VERNISSAGE 13 maggio 2026 h. 18:30

 IN MOSTRA dal 14 maggio al 6 giugno 2026

mercoledì – venerdì h. 16 – 19; sabato h. 11 – 19

o su appuntamento whatsapp 349-5056460

INGRESSO LIBERO

“In questa mostra ho dipinto anche alcuni soggetti dello shintoismo: i draghi sono divinità protettrici dell’acqua e nuotano tra le nuvole; i cervi e le volpi sono messaggeri delle divinità di boschi e montagne. Dipingo gli umani di spalle, ma loro, queste divinità e messaggeri, ci guardano e ci interrogano”

Ritorna a Manifiesto Blanco, dopo la personale del 2022, il pittore giapponese Kazuto Takegami, con una mostra che trasforma la galleria in un luogo di meditazione, dove le tele dipinte vibrano e trasmettono energie ancestrali, tra cieli verde-acqua, nostalgici orizzonti di oceani lontani e creature ospitate da boschi e rami.

Sia in Italia che in Giappone abbiamo esperienza di ammirare foglie e nuvole nel divenire delle stagioni, con colori, temperature, luci diverse. Non è così in tutte le parti del mondo.

Sempre presenti sopra e sotto di noi, foglie e nuvole sono certamente una preziosa eredità dei nostri territori e dei nostri cieli, messaggeri portatori di storie, gioie e, talvolta, ferite. Takegami, da osservatore della Natura, percepisce le vibrazioni di questi elementi, esempio dell’effimero e del transitorio che donano al nostro sguardo la bellezza delle loro mutevoli forme e colori.

Le nuvole: basta alzare lo sguardo verso il cielo. Quante immagini si creano nella casualità delle correnti d’aria calda e fredda, in quell’effetto di soffice morbidezza che riporta a quando eravamo piccoli, aprendo il cuore – inaspettatamente – a ricordi che erano rimasti sopiti.

Quel che si vede, poco dopo non c’è più. Vederlo è cogliere l’attimo, l’emblema della preziosità del singolo momento che quando accade – poi – non torna mai identico a prima.

Fatte di acqua sospesa, sono un filtro nel cielo che esalta i colori di albe e tramonti, nel passaggio del tempo. Il temporale le rende protagoniste e scarica sulla terra la pioggia che disseta, distrugge, ricrea.

Le foglie: alberi e piante con le loro fronde ci riparano dalla luce, creando rifrazioni cangianti quando scorgiamo il sole fra i rami; luce che – filtrata dall’aria – arriva a noi e ci fa percepire un leggero brivido di bellezza che riequilibra le nostre forze e accarezza cicatrici.

Le foglie servono alle piante per trasformare la luce nel loro nutrimento, sono dei “visi” rivolti verso il sole per raccoglierlo e filtrarlo in elisir di vita.

Le loro venature ricordano le rughe che gradualmente appaiono sui nostri volti, tra sorrisi, lacrime, gioie e dolori della vita. Proteggono le creature di boschi e parchi. Il vento le sposta, le fa cadere, e crea nuovi passaggi, come messaggi tra cielo e terra.

L’esposizione delle opere di Takegami ci accompagna in questo percorso di storie e memorie, con quadri, disegni e piccole sculture che raffigurano momenti di stupore e bellezza del transitorio, schegge di una quotidianità resa protagonista nell’attimo di splendore che si è manifestato e che va conservato nel ricordo, come qualcosa di prezioso.

Kazuto Takegami nasce in Giappone nel 1970. Dopo la laurea presso la Musashino Art University di Tokyo con specializzazione in pittura ad olio, svolge il lavoro di professore d’arte per alcuni anni. Decide in quel periodo di dedicare la sua vita solamente all’attività di pittore. Nel 1998 giunge in Italia con una borsa di studio del Ministero della Cultura e arricchisce le sue conoscenze pittoriche presso l’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano, città nella quale attualmente vive e lavora.

È nel contesto italiano ed europeo che perfeziona l’uso della pittura ad olio, da lui molto amata. Apprende allo stesso tempo le tecniche dell’affresco e della tempera grassa. La lontananza dal suo paese natio gli consente di riscoprire la bellezza delle sue origini, portandolo ad usare sempre più i materiali della tradizione pittorica giapponese come l’inchiostro di china, il gofun, i pigmenti naturali. Una perfetta fusione tra oriente ed occidente.

L’artista ha esposto in mostre personali e collettive specialmente sul territorio italiano, oltre che in Europa ed in Giappone. Dal 2020 diviene socio della Società per le Belle Arti ed Associazione Permanente di Milano.

www.kazutotakegami.com

IG kazutotakegami

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L’inaugurazione della mostra si terrà il 28 maggio e avrà termine il 31 agosto 2024.

L’esibizione, tramite la lingua del fumetto, si pone di raccontare il mondo di Marco Polo, sia quello della sua vita a Venezia sia il suo viaggio che lo porterà attraverso l’Asia e al suo lungo soggiorno in Cina, avvenuto tra il 1275 e il 1291.

Ma non finisce qui, altre iniziative sono previste nell’arco delle celebrazioni della vita e della leggenda di Marco Polo.

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Marco Almaviva (Novi Ligure, 1934) ha sviluppato un percorso artistico significativo che lo ha reso una delle figure principali nel panorama artistico contemporaneo. Pur avendo una formazione tecnico-scientifica, ha coltivato i suoi interessi artistici negli anni ’50 a Milano, frequentando l’ambiente di Brera, lo scultore Francesco Messina e il gallerista Peppino Ghiringhelli. Alla metà di quel decennio conosce Carlo Carrà, Dino Buzzati, gli ambienti delle avanguardie e il critico Giorgio Kaisserlian, riferimento per l’opera di Fontana e lo Spazialismo. Si fa forte in lui l’esigenza di una ricerca linguistica e poetica autonoma con cui esprimere il suo rapporto con la natura. Così, tra il 1966 e il 1967, mette a fuoco una ricerca che chiama Tonaltimbrica, che si contraddistingue per per l’uso innovativo di toni e timbri nella pittura. Il dipinto “Palpito primordiale” (1967) diventa il manifesto e l’emblema della sua sensibilità tonaltimbrica.

Nel 1969 si trasferisce a Genova. Fonda la Galleria Amaltea, votata alla documentazione della propria attività. Comincia a elaborare il concetto di Filoplastica, che segna il passaggio dall’immediatezza del dato naturale all’indagine in profondità sulla materia. Il segno tonaltimbrico volge verso il filamento, sinuoso e sottile, che si fonde con la base cromatica. L’impianto filoplastico domina la sua pittura negli anni Settanta. Alla fine di quel decennio, si trasferisce a Borgo a Buggiano, in Toscana, dove nascono due fondamentali cicli pittorici, “Le forme dal mondo tolemaico” e “La materia dei Lembi”. Si tratta di un’enfatizzazione di quella materia cristallina e impalpabile che costituisce il tratto distintivo della Filoplastica e che segna la sua distanza dal clima del «ritorno alla pittura» agli inizi anni Ottanta. La sua capacità di innovare costantemente la sua pratica artistica, esplora nuove tecniche e concetti e creando un corpus artistico unico confluito nel 2001 nell’Archivio Almaviva.

Nel 2019 nasce la sua ultima ricerca che viene presentata a Genova, allo Spazio46 di Palazzo Ducale. I critici Paolo Bensi e Sandro Ricaldone presentano tre opere di Marco Almaviva basate su una pittura che precede la formazione del supporto. È una ricerca il cui seme risale al1965. Già allora, Almaviva concepisce, con Giorgio Kaisserlian, l’idea del dipinto da realizzare senza il presupposto di una superficie precostituita su cui stendere il colore. Non c’è dubbio che gli stimoli di fondo in questa direzione vengono da Lucio Fontana, anche se Almaviva non frequenta mai i territori dello Spazialismo, pervicace, sempre, nel cercare una sua propria via. Ecco, così, nel 2019, in un terreno si direbbe di corsi e ricorsi storici, gli “Artefatti”, insistenti sulla serie chiamata “Lineari -Literal texture” (2020) e la serie chiamata “Rectoverso-Literal texture” (2021), entrambe precedute dagli “Archetipi” (2018-2019).

Nel 2022 le edizioni FYINpaper e Innerself, Milano-Adelaide, pubblicano la monografia Marco Almaviva, The Filoplastica and its Developments, curata da Gérard-Georges Lemaire e Carmelo Strano.

Scrive di lui Aldo Gerbino: “Quando il tessuto si scompone in tagli giallastri, ecco affiorare il purissimo reticolo vitale, pronto ad altre lacerazioni, ferite, escavazioni al fine di stabilizzarsi nel restringimento d’uno spazio da occupare nel modo più armonioso e in una prossemica la cui sonorità spaziale possa mettere in luce, con chiarezza, il rapporto spazio-ambiente-oggetti in quella precisa linea di sguardo tra l’artista e la sua corporeità.

La mostra, in collaborazione con FYINpaper.com (Daily Geoculture Review), potrà essere visitata fino al 4 giugno, da lunedì a venerdì dalle 9.30 alle 12.30 e dalle 15 alle 18.

Disponibile brochure sulla mostra il cui PDF viene spedito gratuitamente su richiesta da inviare a: rose.c.piccolo@gmail.com

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L’evento artistico, ideato e curato dal sociologo e giornalista Ivan Guidone, vede esporre tredici artisti – tra pittori, scultori e fotografi – provenienti da varie città italiane, giunti appositamente sull’Isola di Arturo per celebrarla attraverso le loro opere.

L’isola di Procida è, infatti, il tema scelto per questa prima edizione di Procida Segni D’Arte, vista come luogo di fascinazione ed ispirazione eterna per artisti, scrittori e visitatori. Procida Segni D’Arte vuole essere una rassegna di arti visive tra la contemporaneità e la tradizione: dal personaggio di “Graziella” di Alphonse de Lamartine fino ad “Arturo” di Elsa Morante, passando per quello di “Mario il Postino” di Massimo Troisi.

L’inaugurazione è prevista per Sabato 15 Luglio 2023 alle ore 16:30 presso il Palazzo d’Avalos, ex cittadella carceraria cinquecentesca oggi prestigiosa sede di importanti eventi culturali in collaborazione con il Museo MADRE di Napoli.

Ad aprire la serata, condotta e moderata dal sociologo Ivan Guidone, i saluti del Sindaco Raimondo Ambrosino e del Delegato alla Cultura Michele Assante del Leccese, seguirà una performance artistica che omaggia le tradizioni procidane: l’indossatrice Aquilina Di Maio vestirà per l’occasione il tradizionale abito settecentesco della “Graziella” finemente ornato con ricami in oro, mentre la poetessa Rachele Lubrano leggerà alcuni brani tratti dell’omonimo romanzo dello scrittore francese Alphonse de Lamartine.

Seguirà il reading poetico dello scrittore procidano Vincenzo Ambrosino che interpreterà sia componimenti personali che quelli di due importanti poeti contemporanei: Antonio Spagnuolo e Giovanni Ronzoni. L’evento – che ha inoltre ricevuto il patrocinio dell’A.N.S. Associazione Nazionale Sociologi Campania e dello Sportello Antiviolenza Selene di Giuliano e Qualiano – si concluderà con la consegna degli attestati di merito agli artisti partecipanti.

Tra gli artisti, intervenuti da tutt’Italia, esporranno: Arca Annoiato (Procida), Emiana Assante (Procida), Serena Casali (Treviso), Maria Pia Daidone (Napoli), Raffaella De Luise (Ischia), Samuel Di Mattia (Francia), Carmine Elefante (Napoli), Flavio Gioia (Napoli), Alessandra Merenda (Napoli), Annamaria Quadretti (Procida), Giovanni Ronzoni (Monza), Marilisa Serpico (Procida), Arianna Spizzico (Procida). Si ringraziano le artiste Marilisa Serpico ed Arianna Spizzico per il supporto organizzativo e Sara Coppola per il servizio fotografico. Con Procida Segni D’Arte, l’isola di Procida si riconferma centro fertile di iniziative artistiche e culturali.

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PassepARTout Unconventional Gallery è lieta di annunciare l’apertura della mostra Geometrie Cosmiche dell’ingegner Orlando Allocca in arte Orloco.

Questa eccezionale mostra personale del Maestro Orloco racconta un universo onirico fatto di sensazioni, visioni, forme e scomposizioni.  La rassegna verrà inaugurata sabato 15 aprile alle ore 18:00 in occasione della Milano ART & DESIGN WEEK nell’incantevole scenario espositivo di Unahotels Expo Fiera Milano, il più grande ed importante Business Center di Milano.

La Direttrice e curatrice dell’evento Elena Ferrari presenterà la serata insieme al critico e storico dell’arte Prof. Nicola Traversoni, offrendo al pubblico una visione inedita ed una personale chiave di lettura delle opere.

Apertura mostra:

Nei giorni dal 16 al 30 aprile l’accesso alla mostra è libero TUTTI I GIORNI dalle 9:00 alle 18:00.

Inaugurazione:

sabato 15 aprile ore 18:00.

Prenotazione obbligatoria contattando via email passepartoutgallery@libero.it

PassepARTout Unconventional Gallery

C/O UNAHOTELS Expo Fiera Milano

Via Keplero 12, Pero (MI)

Per informazioni contattare passepartoutgallery@libero.it

Seguiteci anche su Instagram @passepartoutgallery  –  visitate il sito

www.passepartout-unconventional-gallery.com

DIRE COSE DIFFICILI IN MODO SEMPLICE

“Di tutte le arti, la pittura astratta è la più difficile. Richiede che tu sappia disegnare bene, che tu abbia una maggiore sensibilità per la composizione e i colori e che tu sia un vero poeta.”

Vasilij Kandinskij

Le opere presentate da Orlando Alloca (Orloco) inaugurano la strada dell’astrazione, dirigendosi verso riflessioni ed esperimenti di un’arte non oggettiva, il più delle volte.

Quello che più traspare dai suoi lavori sono le emozioni, evocate con veemenza attraverso l’utilizzo di forme elementari e primarie nel tentativo di esprimere questioni profonde attraverso forme, linee e colori.

Anche se di piccolo formato, nelle opere di Orloco si ode, inoltre, il richiamo di alcune caratteristiche proprie della Color Field Painting: l’utilizzo di forme piatte nel tentativo di distruggere ogni parvenza illusoria per rivelare, al contempo, una sintetica verità.

L’artista dunque approda verso una personale visione dell’astrattismo, caratterizzata da un sistema di variazioni tra elementi formali impiegati per costruire uno spazio del quadro che non è da percepire come una banale organizzazione, perché diviene composizione, scomposizione.

Le sue opere sono conseguenza, perciò, di un iter compositivo in cui l’osservazione della realtà si fonde in una commistione di associazioni mentali che a quella stessa realtà forniscono una struttura e un ordine sia esteriore sia interiore.

Le sue “Articolazioni” o il suo “Grande Albero”, ad esempio, rappresentano una vera e propria astrazione da qualsiasi immagine reale li abbia ispirati anche se, per certi aspetti, si possono ritrovare alcuni richiami simbolici, visivi. Cromie calde, taglienti, nette e definite dialogano in modo uniforme perché prive di sbavature (non solo formali) che si distendono creando una superficie calma, piatta, bidimensionale. Immediata. Anche di fronte all’uso divertente di colori più brillanti come l’argento e l’oro che pongono risalto a talune campiture.

Sfondi chiari e terrosi danno spazio, in altri lavori, a contesti bui quasi infiniti su cui si scagliano le forme a volte organizzate simmetricamente in altre circostanze che seguono più una dinamica sentita.

Quello che più seduce dei suoi acrilici è la coerenza ad uno stile univoco e chiaro al quale aderiscono differenti tematiche che concorrono comunque a delineare, seppur con una voce peculiare, la definizione di una poetica personale che agisce secondo la “necessità interiore” di non rappresentare per sembianze effimere ma di attingere ad una natura interna, segreta, spirituale.

Orloco ha respirato sin da giovane l’atmosfera artistica grazie alla presenza del maestro Eliseo Allocca, suo padre, che possiamo intendere come sua guida nel mondo del disegno e della pittura.

L’artista espone con successo in territorio nazionale opere realizzate, inoltre, ad acquerello e a china. È rappresentato da PassepARTout Unconventional Gallery come artista in permanenza.

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Il prossimo autunno Milano, la città italiana più all’avanguardia nei settori dell’arte, della moda e del design, ospiterà artisti provenienti da oltre 40 Paesi che esporranno le loro opere in un contesto internazionale nel quale potranno farsi conoscere da esperti ed appassionati d’arte di tutto il mondo, complice il grande risalto che l’iniziativa avrà su stampa e televisioni.

Al successo della manifestazione, organizzata dal curatore d’arte Salvo Nugnes, già manager di note personalità, contribuiranno, come di consueto, grandi nomi dell’arte e della cultura come Vittorio Sgarbi, Francesco Alberoni, sociologo di fama mondiale, Maria Rita Parsi, scrittrice e psicoterapeuta, il direttore del Tgcom 24 Paolo Liguori, Silvana Giacobini, già direttore di Chi e Diva e Donna, Katia Ricciarelli, soprano e attrice, Massimo Giletti, giornalista e conduttore televisivo, Pippo Franco, attore, presentatore ed artista, Mario Luzzatto Fegiz, noto critico musicale e giornalista del Corriere della Sera, Morgan, cantautore e polistrumentista, Carolyn Smith, presidente di giuria di Ballando con le Stelle, Marco Columbro, presentatore televisivo, lo storico e presidente del Vittoriale degli Italiani Giordano Bruno Guerri, il noto critico d’arte Luca Beatrice, Alviero Martini, stilista di fama, Marzia Risaliti, nota attrice, Yari Carrisi Power, musicista, figlio d’arte, Jim Beckwith, cantautore internazionale, Caterina Grifoni, presidente FIDAPA sez. SP, il Presidente della Regione Lombardia, il sindaco della città di Milano e tanti altri.

La manifestazione, che si svolgerà dal 21 al 25 ottobre presso il Milano Convention Center, sarà, usando le parole del Prof. Vittorio Sgarbi, “un’occasione per vedere artisti nuovi e conosciuti, per vedere lo stato dell’arte fuori dai fasti veneziani e senza discriminazioni”.

Per info e selezioni www.biennalemilano.it – info@biennalemilano.it – 388 7338297

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Roma, giugno 2021 – L’azienda Metallum Archidesign investe sui giovani designer di IED Roma, e mette in mostra le loro creazioni, prima del tramonto. Venerdì 25 giugno, dalle 17.30 alle 19.00, il Roof Garden, la terrazza botanica delle Industrie Fluviali a Ostiense (Roma) – resa celebre dal film di Ferzan Özpetek Le fate ignoranti – si trasforma in uno speciale spazio espositivo di design per la mostra 50³, aperta a tutti a ingresso gratuito.

In esposizione, di fronte al Gazometro, i 16 prototipi realizzati dagli studenti del secondo anno del corso triennale di Product Design di IED Roma per il contest promosso da Metallum lo scorso ottobre. Il brand di design emergente, figlio della storica azienda L.A.M.A srl, leader da 50 anni nella lavorazione di precisione dei metalli, premierà gli autori dei tre migliori progetti con un importo in denaro e metterà i prototipi in produzione, che saranno venduti nell’e-shop dell’azienda.

“Condividere in azienda la creatività e l’entusiasmo dei giovani designer di IED mi ha proiettato con occhi e mente nel mondo del futuro”, dichiara Stefano Crescentini, CEO di Metallum Archidesign by L.A.M.A. srl. La mostra nasce, infatti, dalla collaborazione fra Metallum Archidesign e l’Istituto Europeo di Design con l’obiettivo di offrire agli studenti la possibilità di una progettazione reale e la sfida di esprimere le loro intuizioni creative all’interno di una dimensione e un materiale predefinito: complementi d’arredo di 50x50x50cm, in lega metallica.

“L’importanza della collaborazione tra competenze diverse nello sviluppo di un progetto è un punto focale del nostro corso e per gli studenti è importante farne esperienza diretta sul campo“, dichiara Marika Aakesson, docente e coordinatrice del corso triennale di Product Design di IED Roma. “Hanno imparato che il designer lavora non “per” ma “con” le aziende, così nascono progetti realizzabili che diventando prodotti bellissimi“.

Utilità, sostenibilità e multifunzionalità hanno guidato le scelte dei designer, che hanno lavorato per sottrazione alla ricerca dell’essenziale materico in un gioco di forme, geometrie e alternanze di pieni e vuoti strutturali, con incursioni a Babele e nella Roma Classica. Tenendo conto delle nuove esigenze del vivere contemporaneo, rapidamente mutate, un tavolo può diventare un porta piante e una mensola può mutarsi in appendiabiti.

La mostra rappresenta un’occasione per scoprire le nuove declinazioni del metallo per l’arredo, plasmato dalle visioni dei giovanissimi e promettenti talenti di IED.

Venerdì 25 giugno 2021
ingresso libero contingentato dalle 17.30 alle 19.00
Industrie Fluviali | via del Porto Fluviale n°35, Roma

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L’Arte delle Donne

L’evento, pensato per ospitare opere la cui tematica sia afferente all’universo femminile, non preclude a nessun artista la selezione. Questo perché più punti di vista diversi su questa tematica aiutano ad avere una visione ampia, permettono un confronto più ricco e stimolante. Dall’idealizzazione della figura femminile al suo sfregio, fino alla reinvenzione: ci si può ritrovare oppure no, l’importante sarà uscire dalla visita con un’esperienza in più da ricordare e raccontare. Con una speranza nel cuore. Salvo Nugnes, l’organizzatore della kermesse, ha infatti dichiarato di aver pensato L’arte delle donne come un incontro per e con le donne.

Maria Rita Parsi

A sostegno di questa iniziativa si è schierata Maria Rita Parsi, che ha commentato:

«È infatti per le donne e con le donne che il mondo può veramente cambiare aspetto. Il mondo parte come origine dal grembo della madre e gli uomini devono capire con amore, rispetto e ammirazione che quel punto di partenza va rispettato, ammirato, sostenuto, perché le cose possono effettivamente cambiare, perché si parte solo e sempre dalla madre».

Essendo le donne la radice prima dell’esperienza di ciascun essere umano, occorre rivalutare in maniera adeguata il loro “peso”. Davanti a una violenza sulle donne sempre più dilagante, forse è proprio a partire dall’arte, da come viene vista e interpretata la donna, come si sente e si comporta lei stessa, che si deve prendere in mano la situazione.

«Buon 8 marzo – conclude la Parsi – perché le donne e gli uomini capiscano che l’alleanza vera tra maschile e femminile, con il rispetto profondo dell’origine, della matrice, del femminile può cambiare le sorti del pianeta».

Info e contatti

La mostra rimarrà aperta fino al 27 marzo 2020, tutti i giorni, eccetto la domenica, dalle 14.30 alle 19. Per informazioni è possibile chiamare lo 0424 525190, il 388 7338297 oppure scrivere a artfactory.eventi@gmail.com.

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Dopo una tournée iniziata al Comune di Castel Franco Emilia, proseguita all’Ambasciata di Belgrado e presso il Teatro Nazionale Serbo, presso l’Ambasciata e Istituto Italiano di Cultura Sloveno di Lubiana, poi di Vienna e di Pechino, al Teatro Nazionale Cinese, presso l’Ambasciata e l’Istituto Italiano di Cultura di Minsk e il Teatro Nazionale Bielorusso, è proprio il caso di dire: finalmente a Roma!

Finalmente a Roma con la mostra dedicata a Dario Fo. Come vi siete conosciuti e cosa l’ha spinta a proporre una serie di mostre sul Giullare Nobel?

1968, Genova, Camera del Lavoro, è lì che ci siamo incontrati.

Da studioso dei linguaggi delle arti ero molto interessato allo sperimentalismo ed alle innovazioni nel mondo della comunicazione delle diverse forme dello spettacolo, teatro e cinema, musica e pittura, e via. Non a caso nel 1949 avevo studiato la appena nata “Teoria dell’informazione”.

Le nostre conversazioni sono state immediatamente “nutrienti” grazie ai comuni interessi, alla grande Cultura di Dario ed alla mia preparazione di ingegnere elettronico dagli interessi anomali.

Il punto forte comune era operare per i minus sapiens, poiché è la cultura che rende liberi e, per potere fare cultura, contattando i Grandi e per collaborare con loro, avevo scelto la fotografia, quella che mi ha consentito di costruire documenti unici sul fare poetico dei grandi intellettuali con cui ho collaborato facendo anche fotografia.

Quelle foto, infatti, non sono destinate ad essere appese ad un muro e basta, ma sono una overture che mi consente di parlare di cultura a decine di migliaia di giovani e no, ogni anno, non solo facendo loro scoprire il teatro, quello rivoluzionario linguisticamente di Dario Fo, ma rivelando anche i meccanismi del processo creativo in tutte le arti.

Come si è comportato il pubblico di questo progetto itinerante? Le reazioni sono diverse a seconda della cultura di appartenenza? Quanto è conosciuto Fo all’estero e quanto in Italia?

Grazie all’interattività, tra autore ed immagine nasce un dialogo che dà luogo a domande imperniate sul senso del lavoro e sul cosa rappresentano le immagini.

Le diversità appaiono nella differente cultura dei singoli, quasi nessuno conosce le regole della composizione di un’immagine, ed ancor meno la differenza fra la composizione nella cultura occidentale e quella nella cultura orientale per cui, con ogni risposta,  faccio un mini corso di semantica dell’immagine.

In tutto il mondo in cui ho presentato i lavori di Dario Fo il nostro Nobel è conosciuto e, spesso, più di quanto lo sia in Italia.

C’è uno scatto a cui è legato o un ricordo con Dario Fo a cui è particolarmente affezionato?

Sì, c’è. Si tratta di una immagine in cui Dario, al centro del palco, in piedi, sta agitando le mani che appaiono “sfocate da movimento”: quella foto è nata per dimostrare proprio che il recitativo non era mai statico ma dinamico.

Mentre facevamo quelle prove, noi due soli sul palcoscenico, Franca Rame, con suo divertimento, ci seguiva seduta in sala, talché ad un certo punto, con una espressione tipicamente milanese ha sigillato le nostre sperimentazioni con un “Sembrate due pirla!”

Lavorando a stretto contatto con grandi della cultura italiana e non solo, come ha fatto lei, si viene influenzati dal loro carisma? In che modo?

È proprio lo stretto contatto che non fa percepire il carisma destinato al pubblico. Quando gli argomenti della conversazione risultano molto complessi si stabiliscono rapporti ad elevata, autentica empatia ed anche di amicizia.

In quel caso il contributo delle due parti diventa paritetico e non porta con sé nessuna connotazione di superiorità di “casta”.

Nelle sue rassegne c’è una forte interrelazione artistica, dalla fotografia al teatro, dalla pittura alla scultura. Il fatto che molte forme d’arte comunichino tra loro non dovrebbe stupirci, dovremmo essere educati a questo oppure, secondo lei, la questione va affrontata diversamente? E cosa direbbe Dario Fo?

È presente, a nostra difesa, la percezione separata, per ogni “categoria” artistica così, quando tre anni fa ho scritto su Facebook “Fotografia: Finalmente si parla di Cultura”, in relazione agli Stati Generali della Fotografia voluti dal Ministro Franceschini, 75 fotografi mi hanno scritto: “Cosa c’entra la cultura con la fotografia?”

Viceversa, chi fa pittura o scultura è convinto di fare cultura con la C maiuscola, spesso una pia illusione. Tutti, proprio tutti, quando scelgono una qualsiasi forma di comunicazione esprimono sempre la loro cultura che, raramente, è meritevole della C maiuscola ma che, di certo, è l’impronta digitale (non elettronica, ma da digitus), del loro stato culturale meritevole, sia dell’appellativo più elevato o sia del pubblico ludibrio.

Dario Fo è stato uno studioso, uno storico, un letterato, e come tale ha potuto e saputo travalicare molte categorie passando dalla letteratura alla drammaturgia, dalla recita alla pittura, dimostrando che solo chi si è dato gli strumenti idonei, con lo studio, con la conoscenza, non solo può essere libero, ma può operare per la libertà altrui.

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Emanuela Carniti ricorda Alda Merini

L’omaggio ad Alda Merini ha risvegliato un’ondata di ricordi, sollevando l’attenzione sulla figura di madre e poetessa, due ruoli che non sempre hanno convissuto in armonia. Ecco allora che la scrittrice diventa “un uomo in gonnella”, passionale nelle sue debolezze, ma anche estremamente consapevole di ciò che era. Emanuela Carniti spiega infatti: «Credeva molto in se stessa. Quando discutevamo e dicevo qualcosa che non le andava bene, ribatteva: “Ricordati che stai parlando al primo poeta d’Italia”». Sì, era decisamente consapevole di chi fosse.

I performer e la mostra

Alla memoria è seguito uno sguardo al presente, con Marina Modesti (che ha portato all’attenzione del pubblico tre sue poesie inedite: Il picco del nibbio, Impronte e Un torsolo di cuore), Chiara Gambino (che ha letto un estratto del suo libro Mai più indifesa, scritto a quattro mani con Giampaolo Salvatore), Flavia Coffari (il cui cortometraggio inedito è proiettato sullo schermo della galleria) ed Elle (con il suo libro inedito L’amore ai tempi di Tinder). La performance di Martina Di Giulio ha concluso con leggerezza e brio, tra le bolle di sapone, la parte commemorativa.

Resteranno in esposizione, invece, fino a giovedì 13 febbraio le opere di Sandy Aime, Rossella Cola, Francesca Colaciello, Cristiana D’Anna, Lucilla Daviddi, Karen Di Paola, Virginia Farneti, Nevèl, Laura Giampà, Marco Locci, Daniela Maccheroni, Pasquale Ricci, Gianluca Giuseppe Seregni e Cinzia Viola. Tra queste, potrete trovare anche il libro Anima Pallida di Alessia Rosati.

Info e contatti

La mostra è visitabile gratuitamente tutti i giorni dalle 14.30 alle 19, eccetto la domenica. Per maggiori informazioni è possibile chiamare lo 0424 525190, scrivere a info@milanoartgallery.it oppure visitare il sito www.milanoartgallery.it.

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Luigi Gattinara

L’arte fotografica di Luigi Gattinara è riconoscibile per la grande cura rivolta ai giochi di luci e ombre e per la produzione di immagini di una qualità tale da rendere impercettibile la distinzione tra fotografia e pittura. La firma del Maestro risiede infatti nella sua abilità compositiva, che rimanda alla migliore tradizione caravaggesca, ai pittori olandesi del XXVII secolo. Il massimo lo ottiene nelle nature morte, autentiche poesie in cui il richiamo dell’antico si sposa con una luce morbida, che accarezza le forme ed esalta i colori.

Una vita in posa

Fondatore della Triennale di Fotografia Italiana, di cui è presidente, Luigi Gattinara porta la fotografia su un altro livello. Il suo lavoro concepisce l’immagine come oggetto di lusso, come potevano esserlo i dipinti che da secoli ammiriamo per la loro encomiabile bellezza. Proprio quest’ultima diventa tema centrale, soggetto “godibile” in quanto realmente visibile e non unicamente percepibile, codificato attraverso un attento studio dei particolari e della disposizione degli elementi. Una vita in posa presenta al pubblico alcuni degli scatti più rappresentativi e affascinanti. È il punto di arrivo di anni di raffinamento, ulteriore prova del compito del fotografo d’arte, quello di insegnare e di soddisfare al contempo un’esigenza di perfezione. Non bisogna dimenticare che Luigi Gattinara ha alle spalle, oltre che l’esperienza in ambito pubblicitario, anni di esposizioni in Italia e all’estero, a Parigi, Berlino, New York, Singapore e Tokyo.

La fotografia

Per comprendere meglio il modus operandi del Maestro, è utile ricordare una sua affermazione per Wall&Street, blog de «Il Giornale»: «Un’immagine nasce prima di tutto nella mente, prende forma nell’immaginario, tutto molto prima dello scatto vero e proprio. Esattamente come fa un pittore che, anche quando ritrae la realtà, che è lì davanti ai suoi occhi, la trasforma comunque, perché è un processo che passa attraverso l’intuizione, il cuore e l’anima».

Info e contatti

La rassegna rimarrà aperta al pubblico fino al 13 febbraio, visitabile tutti i giorni liberamente dalle 14.30 alle 19, ad eccezione della domenica. Per maggiori informazioni è possibile chiamare lo 0424 5252190, scrivere a info@milanoartgallery.it oppure visitare il sito www.milanoartgallery.it.

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Evoluzione Porcellana di Silvana Landolfi

Nelle creazioni di Silvana Landolfi infatti esiste, insita, la volontà di far incontrare gli opposti e di generare con loro e attorno a loro un’armonia di forme e cromie. Astratto e figurativo si ritrovano pertanto attraverso la materia, comunicando al visitatore sensazioni di leggerezza e di eleganza. E, come ha affermato lo stesso Salvo Nugnes, nelle opere predomina una grazia che scaturisce dalla stessa artista, la quale è capace di comunicare il suo pensiero dandogli una forma, plasmandolo e dimostrando così ciò che veramente è. La “bella percezione” che si avverte fin da subito mettendo piede nella sede espositiva, come notato da Sangineto, accompagna l’osservatore di quadro in quadro, di scacchiera in scacchiera, di linea in colore, sedimentandosi poi nell’animo per mettere radici di leggerezza.

La mostra, a ingresso libero, è visitabile fino al 25 gennaio. Aperta da lunedì a sabato dalle 14.30 alle 19. Per maggiori informazioni è possibile contattare lo 0424 525190, il 388 7338297, scrivere a info@milanoartgallery.it o visitare il sito www.milanoartgallery.it.

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Strepitoso successo di pubblico alla galleria ART&CO Parma per l’inaugurazione della mostra Salvador Dalì 30 Years After the Genius.

Nella suggestiva Parma, a pochi giorni da Natale, si accendono i riflettori sull’esposizione di Salvador Dalì che regala, con un evento di grandissimo spessore artistico e culturale, un prestigioso fiore all’occhiello alla città ducale.

Le oltre venti opere del Maestro del Surrealismo resteranno esposte negli spazi di ART&CO fino al 28 febbraio 2020. L’esposizione ha conquistato i moltissimi visitatori che affollavano la galleria in borgo Palmia, affascinati dall’arte del magnifico artista catalano che, ancora una volta, testimonia l’indiscusso talento che lo ha portato ad essere annoverato tra gli artisti più influenti e profondi del Novecento. Una genialità riconosciuta e ammirata anche dal re Juan Carlos I di Spagna, il quale, nel 1982, lo insignì del titolo di Marchese di Púbol.

30 Years After the Genius nel percorso espositivo, a cura di Simone Viola e Tiziano Giurin, fondatori di ART&CO, e di Alice Pezzali, responsabile di galleria, propone opere pittoriche, opere su carta e sculture, particolarmente rappresentative dell’intero panorama artistico daliniano.

Invero, delineare appieno la figura di Dalì è un’ardua impresa, considerato i tanti campi culturali, gli stimoli, le idee e le innovazioni di questo immenso artista che si è contraddistinto nel mondo delle arti come pittore, disegnatore, scrittore, pensatore, designer, cineasta e scenografo. Il genio spagnolo ha fatto di sé stesso un’opera d’arte vivente. A volte, infatti, la sua figura e la sua vita prevaricano le sue stesse opere. Lui stesso era una sua creazione.

ART&CO, con l’esposizione 30 Years After the Genius, patrocinata dal Comune di Parma, porta nella città parmense una parte significativa della memoria e del testamento artistico di Dalì, attraverso opere iconiche e celeberrime quali l’orologio de La persistenza della memoria ola figura di Alice in wonderland di Lewis Carroll, molto cara a Dalì, proprio perché strettamente legata al tema del sogno, dell’onirico e del surreale. Non manca un omaggio all’amatissima Gala e al surrealismo stesso, con il Surrealism King, così come riferimenti alla mitologia classica o ai tarocchi.

La mostra è significativa non solo per il pubblico, il quale ha l’opportunità di scoprire ed esplorare il labirinto della mente del virtuoso maestro, ma per la neo collaborazione siglata con Dalì Universe, la società che gestisce una delle più grandi collezioni private al mondo di opere d’arte di Dalì. Difatti, in virtù della nomina del Mibact che ha premiato l’incantevole città ducale come Capitale della Cultura, vedremo ART&CO proporre l’inserimento di sculture monumentali di Dalì all’interno del contesto cittadino per PARMA 2020.

Ferruccio Carminati, responsabile culturale dell’organizzazione Dalì Universe, soddisfatto, ha dichiarato: “Da sempre raccogliamo consensi con le mostre del grande maestro Salvador Dalì, ma il calore con il quale ci ha accolti questa città e l’entusiasmo dei visitatori il cui interesse è quasi tangibile, ci hanno confermato che abbiamo fatto la scelta giusta!”

La ART&CO, con le gallerie di Parma e Lecce, è reduce da un recente trionfo, ottenuto grazie alla joint venture con Life Art Gallery, Spirale Milano e Mediolanum Art Gallery, per la presentazione dell’ambizioso Progetto Artisti MAG un programma che, nel prossimo triennio, vedrà l’internazionalizzazione dei più talentuosi artisti contemporanei italiani. E, proprio nella serata inaugurale di Salvador Dalì 30 Years After the Genius, non potevano mancare Massimo Ferrarotti, presidente di Spirale Milano e direttore artistico della MAG, e Stefano Pirrone, wealth advisor Medoilanum.

Simone Viola, direttore artistico di ART&CO, dopo i molteplici consensi da parte dei giornalisti e del pubblico, ha affermato: “Questa mostra è stato solo il primo step di una cooperazione a lungo termine con la società Dalì Universe. Lo scopo principe del sodalizio è quello di diffondere la bellezza della storia artistica del poliedrico Dalì, al fine di continuare il lavoro di divulgazione e valorizzazione della sua vita e per non lasciarla cadere in quell’oblio che Dalì tanto temeva. Per Parma 2020 era doveroso inserire il contributo indiscutibilmente prezioso di questo straordinario artista conosciuto in tutto il mondo. Ci sentiamo onorati come galleristi e amanti dell’arte di essere, nel tessuto del territorio, i promotori di un patrimonio immortale come quello delle opere del geniale Salvador Dalì”.

Durante la presentazione della mostra, il consigliere comunale Oronzo Pinto, intervenuto in rappresentanza del sindaco Federico Pizzarotti, ha espresso i suoi ringraziamenti alla ART&CO per l’eccellente lavoro, definendola ‘traghettatrice’ tra l’artista catalano e gli amanti della sua arte, ribadendo il bisogno di cultura nel nostro Paese e, soprattutto, la necessità di promuovere scenari d’arte diversi.

In una sua celebre frase, Dalì asseriva: “Più di tutto mi ricordo il futuro”.

E Parma 2020 guarda proprio al futuro. Sarà un anno da ricordare, trecentosessantacinque giorni di cultura, arte e imperdibili pezzi di storia da condividere, dove si racconteranno artisti, memorie e leggende nazionali ed internazionali.

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Orari apertura galleria

Dal lunedì al venerdì: 10:00 – 19:00

Sabato: 10:00 – 13:00

Possibilità di visite su appuntamento. 

Ingresso gratuitoC

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L’esposizione, negli spazi della Life Art Gallery, ha proiettato i visitatori all’interno di magiche atmosfere alla scoperta di opere, figurative e astratte, giunte a Battipaglia (SA) da tutta Italia. La mostra dei circa cento artisti emergenti, in pochi giorni, dal 21 al 26 ottobre, ha riscosso un notevole interesse di pubblico, registrando un boom di presenze soprattutto durante il weekend, con un’affluenza di oltre mille persone.

Nella serata conclusiva si è tenuta la conferenza stampa presieduta, oltre che dai giornalisti di varie regioni italiane, anche da figure politiche della provincia salernitana. Il prestigioso Comitato Scientifico ha esposto con chiarezza e precisione l’importanza del fitto programma PROGETTO Artisti MAG e, allo stesso tempo, ha spiegato tutti gli sforzi che la joint venture tra le gallerie LIFE ART GALLERY, SPIRALE MILANO e ART&CO MUSEUM, sta facendo per dare visibilità agli artisti contemporanei.

A dar voce al progetto il Direttore Artistico della Life Art Gallery Mirko Mele, il Presidente di Spirale Milano e Spirale d’Idee Massimo Ferrarottii, il Direttore Tecnico Simone Viola e il Direttore Artistico Tiziano Giurin di Art&Co Museum di Lecce e Parma, i Produttori Marcella Lupo e Massimo Favia di Ismaele Film.

Massimo Ferrarotti ha sottolineato: “La nostra mission è quella di dare un’opportunità a coloro che utilizzano un medium espressivo artistico per protestare, per raccontare e raccontarsi, per tracciare una linea del nostro tempo. In questa serata abbiamo illustrato ai Media come affiancheremo gli artisti e quale sarà il percorso in cui li guideremo. Significativo anche il dialogo diretto intrapreso con l’industria cinematografica dove, grazie al product placement, la filmografia italiana potrà raccontare l’artista o le sue opere. Invero, con la pellicola si abbattono definitivamente le barriere di comprensione dell’arte contemporanea. Una nuova era artistica che sdogana le immagini dell’artista e lo consacra attraverso un mezzo nuovo e universale”. 

Il PROGETTO Artisti MAG, vera e propria piattaforma di promozione, già da questa prima mostra ha raggiunto l’obiettivo auspicato: sensibilizzare e diffondere l’arte del presente coinvolgendo quote sempre più numerose e diversificate di cittadini e turisti, portandoli a riflettere sull’importanza del valore degli artisti contemporanei italiani. L’esposizione, frutto di un progetto complesso e ambizioso, lancia le basi per una sinergia nuova tra gallerie e artisti.

Mirko Mele, Direttore Artistico della Life Art Gallery, entusiasta, ha dichiarato ai giornalisti la sua piena soddisfazione per la straordinaria riuscita di questo primo step del progetto.

Al termine della conferenza stampa si è dato il via all’esclusivo MAG Party, dove gli oltre quattrocento ospiti che affollavano la galleria hanno avuto la possibilità di conoscere personalmente gli autori e le loro opere.

Molto emozionante e accattivante il live painting del maestro Paolo De Cuarto, Testimonial d’eccezione della serata. Nipote del celeberrimo maestro Mimmo Rotella, De Cuarto – considerato anello di congiungimento tra la Pop Art e il Nouveau Réalisme -, ha realizzato l’opera “Il tatuaggio della memoria”.

La rete di Gallerie coinvolte in questo progetto attua da anni una nuova politica per abbattere le barriere di fruizione ed aprirsi all’attuale mercato globale. Con le sedi negli States, a Miami e New York, e in Italia, a Padova, Milano, Parma, Lecce e Battipaglia, dedicano i propri spazi mediante attività galleristiche d’eccellenza, finalizzate a moltiplicare la voce dell’artista in maniera esponenziale.

Gli artisti più talentuosi avranno la possibilità di esporre i propri lavori, attraverso mostre personali o collettive, all’interno di prestigiosi musei nazionali, come il Lu.C.C.A., la REGGIA di Caserta, il MARCA di Catanzaro e la REGGIA di Monza.

Alla serata sono intervenuti, il Sindaco di Battipaglia, gli Assessori alla Cultura dei Comuni di  Eboli e Pontecagnano Faiano e il Presidente del Consiglio Comunale di Capaccio Paestum. La direttrice di ARTEiNWorld, Lorella Pagnucco Salvemini, soddisfatta, ha voluto interfacciarsi con gli artisti e visionare dal vivo le loro opere.

In questa programmazione a lungo termine vedremo la valorizzazione di dotati ed estrosi artisti contemporanei che potranno, così, avere visibilità. Gli artisti coinvolti non solo saranno protagonisti di una serie di eventi mirati nelle fiere d’arte italiane più importanti e negli spazi della MAG a Milano e Padova, in quelli della MAG Art&Co Museum a Lecce e Parma e in quelli della MAG Life Art Gallery di Battipaglia, ma vedranno le loro opere intersecarsi in un complesso sistema di relazioni, oltre alla pubblicazione su un catalogo personale e su importanti riviste d’arte. Il panorama dell’arte è dunque fortemente cambiato e finalmente trova la sua legittimazione. Una grande sfida nel mondo contemporaneo tra globalizzazione, educazione alle arti e dialogo interculturale.

Mirko Mele, a chiusura dell’evento, ha ringraziato tutti coloro che hanno contribuito alla riuscita di questa Prima Edizione e, commosso, ha brindato alle nuove promesse dell’arte, veri protagonisti della mostra collettiva Impressioni d’autore. Il PROGETTO Artisti MAG si fa promotore di un importante programma di valorizzazione dell’arte italiana e dei suoi artisti: proiettando l’arte verso nuovi orizzonti, apre percorsi pioneristici, garantendo la trasmissione del patrimonio artistico contemporaneo alle future generazioni.

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In una delle ultime interviste rilasciateci, afferma di avere del padre solo ricordi belli e intensi, di continuo gioco, legati alla propria infanzia. “Mio padre e mia madre non avevano il tempo di occuparsi di me, quindi le poche volte che lo vedevo – spiega con un sorriso – si divertiva a farmi gli scherzi. Qualche volta faceva finta di morire o di sentirsi male, si bloccava per vedere la mia reazione. Oppure cercava di instaurare in me una specie di reazione a catena, mi portava sulla spiaggia di Port Lligat a vedere le rocce erose dal mare e dal vento invitandomi a descrivere il tipo di animale a cui poteva somigliare la roccia”. Ed è proprio attraverso questi giochi che nel giovane Dalì scatta quella scintilla creativa che l’ha poi portato a intraprendere un percorso artistico personale.

Accessibile fino a giovedì 21 novembre, è possibile visitare la kermesse Nel nome del padre e del figlio dal lunedì al sabato dalle 14.30 alle 19. L’ingresso è libero. Per informazioni è possibile chiamare lo 0424 525190, il 388 7338297, scrivere a org@spoletoarte.it oppure visitare il sito www.milanoartgallery.it.

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Nata nel 1950 a Milano, dove ha conseguito la maturità artistica e seguito corsi di pittura, scultura e grafica, Maria Concetta Cormio ha deciso di dedicare la sua vita all’arte e alla poesia convinta che fosse la sua strada nonostante le difficoltà incontrate in queste professioni. Dipinge da circa cinquant’anni e i suoi quadri sono testimoni della sua essenza. 

Ha tenuto mostre personali e collettive in diverse città italiane, tra cui Viareggio, Altopascio, Pietrasanta, Milano, Firenze, Roma e Valtournenche facendosi notare dalla critica di rilievo.

Da sempre attiva nel campo della letteratura, della poesia e della saggistica, ha vinto numerosi premi in ambito culturale e le sue opere compaiono su diversi cataloghi d’arte, segnalate da periodici e quotidiani.

Sulla sua produzione scrive Salvo Nugnes: «L’arte di Concetta Maria Cormio introduce l’osservatore a una sfera intimistica propria della sua sensibilità. La sua è una pittura che concretamente parla di fede, di femminilità, di bellezza naturale attraverso un figurativo dai colori luminosi. Nei suoi lavori infatti tutto viene rivisto attraverso una luce che pervade ogni superficie e la modifica avvolgendola in un filtro che terge la realtà stessa, arrivando a purificarla».

Ora, pronta a portare al pubblico il meraviglioso esito della sua passione e del suo impegno, la pittrice si appresta a concentrare in due giornate espositive anni dedicati a un’ispirazione che continua a fiorirle tra le dita, in punta di pennello. La mostra al Castello Bolognini, a entrata libera, resterà aperta dalle 10 alle 19 dal 2 al 3 novembre.

Per informazioni: 339 1811876 o concettamariacormio@gmail.com.

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Il sogno, la fantasia, l’irrazionalità inconscia, l’immaginario onirico affiorano come tematiche predominanti nella ricercata poetica di Mauro, che pone l’accento su una visione fantastica delle immagini percepite e traslate mediante una formula di astrattismo materico e cromatico di intenso impatto suggestivo. La vivace e appassionata vena creativa si rivolge a quel senso profondo che avvolge tutta l’arte informale non figurativa e la personalizza con connotazioni distintive sostanziali di qualificante levatura, che ne rendono lo stile espressivo ben identificabile e subito riconoscibile. Nella sequenza narrativa dimostra l’abile capacità di saper creare e individuare delle precise e definite sezioni coloristiche che accentuate fanno risaltare e danno vitalità all’intera composizione, nel tripudio dinamico delle declinazioni e combinazioni tonali dense e corpose che imprimono ritmo e plasticità. Con la sua arte Mauro sembra quasi voler esprimere il desiderio di sognare la “realizzazione dell’impossibile” invitando lo spettatore a soffermarsi con attenzione e a riflettere e pensare sui significati sottesi intrinsechi inseriti dentro la costruzione scenica, traducendo e interpretando a livello visivo ed emozionale le percezioni sprigionate dalla sfera sensoriale. Ogni opera realizzata gli permette di essere più consapevole della sua essenza mentale e spirituale, procedendo verso un viaggio magico da intraprendere insieme all’osservatore. La sua diventa una rievocazione fantastica del bello, di qualcosa di elevato che simboleggia lo spirituale, l’etereo, il senza tempo, l’eterno, l’infinito.

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La pittura di Alessandro è orientata allo studio del colore, delle armonie e dei vari abbinamenti cromatici associati allo studio delle luci, delle ombre e delle prospettive luminose e rafforzata dalla componente energetica della materia che conferisce dinamismo e vitalità alla composizione. Il suo linguaggio astratto contiene emozioni del vissuto esistenziale e produce una pittura informale accostabile per certi aspetti alla corrente dell’espressionismo astratto americano. La ricerca si dirige e si incentra sulla materia per dare risalto alla sua massima espressione sostanziale. Alessandro nella dimensione informale si sente libero, svincolato da canoni imposti e riesce a catturare i pensieri e il pathos del momento, imprimendolo sulla tela con spontanea ispirazione. La tecnica prevede una successione preparatoria ed esecutiva che permette di ottenere risultati interessanti e stimolanti per l’osservatore, attribuendo grande importanza anche al dato contenutistico, che fa leva sulla sfera introspettiva e la canalizza verso una sorta di continuità ideale, protesa all’infinito, all’assoluto, al divino.

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D: Da artista con forte spirito cosmopolita e anticonformista su quali punti cardine hai incentrato la tua ricerca sperimentale?

R: In primis la consapevolezza di “essere artista”, ovvero la capacità di manifestare la propria creatività attraverso un percorso umano e spirituale che porta ad essere liberi di esprimere se stessi e le proprie emozioni attraverso una propria forma d’arte, che per me sono la pittura e la scultura. Il mio sentire e il mio essere si manifestano attraverso le mie opere, le mie emozioni prendono corpo grazie alle mie forme antropomorfe. L’essere ed il fare portano all’equilibrio, per me dato dalla commistione di forma-colore-materia. La creatività è trasformazione, è libertà di esprimersi attraverso la forma, il colore e la materia, che danno vita ad un’opera unica.

D: Artisti si nasce o si diventa?

R: Per me l’arte è un qualcosa che fa parte di ciascun individuo, è da sempre capacità espressiva e comunicativa. Per l’artista diventa un percorso di vita. Unendo il lato spirituale a quello umano, la propria ricerca interiore diventa capacità espressiva, che si manifesta nella pittura, nella scultura, nella letteratura, nella musica, in ogni forma d’arte. La mia essenza è comunicare, con un forte richiamo alla spiritualità. Ogni mia opera è un racconto, vuole riaffermare, sentire e realizzare i valori cardine dell’essere, la propria unicità, soprattutto in questo momento storico purtroppo caratterizzato dalla perdita di questi valori. I passaggi di stato del mio sentire prendono corpo nelle mie opere, attraverso le mie tecniche innovative voglio trasmettere il messaggio che la creatività è libertà di emozionare ed emozionarsi.

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