (Carocci, 2021) e “Performance. Un itinerario filosofico e storico-artistico” (Castelvecchi, 2025). Per l’Enciclopedia della musica contemporanea Treccani, ha scritto le voci “Rivoluzioni e musica”, “Musica sperimentale”, “Canzone di protesta” e “Razzismo e musica”. Scrive programmi di sala per enti e istituzioni concertistiche (Teatro lirico di Cagliari, Teatro alla Scala di Milano, Teatro dell’Aquila di Fermo, Teatro Petruzzelli di Bari, Teatro San Carlo di Napoli); ha inoltre scritto per “il manifesto” e “MicroMega” e, attualmente, scrive per “Icaro”, inserto culturale della Gazzetta del Mezzogiorno. Collabora con la RSI (Radiotelevisione Svizzera Italiana) e, da oltre dieci anni, con Rai Radio3, in qualità di conduttore ed esperto musicale. Alla ricerca e all’attività didattica affianca quella di pianista e di critico musicale.

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Dylan Phoenix svela “A Different View”: l’estetica del vuoto e la profezia sonora di un futuro distopico.

ARTISTA: Dylan Phoenix (Alessandro Vezzoni) TITOLO ALBUM: A Different View ETICHETTA: Funeral Records Autoproduction DATA DI USCITA DIGITALE: 31 Marzo 2026 (Tutti i digital store) ANTEPRIMA: Disponibile ora su Bandcamp FEATURING D’ECCEZIONE: Darquette (Patrizia Anzevino)

CAMAIORE (LU) / WORLDWIDE – La Funeral Records Autoproduction è lieta di annunciare l’approdo su tutte le piattaforme di streaming globali, previsto per il 31 marzo 2026, di “A Different View”, il nuovo capitolo discografico di Dylan Phoenix, alias artistico del produttore toscano Alessandro Vezzoni.

L’album: una recensione analitica.

“A Different View” non è semplicemente un album, ma un’esperienza immersiva che ridefinisce i confini del Dark Ambient e dell’Industrial sperimentale. Composto da 7 tracce (nella versione estesa), il disco si snoda attraverso paesaggi sonori desolati e claustrofobici, dove synth analogici e campionamenti organici si fondono in una narrazione senza parole, ma densa di significati.

Il brano cardine dell’opera è senza dubbio “Apocalyptic Vision”, che vede la partecipazione straordinaria di Darquette (Patrizia Anzevino). In questa traccia, la voce di Darquette agisce come un richiamo ancestrale sopra un tappeto di frequenze inquiete, creando un contrasto tra bellezza eterea e terrore industriale. È un brano che cattura perfettamente il zeitgeist moderno: un’umanità in bilico tra il collasso e la ricerca di una nuova visione.

Le biografie.

Dylan Phoenix (Alessandro Vezzoni): Architetto del suono basato in Versilia, Alessandro Vezzoni è una figura di spicco della scena underground italiana. Attraverso il progetto Dylan Phoenix e la sua etichetta Funeral Records Autoproduction, ha costruito un’identità sonora basata sul rigore estetico e sulla sperimentazione. La sua musica è stata descritta come “cinematografia per le orecchie”, capace di evocare visioni che spaziano dal noir urbano al post-atomico.

Darquette (Patrizia Anzevino): Artista poliedrica e figura chiave della White Dolphin Records, Darquette è nota per la sua capacità di manipolare la voce rendendola uno strumento di pura emozione e inquietudine. La sua collaborazione con Phoenix in “A Different View” segna un punto d’incontro fondamentale tra la scuola sperimentale friulana e quella toscana, portando nell’album una profondità vocale che ne eleva la portata artistica.

Distribuzione e disponibilità.

• Spotify
• Apple Music
• Amazon Music
• Deezer
• Tidal

Link Bandcamp : https://funeralrecordsautoproduction.bandcamp.com/album/a-different-view

Digitroniks Corporation 2026/ WDRpress

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Estrapolato dalla WDR 38 Compliation M.E.T.A.D.A.T.A. Deluxe,”All You Need Is AI” é un paesaggio sonoro futuristico , l’ultima fatica degli Arbeiter, un progetto che ben si incastona nel catalogo eclettico e sempre stimolante della White Dolphin Records. Il titolo stesso è una dichiarazione d’intenti, un’esplorazione del rapporto sempre più stretto tra l’uomo e l’intelligenza artificiale, tradotta in un linguaggio elettronico che pulsa e si evolve traccia dopo traccia.

Il lavoro del trio spazia da ritmi pulsanti e freddi, a melodie sintetiche più calde e riflessive, interrogandosi sull’impatto dell’AI sulla nostra esistenza. Ci si può aspettare un sound design curato, marchio distintivo delle produzioni degli Arbeiter e della White Dolphin Records, con una particolare attenzione alla creazione di atmosfere dense e evocative.

“All you need is AI” è un brano degli Arbeiter interamente realizzato senza l’uso di strumenti virtuali, tutto a mano come una volta. Sono stati utilizzati per lo scopo:

Drum Machine: Roland tr909

Synth: Roland sh101, Arturia Microfreak, Korg Volca Keys

Bass Line: Dave Smith Tetra, Korg Volca Bass.

Il titolo del brano è un monito provocatorio come dice il fondatore del gruppo  Franzon : ” L’AI è uno strumento e non la lusinga di un tuo sostituto. Cerchi consigli personali? Lo stupore di una scoperta? Il piacere di provare e sbagliare? Rivolgiti agli umani.”

Ciò che rende ‘All You Need Is AI’ particolarmente affascinante è la sua genesi: un brano interamente realizzato senza l’ausilio di strumenti virtuali. Gli Arbeiter hanno abbracciato un approccio ‘hands-on’, un ritorno alle radici della musica elettronica con una strumentazione che include classici come la drum machine Roland TR-909, che sicuramente conferisce al brano una ritmica potente e riconoscibile. Il suono dei synth Roland SH-101, Arturia Microfreak e Korg Volca Keys promette una tavolozza sonora ricca di texture e colori, spaziando da linee melodiche incisive a tappeti sonori avvolgenti. La solidità della linea di basso è affidata al Dave Smith Tetra e al Korg Volca Bass, garantendo una dinamica ritmica profonda e pulsante. Il titolo del brano, ‘All You Need Is AI’, si rivela un monito provocatorio, come sottolineato dagli stessi Arbeiter. Lungi dall’essere una celebrazione acritica della tecnologia, il pezzo si pone come un avvertimento contro la tentazione di considerare l’AI un sostituto dell’esperienza umana autentica. La scelta di creare un brano con strumenti fisici, ‘come una volta’, rafforza questo messaggio: l’importanza del tocco umano, della sperimentazione tangibile e della possibilità di ‘provare e sbagliare’ come fonti di vera scoperta e stupore.

‘All You Need Is AI’ si preannuncia quindi non solo come un viaggio sonoro stimolante, un’immersione nelle sonorità classiche dell’elettronica analogica rivisitate in chiave contemporanea, ma anche come una riflessione sulla natura della creatività e sull’insostituibile valore dell’interazione umana. Un ascolto consigliato per chi cerca sonorità elettroniche autentiche, cariche di significato e realizzate con la passione e la maestria di chi crede ancora nel potere degli strumenti ‘veri’.”

Bio Arbeiter : Trio elettronico, propone un live set e produzioni costruite totalmente su macchine analogiche e digitali, senza l’utilizzo di alcun laptop: drum machines, sintetizzatori, e quant’altro sia collegabile via midi o in control voltage, si uniscono per formare un sound unico e potente. L’improvvisazione, in termini jazz, insita nel loro approccio all’elettronica, ne ha contraddistinto il suono, che si colloca a metà tra techno, house ed electro e molto altro. Il trio Arbeiter è composto da Dave Octave, il professore Paolo Uanza Franzon, e Luca “Jama” Zuccato. Hanno pubblicato per Mozzarella Recordings (Francesco Brini) e diverse compilation per Funeral Records Autoproduction (Alessandro Vezzoni) e White Dolphin Records (Devis Simonetti), svolgendo anche diverse collaborazioni con artisti /Dj e band del panorama musicale internazionale.

Link video :

White Dolphin Records 2025

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Il sound è fresco e dalle tinte funk rock, con la ben dosata contaminazione di elettronica.  La voce di Pernice ricorda alcune produzioni losangeline degli anni 90.

Le chitarre da manuale con assoli rock blues senza pietà, e il basso funk di Grilli,  solido e ben suonato, fanno di questa canzone una perla del mondo indie.

La fusione tra i vecchi generi musicali, è sempre più evidente in questo insolito duo musicale. Marco Pernice cura voce e chitarre, Antonio Grilli il basso, i missaggi e il mastering.

La seconda traccia, più sperimentale, ma già amata dagli appassionati del genere, è un concept single su un tema scottante: relazioni tossiche e narcisismo: NARCISSISTIC WOMAN. Le chitarre di Marco Pernice volano su basi elettroniche e sul basso slappato di Antonio Grilli. C’è molta ricerca!!

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“L’album, composto da 14 tracce, è un viaggio nell’ anima dell’artista, in cui ogni sfaccettatura della vita viene espressa attraverso i testi e le melodie di Ghendo”.

Link per ascoltare le prime tracce

Una Volta Sola, quarta uscita del primo album di Ghendo

“Una volta sola” è una canzone che unisce sonorità dance a delle tematiche introspettive e ad un atteggiamento vocale rock.

Il tema principale della canzone è il voler perseguire i propri obiettivi a prescindere dagli ostacoli da superare. Il contrasto musicale generato da tutti questi elementi rende “Una Volta Sola” un pezzo efficace e catchy sin dal primo ascolto.

Paure, passioni e sogni: il primo album del cantautore toscano 

Amore Paranoie è il primo disco di Ghendo, in uscita venerdì 3 maggio.

Il titolo, Amore Paranoie, evidenzia i due temi alla base del disco: da un lato l’Amore per la musica e le persone care, compreso l’amore passionale. Dall’altro le Paranoie, la rabbia, la delusione e l’incertezza tipiche del passaggio alla vita adulta.

L’album, composto da 14 tracce, è un viaggio nell’ anima dell’artista, in cui ogni sfaccettatura della vita viene espressa attraverso i testi e le melodie di Ghendo.
Il sound di Amore Paranoie risulta molto vario, spaziando dall’aggressività del rock alla spensieratezza del funky fino ad arrivare alla malinconia del cantautorato.

I testi e la voce di Ghendo incarnano questa scelta stilistica, mutando insieme al sound proposto. Amore Paranoie è la fotografia sonora di un artista con ancora tanto da dire.

Biografia dell’artista 

Ghendo è un cantautore toscano, classe ‘94. Esordisce inizialmente come rapper, facendosi notare con i singoli “Temporale” e “Non ci sono”, dal taglio introspettivo. Nel biennio 2021-22 sperimenta varie sonorità di derivazione urban nei suoi singoli, mantenendo uno stile malinconico e riflessivo.

A novembre 2022 il suo singolo “Luna” entra a far parte della compilation Sony #urbanfighters2022, ottenendo un buon successo. Nel 2023 Ghendo pubblica “Bussola”,  un singolo cantautoriale dalle sonorità latineggianti, con Orangle Records. A gennaio 2024 esce Chissenefrega. A Maggio 2024, in Waterfall Release, esce il primo album ufficiale di Ghendo, Amore Paranoie.

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Roma, 27/02/2024 – I Tamurakafka ristampano il loro primo album omonimo, originalmente pubblicato nel 2016 a corredo del libro fotografico ad edizione limitata dell’artista visuale Roberto Saletti. Gran parte del materiale fotografico di Saletti è stato recuperato per ornare il libretto del cd, riuscendo così a mantenere viva l’intenzione originale del progetto.

I Tamurakafka sono un ensemble musicale che prende forma a Roma nel 2014 intorno alla figura del chitarrista Massimo Baiocco, che qualche appassionato conoscitore di musica indipendente ricorderà come leader dei Frangar Non Flectar, gloriosa formazione rock-wave degli anni ‘90. Il nome Tamurakafka è stato ispirato dal libro “Kafka sulla spiaggia” di Haruki Murakami. Quando suonano al completo, il palco viene impegnato da un collettivo di musicisti, attori, danzatori, fotografi e pittori visionari, che propongono uno spettacolo articolato e coinvolgente. Sono degli strumentisti colti, cresciuti tra la strada e i conservatori musicali, e il cui risultato è una musica che si nutre di rock, di musica classica e di riferimenti letterari.

Sebbene nato come compendio musicale del libro di Saletti, il disco Tamurakafka è altrettanto ispirato ed intenso quanto l’arte visuale che accompagna. Questa musica è essa stessa poesia, un’opera nell’opera, perché la band non si risparmia nello scrivere un vero e proprio capolavoro pop: cristallino, emozionante, con elementi neoclassici suonati magnificamente, accompagnati dai fraseggi acustici delle chitarre, dalle spinte ritmiche della batteria e dalle melodie del violino. A questi però poi si affiancano anche vigorose distorsioni di chitarra, aumentando il pathos di ciascuna composizione, in cui il vero protagonista è il delicato quanto energico cantato di Massimo Baiocco, affiancato dalla brava Simona Giusti e da Caterpillar, con il suo lirico recitato.

“I Tamurakafka hanno realizzato un esordio emozionante, che si distingue per un gusto negli arrangiamenti e per una sensibilità profonda che affascina già dal primo ascolto” ha dichiarato Maurizio Volpes di Again Records “Una rara perla di bellezza da fare propria e custodire gelosamente”.

Pubblicato da Again Records – Fonoarte, l’album Tamurakafka sarà disponibile per l’acquisto a partire dal 27 febbraio 2024 nei migliori negozi di musica alternativa e sui più importanti WEB Stores nazionali ed internazionali (Ebay, cdandlp.com, discogs, ecc…).

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Il brano, uscito oggi su tutte le principali piattaforme musicali, simboleggia uno scampolo d’estate nel bel mezzo dell’autunno ricreando l’atmosfera del sole e dell’ombrellone e di conseguenza rievocando sentimenti positivi, come la gioia e la vitalità, anche nelle giornate uggiose e cupe. “La Ciappana”, che dà il titolo alla canzone, è una bibita appartenente all’universo onirico che non ha alcuna corrispondenza nel mondo reale, almeno in apparenza. Eppure il testo semplice, con qualche parola inventata di sana pianta per scombinare un po’ i classici equilibri stilistici, e un sound ritmato da discoteca con innumerevoli effetti sonori, hanno un effetto travolgente e concreto su chi ascolta: diffondono allegria.

«Dentro di me è rimasto un granello dell’estate che non intendo lasciare andare – dichiara Simone Riva -. “La ciappana” ha origine da questa mia voglia di riportare il sole in chiunque la ascolti, di togliere il broncio alle persone e a invitarle a lasciarsi andare, a sorvolare un po’ sui problemi quotidiani e a godersi ogni momento della propria vita. La mia bibita immaginaria è per tutti, adulti e bambini! In più passaggi – aggiunge – viene citata la Romagna, terra a cui sono affezionato perché vi trascorro le vacanze estive fin da quando ero bambino. Alla popolazione dell’Emilia Romagna, duramente colpita dall’alluvione dello scorso maggio, dedico questa canzone perché possa riportare il sorriso».

“La Ciappana” è un’opera di Simone Riva, nei testi e nella melodia, con gli arrangiamenti del musicista Nicola Ursino.

Per Simone Riva, noto a livello mediatico per le sue prodezze ambientali e per le bonifiche degli spazi verdi dai rifiuti abbandonati sia in Lombardia che sulla riviera adriatica, è la quinta prova musicale con cui si misura.

Per visionare il video su Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=ckaUbsZ3JB0

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Come di consueto il testo è minimal ed ermetico, ma dopo una breve telefonata, l’autore ci dice la sua senza filtri.
Le riflessioni di Pernice partono dalla realtà illusoria che i social hanno portato nel nostro quotidiano e nella nostra psiche.
Tanto protagonismo e immagini di persone sexy e vincenti, spesso senza un contenuto o un vero messaggio da veicolare (in alcuni casi si tratta di foto di 20 anni prima).

Relazioni che nascono in chat, basate sull’ambiguità e spesso sull’ipocrisia, magari flirti con una persona particolare che allo stesso tempo sta scrivendo e flirtando con qualcun altro. Concetti che non sono più chiari e reali, nascondendosi dietro qualche emoji che non spiega un granché.

Siamo sempre più social, ma nella realtà socializziamo sempre meno, e siamo tutti un po’ più soli.

Torniamo all’aspetto strettamente musicale, qui il sound è decisamente rock con ritmiche funky e chitarre elettriche virtuose dai solismi mozzafiato.

Dopo qualche hanno di sperimentazioni elettroniche, c’è un netto ritorno al rock crossover dal sapore newyorkese anni 90.

Le influenze musicali di Marco Pernice, effettivamente sono quelle, e prima o poi tutti tornano alle origini.
La voce è sempre più aliena ed estraniata, ma le chitarre ci riportano ad era in cui si suonava davvero.
WELCOME TO SHOW è il titolo del nuovo singolo, disponibile sulle maggiori piattaforme streaming, ma è uno spettacolo distopico e stralunato quello che Pernice intravede all’orizzonte.

Ecco i link per l’approfondimento, e buon ascolto!!

• Link brano: https://ampl.ink/o6OGp
• Link Artista: https://linktr.ee/marcopernicemusic

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Teramo, 01/10/2023 – Si intitola “Non sarò più con te” il nuovo brano degli Hiroshima Mon Amour, affidato alla sola distribuzione digitale sulle maggiori piattaforme di streaming. La band non dava segnali di vita dal 2015, quando aveva pubblicato ben due dischi in un anno, l’album di inediti Australasia e la raccolta Ogni Singolo Movimento.

Il singolo digitale esce in modo inaspettato, senza essere stato in alcun modo anticipato da un comunicato stampa o da un post sui social da parte del gruppo. L’etichetta Danze Moderne riferisce che gli Hiroshima Mon Amour si sono ritrovati in studio lo scorso mese di agosto ed hanno elaborato il brano in tempi rapidissimi, tanto da aver spiazzato la label stessa, che non aveva previsto questa uscita in scaletta.

Ad un primo ascolto, il pezzo sembra ripercorrere le atmosfere plumbee e “siberiane” del loro secondo album Dedicata e di Australasia, con un tocco di elettronica in più. Il testo, ermetico ed introspettivo, trasuda di rassegnata inquietudine.

Il singolo digitale “Non sarò più con te” degli Hiroshima Mon Amour sarà disponibile per l’ascolto solo sulle principali piattaforme di distribuzione digitale (Spotify, iTunes, Deezer, Tidal, YouTube Music, ecc…) a partire dal 01/10/2023.

Ascolto gratuito attraverso questo Link: https://song.link/w0zpxxf7zn08r

Maggiori informazioni sulla pagina ufficiale dell’etichetta Danze Moderne: https://www.facebook.com/danzemoderne

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Il loro ultimo singolo, “Slave System Machine”, è incentrato sul tema dell’uso inappropriato dell’intelligenza artificiale e alle rischiose conseguenze che può comportare; proprio in questo periodo infatti Elon Musk ha lanciato l’allarme per limitare l’uso in particolari settori.
La band non si limita a comporre canzoni orecchiabili, ma utilizza la propria arte per sensibilizzare il pubblico su questioni importanti e spesso sottovalutate.

Il singolo “Slave System Machine”aveva già incontrato il favore del pubblico durante l’esibizione della Band alla manifestazione Sanremo Rock, al Teatro Ariston, e ora viene proposto in una nuova versione dalle sonorità marcatamente elettroniche grazie anche alla nuova line up del progetto composta da Frank Rossano(Produttore e fondatore ) , HaL_ice (la cantante e song writer, Alice Castagnoli)

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Fuori il 30/06 nella piattaforma musicale di Bandcamp la White Dolphin records presenta la nuova compilation del suo catalogo WDR35 composta da 8 artisti della scena nazionale e internazionale underground con 15 tracce.

Lucca(28/06/23), da quando il pilota Kenneth Arnold, il 24 giugno del 1947, effettuò il primo avvistamento riferito come tale dalla stampa, il problema degli UFO ( da “Unidentified Flying Objects”, oggetti volanti non identificati) si é imposto all’ attenzione di tutto il mondo.Questione estremamente suggestiva e altamente evocativa, invariabilmente associata a compimenti mitici, misticheggianti e mistificatori, la fenomenologia UFO resiste e persiste d’altronde al di là di ogni semplicistica spiegazione o smentita a distanza di oltre un quarantennio, coinvolgendo non solo il grande pubblico ma anche le autorità politiche, militari e scientifiche di tutti i Paesi, in una sfida della logica umana che non ha limiti di spazio e di tempo. Perché si tratta di un fenomeno reale. Questo volume musicale “Galaxy Sharks and The Secret Tales” é una completa e complessa analisi dei molteplici aspetti del problema indicando attraverso le tracce le possibile risposte e rivelando i più importanti retroscena con conclusioni che si basano sulle osservazioni segnalate tutt’ oggi. Il disco si apre con la band veneta elettro pop EkynoxX di Frank Rossano. La loro musica affonda con un approccio contemporaneo ed innovativo, nelle tematiche ‘retrofuturiste‘ affrontate con sonorità raffinate e pop. Si procede con la band di Enrico Tavernini con i suoi “Kontatti” e la sua “rovina”dei Bionic VisionS. Si passa agli arpeggiatori “darkwave” del progetto anglo – italiano degli Stella Wembley e le rimbalzanti tb303 del tempo che passa di FranK Fuller. il disco continua con le sequenze di Alessandro Vezzoni (aka Kabal Apokalypse) dei suoi Toxic Industry, presentando il nuovo singolo “Alien Abduction”, due inediti e un remix con Devya e la vocalist Darquette. Si prosegue con la galassia “noir” con il francese Spyrit accompagnato dalla voce di Kimberly Kornmeir della band Bow Ever Down. La raccolta rotola con la sequenza digitale vintage “When Aliens Call My Name” di Devya, registrata tra Londra e Udine, dove i segmenti sonori descrivono incontri ravvicinati del III tipo e avvistamenti U.F.O. immaginari nella “lucchesia”, luogo mistico, religioso e santo, in Italia e nel mondo.

La compilation si conclude con  la cover di X – Files di Devya e con il the final concept theme in tedesco “Der Mond”, la Luna di Darquette incisa con il Nintendo Ds.

Tracks “Galaxy Sharks and The Secret Tales” White Dolphin Records Compilation Various Artists WDR35:

• EkynoxX – Spacer Woman
• Bionic VisionS – Kontact
• Toxic Industry – Space Whale
• Joseph Fuller – The Time Shifts
• Devya – When Aliens Call My Name
• EkynoxX – Walking Out
• Stella Wembley – All that I need
• Spyrit – I’ m a Galaxy
• Bionic VisionS – The Ruin
• Toxic Industry – Alien Abduction
• Stella Wembley – Loving The Alien
• Toxic Industry – The Hungry Show ( Devya ft Darquette remix)
• Spyrit – You’re So Worthless
• Devya – X – Files ( TV track Theme Cover)
• Darquette – Der Mond

“Galaxy Sharks and The Secret Tales” , é  disponibile nella piattaforma di Bandcamp per lo streaming e download dal 30 giugno.

Link : https://whitedolphin.bandcamp.com/album/galaxy-sharks-and-the-secret-tales

Etichetta : White Dolphin Records

@digitronikscorpoation

@whitedolphinpromo

@wdrpress

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Pink Narciso

Con il suo ultimo album, “Pink Narciso”, Basile esplora nuovi territori musicali, fondendo sonorità trap e neo soul con influenze classiche. L’album, pubblicato il 14 ottobre, rappresenta un incontro affascinante tra due mondi, in cui l’eredità della cultura classica si mescola alle sfumature e alle tendenze del panorama musicale contemporaneo.

Basile, autore dei testi dei suoi brani, riesce a creare un dialogo tra il passato e il presente, utilizzando riferimenti classici e letterari in un contesto moderno. I suoi testi riflettono una profonda comprensione della cultura classica, che si fonde con le tematiche attuali e le dinamiche della società moderna. Basile dimostra come la musica possa essere uno strumento per esplorare, reinterpretare e mantenere vive le tradizioni del passato.

La cultura classica

“La cultura classica mi ha sempre affascinato, e ho voluto esplorare come potesse influenzare la musica moderna”, ha dichiarato Martin Basile. “Ho cercato di creare un ponte tra questi due mondi, incorporando elementi classici nel mio stile unico e innovativo. L’obiettivo è quello di offrire al pubblico un’esperienza musicale che sia al tempo stesso stimolante e accessibile”.

Con brani come “Cornelio Nepote” e “Art Nouveau”, Basile dimostra la sua abilità nel combinare la profondità della cultura classica con la freschezza della musica contemporanea. Il suo talento nel fondere sonorità diverse crea un sound unico che cattura l’attenzione degli ascoltatori.

In un’epoca in cui la musica spesso si concentra su temi superficiali e privi di significato, Martin Basile si distingue come un artista che abbraccia la cultura e la storia, utilizzandole per creare musica rilevante e coinvolgente. La sua ricerca di autenticità e il suo approccio innovativo alla musica lo rendono una figura di spicco nel panorama musicale contemporaneo.

“Martin Basile: L’influenza della cultura classica nella musica moderna” rappresenta un invito a scoprire un artista che osa sperimentare e rompere gli schemi, creando un connubio tra tradizione e innovazione.

Chi è Martin Basile

Rapper, regista, impostore. Classe ‘92, attivo dal 2007. Il suo stile combina la durezza della trap con la melodia del neo soul, servendosi di un immaginario preso in prestito ai classici della letteratura e della filosofia.

Segui Martin Basile

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(Mi piacerebbe immaginare un mondo dove le persone non imbracciassero armi)

Ora cammina, ti tengo la mano, e non voltarti

Ora cammina, ti tengo io la mano

Milano – venerdì 18 novembre 2022 – esce su tutte le piattaforme ed è disponibile su tutti gli store digitali, La Guerra alle Spalle, il nuovo singolo di Marco Sciarretta etichetta e produzione Tra Nisida ed Atlantide.

Guarda il videoclip “La guerra alle spalle” su YOUTUBE

Il cantautore milanese, ad un mese esatto dall’uscita di 50 anni domani, mantiene la promessa regalandoci un altro tassello del suo progetto tanto ambizioso quanto “semplice e diretto”, perché lui della musica ha fatto la sua arma, l’unica che abbia mai imbracciato.

La Guerra alle Spalle colpisce come un pugno nello stomaco, costringendoci a guardare la guerra attraverso gli occhi e le parole di una madre che tiene per mano il proprio figlio lasciandosi alle spalle la guerra, ingiusta, spaventosa che la separerà dai propri affetti, dalla propria casa. Un cammino disperato verso l’ignoto che si colora ed addolcisce nelle parole rassicuranti di una donna che combatte, sul serio, per la salvezza del proprio bambino.

“La musica è la cornice e il testo è il quadro che serve a mettere in evidenza e in luce le parole. Parto sempre dal testo, che, per me, è fondamentale. Scrivo liberamente avendo un’idea in testa a guidare e dare il via alla nuova canzone. La Guerra alle Spalle è nata così. Leggere gli aggiornamenti continui, mi ha spinto a riflettere. A colpirmi non sono state le grandi notizie ma le testimonianze degli inviati che raccontavano le cose viste da vicino, i civili che difendevano confini, le fughe disperate di madri che cercavano la salvezza per i figli. Ho immaginato le parole di quelle madri per rassicurare i bambini, per continuare a “cullarne” i sogni che non dovrebbero spegnersi mai per loro. Ho cantato una guerra vista non dall’alto, ma da vicino, dove non ci sono vittorie, ma solo perdite, dolore, segni meno per tutti. Una drammaticità che mi ha colpito profondamente e la musica sottolinea, girando sempre su sé stessa, senza picchi, accompagnando le parole, che sono le vere protagoniste. Ho voluto anche per questo brano – conclude Marco – strumenti essenziali, quelli di una band su un palco in un live. Questo è il modo di fare musica e non cerco di inventare produzioni strane, ma rimango fedele all’idea della band tradizionale, della musica suonata, quella che mi appartiene e che è il mio mestiere”.

Il video, essenziale e scarno, ci fa condividere quel viaggio invitandoci a riflettere su come ogni guerra, sia una sconfitta, sempre e comunque e non ci possano essere vincitori o vinti.

Marco Sciarretta artigiano di parole, si conferma un cantautore e musicista dal carattere ben definito e dai gusti raffinati. La sua musica come gli piace sottolineare, fa da cornice alle parole che sono e rimangono al centro delle sue composizioni.

Il singolo, dopo 50 anni domani è un’ennesima tappa di avvicinamento al suo nuovo album, Il Primo Tratto che arriverà in primavera, consolidando un percorso artistico importante da vero “operaio” della musica, che per lui è una missione.

Non mi domandare quale è il senso
No non tremare vieni qui
Ti abbraccio forte senti? Si?

Ora cammina, ti tengo per la mano, e non voltarti

Ora cammina, ti tengo per la mano
Siamo lontani dai tuoi giochi
Siamo lontani dai tuoi libri
Ma siam vicini a quel confine
Che ci regalerà un’estate
Siamo lontani dai tuoi colori

Siamo lontani dal campanile

Ne vedrai altri oltre il confine

Sì, anche il babbo li vedrà

Lo so hai capito che è una guerra
però mi chiedi che cos’è
Pensavi fosse una finzione
Per qualche film o un cartone
Ora cammina, ti tengo la mano, e non voltarti

Ora cammina, ti tengo io la mano

https://www.tranisidaedatlantide.com/

https://www.instagram.com/tra_nisida_ed_atlantide/

https://www.facebook.com/TraNisidaedAtlantide

https://www.youtube.com/channel/UCSU7DoR2JKrPz7vNL_mI6hQ

di Mauro Caldera

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Fuori nella piattaforma musicale di Bandcamp e in radio la nuova compilation a tema della White Dolphin Records intitolata “ASIMOV IS NOT DEAD”, composta da 9 tracce di musica elettronica underground di artisti e band italiane.

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La label toscana Funeral Records Autoproduction , presenta nelle piattaforme di musica digitale il nuovo exteded play dei Toxic Industry : “Hungry Show”

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“La parola diva è un po’ vintage nel mio immaginario,- Dice TheVerso – mi fa pensare alle grandi attrici di un tempo. Qui però la diva protagonista del brano è una sorta di influencer contemporanea, o comunque una persona molto popolare sui social media. É chiaro che nel chiamarla diva c’è ironia ma anche verità in quanto la popolarità ai giorni nostri passa molto attraverso certi canali”.

Un brano dal testo pungente, che prende un po’ in giro certi comportamenti e alcune relazioni: il tutto però con leggerezza, senza dare giudizi morali. A volte la canzoni possono rispecchiare quello che vediamo e mettere sotto la lente di ingrandimento certe dinamiche comportamentali ed osservarle oltre a fare sorridere può anche dare qualche spunto di riflessione.
Dal punto di vista musicale il tentativo è quello di unire il pop-rock anni 90 all’indie pop contemporaneo. Dopo tutto questa ricerca di una sorta di ponte tra passato, presente e futuro è ciò che caratterizza come questo anche altri brani presenti nell’Album “Futuro Vintage”, in uscita a metà ottobre.

Luca Cicinelli nasce a Roma e si avvicina alla musica cominciando a suonare la chitarra a 11 anni: dall’età di 16 anni comincia a scrivere le prime canzoni. Da sempre influenzato dal britopop e dall’indie rock nel 2015 decide di intraprendere un progetto solista con il nome d’arte TheVerso che porta alla registrazione del suo primo disco in italiano dal titolo “Andate e Ritorni”. Seguono in questi anni diverse esibizioni dal vivo. Il 6 Aprile 2018 è uscito il suo primo album solista in inglese, dal titolo “Imperfect Symmetries”. I singoli Fireflies ed EndlessCorridor sono entrati nella top 100 della classifica radiofonica italiana dei brani indie più trasmessi in radio. Dal 2021 TheVerso comincia a pubblicare nuovi singoli in italiano: “L’Universo” è entrato nel 2022 nella top 50 dei singoli indie italiani più ascoltati sul web e la sua ultima uscita è il brano “Diva”. Il suo nome d’arte è ispirato dal contrasto e dalla pluralità di significati della parola verso: il verso di un animale, molto istintuale, è infatti praticamente l’opposto del verso di una poesia, intellettuale. La musica di TheVerso ha queste due anime, un’ anima rock ed una più intimista.

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