Mentre stiamo affrontando una sfida epocale che ci mette a dura prova, 60 artisti, tra cui vincitori di Grammy Award, si sono uniti per diffondere positività.

Il risultato è il video musicale “Spread a Smile #StayWell”, un moderno “We are the world”, che ha già raggiunto oltre 7.700.000 milioni di visualizzazioni e generato followers in più di 100 nazioni.

Anche a Padova, la Chiesa di Scientology si è unita al coro di milioni di persone che vogliono trasmettere questo messaggio alle loro comunità.

Il video musicale, già diventato virale, include tra i 60 artisti internazionali le leggende della musica, e vincitori di Grammy Award, Chick Corea, Stanley Clarke, Mark Isham e David Campbell.

Questa esclusiva e brillante collaborazione d’insieme mostra gli artisti che interpretano il brano dalle loro case in ogni parte del mondo: New York, Los Angeles, Bogotá, Milano, Melbourne, Città del Capo e altre città d’Europa e degli Stati Uniti.

E’ un messaggio che viene condiviso tramite il video da Greg Camp degli Smash Mouth, dal personaggio radiofonico e televisivo Kerri Kasem, dall’icona australiana Kate Ceberano, dal cantautore cileno Alberto Plaza, dalla stella argentina Diego Verdaguer, dal chitarrista israeliano David Broza, dal virtuoso del basso cubano Carlitos Del Puerto, dalla star degli Idols South Africa Tebogo Louw e dal comico colombiano Andrés López.

“Spread a Smile” dice agli spettatori che, anche se sei bloccato a casa, puoi risollevare il mondo diffondendo positività. 

Proprio come affermò fermamente L. Ron Hubbard, quando disse che le opere d’arte non sono solo per gli artisti, ma “vengono ascoltate dalla gente. Le opere d’arte vengono viste dalla gente. Vengono udite dalla gente. Vengono percepite dalla gente. Non sono soltanto il nutrimento di un ristretto gruppo d’iniziati. Sono il pane dell’anima di tutte le persone”.

Scritto e prodotto da Scientology Media Productions, “Spread a Smile” parla del potere di stare uniti anche in un momento in cui siamo costretti a stare separati. Il video fa anche conoscere il “Centro risorse per la prevenzione” che fornisce materiali per mantenersi sani quali video, opuscoli e informazioni, il tutto scaricabile gratuitamente a questo link: scientology.it/staywell.

Anche se stiamo mantenendo le distanze, siamo tutti uniti.

GUARDA IL VIDEO:

Scientology.it/StayWell

Il video disponibile anche su Scientology Network ad oggi visto in 240 paesi del mondo.

Per informazioni: www.scientology-padova.org Media Relations info@scnmedia.ne

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IL PROGETTO

L’arte e la cultura devono continuare a vivere senza limiti e senza confini. 

Nasce ArtAway, piattaforma web che permette agli utenti diconoscere le bellezze artistiche del nostro paese e della storia dell’arte in un  modo nuovo e coinvolgente, offrendo ai visitatori l’opportunità di dialogare dal vivo con le migliori guide turistiche e i più esperti mediatori culturali.

Da un’idea di Paolo Gabriele Falcone e Laura Lamonea come reazione ad un  momento di grande difficoltà per sostenere la cultura ed il mondo dell’arte italiano, il progetto è stato realizzato durante la quarantena dal team di Video Sound Art, centro di produzione e festival d’arte contemporanea. Giunto alla sua decima edizione, VSA,  avvalendosi della pluriennale esperienza di Paolo Gabriele Falcone, product manager nella Silicon Valley,  contribuisce alla creazione di un nuovo modo di scoprire l’arte.

Dalla visita di Verona, alla scoperta delle metropolitane di Napoli, dai grandi capolavori dell’arte rinascimentale alle opere contemporanee, dal museo degli Uffizi alla collezione Iannaccone; le visite proposte sono varie e suddivise in livelli di approfondimento nell’ottica di presentare ai visitatori una proposta curata.

Tutto questo utilizzando una modalità non solo virtuale, ma dal vivo: attraverso la mediazione e lo scambio tra persone, perché la relazione umana sarà sempre motore di curiosità, tolleranza e conoscenza, qualcosa a cui non si dovrebbe mai rinunciare.

L’ESPERIENZA DEL VISITATORE

Il progetto si rivolge a coloro che sono impossibilitati a spostarsi fisicamente e non vogliono rinunciare a conoscere città e opere d’arte, ma anche a chi sta programmando un viaggio e vuole farsi un’idea più completa dei luoghi da visitare.

Inoltre gli appassionati d’arte e gli studenti potranno utilizzare ArtAway  come strumento di approfondimento, per visitare musei o esplorare correnti artistiche, accompagnati da esperti con cui potranno interagire dal vivo.

Dalla piattaforma web il visitatore potrà selezionare il tour che più gli interessa e prenotarsi negli orari disponibili. Successivamente riceverà le istruzioni per poter accedere alla video conferenza attraverso un semplice link. Una volta terminata l’esperienza, il visitatore potrà donare liberamente un contributo per supportare le guide e il progetto. In questo periodo difficile per tutti, ArtAway vuole garantire alle guide un compenso economico che sia idoneo alla loro preparazione accademica e professionale. 

LE GUIDE

Le guide e i mediatori culturali sono stati scelti attraverso un processo di selezione accurato per offrire al visitatore un’esperienza coinvolgente e di livello. I requisiti richiesti sono relativi alla formazione accademica – laurea specialistica in Storia dell’Arte ed eventuali Master o Dottorati in materia –  e all’esperienza di mediazione culturale presso dipartimenti di educazione dei principali Musei ed Istituzioni culturali.

Con questa preparazione accademica e competenze consolidate  di mediazione culturale, le guide condivideranno le loro conoscenze specifiche in campo artistico e,  contemporaneamente, arricchiranno l’esperienza degli utenti con opinioni e riflessioni volte al confronto collettivo. 

LE ESPERIENZE

La proposta di esperienze è diversificata ed in continuo ampliamento. Per ogni destinazione ci saranno dei tour volti alla conoscenza della città e dei suoi principali monumenti ed altri più specifici che offrono un approfondimento di un museo o di un artista in particolare relazionato a quella città. Ad integrare la proposta sono anche previste visite trasversali dedicate a grandi artisti che toccheranno più luoghi.

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BIO

Paolo Gabriele Falcone e’ un Product Manager che vive e lavora a San Francisco.  Si è laureato in Ingegneria in Italia, prima di trasferirsi in Irlanda per cominciare la sua carriera a Google, dove ha lavorato su diversi prodotti ideati per aiutare piccole e medie imprese ad ottenere successo online. Paolo ha cominciato a lavorare all’idea di ArtAway.com per rispondere alla crisi generata dal COVID-19 in Italia, per permettere all’arte ed alla cultura italiane di rimanere accessibili da chiunque e da qualunque parte del mondo, e per aiutare le guide turistiche il cui business è stato completamente cancellato dalle recenti restrizioni sui viaggi.

Laura Lamonea è la fondatrice del  centro di ricerca e festival Video Sound Art per il quale dal 2011 svolge il ruolo di direzione artistica.  Durante l’anno è impegnata nella realizzazione di nuove produzioni e svolge un ruolo di intermediazione tra artisti, gallerie e istituzioni museali. Ha lavorato  come regista per Radio2 e attualmente è consulente del Teatro Franco Parenti. Nel 2019 ha partecipato alla Biennale Internazionale olandese Manifesta 12 nell’ambito del dipartimento development and research. 

Video Sound Art è un centro di produzione e Festival di arte contemporanea, dedicato alla valorizzazione dei giovani talenti e alla promozione dell’arte visiva. VSA ha oggi all’attivo nove edizioni e numerose mostre e residenze presso Musei nazionali e internazionali. Ogni anno promuove giovani talenti attraverso la diffusione di un bando open call. È previsto, a supporto del vincitore, un percorso di intermediazione con gallerie, fondazioni e istituzioni culturali al fine di facilitare l’inserimento nei circuiti distributivi e creare occasioni di visibilità per le nuove creazioni. Video Sound Art organizza laboratori, conferenze, seminari condotti da critici d’arte, curatori, direttori di Fondazioni, collezionisti, galleristi, direttori di Musei.

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ART AWAY

www.artaway.com

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Instagram @artaway.com_official

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Il sogno, la fantasia, l’irrazionalità inconscia, l’immaginario onirico affiorano come tematiche predominanti nella ricercata poetica di Mauro, che pone l’accento su una visione fantastica delle immagini percepite e traslate mediante una formula di astrattismo materico e cromatico di intenso impatto suggestivo. La vivace e appassionata vena creativa si rivolge a quel senso profondo che avvolge tutta l’arte informale non figurativa e la personalizza con connotazioni distintive sostanziali di qualificante levatura, che ne rendono lo stile espressivo ben identificabile e subito riconoscibile. Nella sequenza narrativa dimostra l’abile capacità di saper creare e individuare delle precise e definite sezioni coloristiche che accentuate fanno risaltare e danno vitalità all’intera composizione, nel tripudio dinamico delle declinazioni e combinazioni tonali dense e corpose che imprimono ritmo e plasticità. Con la sua arte Mauro sembra quasi voler esprimere il desiderio di sognare la “realizzazione dell’impossibile” invitando lo spettatore a soffermarsi con attenzione e a riflettere e pensare sui significati sottesi intrinsechi inseriti dentro la costruzione scenica, traducendo e interpretando a livello visivo ed emozionale le percezioni sprigionate dalla sfera sensoriale. Ogni opera realizzata gli permette di essere più consapevole della sua essenza mentale e spirituale, procedendo verso un viaggio magico da intraprendere insieme all’osservatore. La sua diventa una rievocazione fantastica del bello, di qualcosa di elevato che simboleggia lo spirituale, l’etereo, il senza tempo, l’eterno, l’infinito.

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La pittura di Alessandro è orientata allo studio del colore, delle armonie e dei vari abbinamenti cromatici associati allo studio delle luci, delle ombre e delle prospettive luminose e rafforzata dalla componente energetica della materia che conferisce dinamismo e vitalità alla composizione. Il suo linguaggio astratto contiene emozioni del vissuto esistenziale e produce una pittura informale accostabile per certi aspetti alla corrente dell’espressionismo astratto americano. La ricerca si dirige e si incentra sulla materia per dare risalto alla sua massima espressione sostanziale. Alessandro nella dimensione informale si sente libero, svincolato da canoni imposti e riesce a catturare i pensieri e il pathos del momento, imprimendolo sulla tela con spontanea ispirazione. La tecnica prevede una successione preparatoria ed esecutiva che permette di ottenere risultati interessanti e stimolanti per l’osservatore, attribuendo grande importanza anche al dato contenutistico, che fa leva sulla sfera introspettiva e la canalizza verso una sorta di continuità ideale, protesa all’infinito, all’assoluto, al divino.

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D: Da artista con forte spirito cosmopolita e anticonformista su quali punti cardine hai incentrato la tua ricerca sperimentale?

R: In primis la consapevolezza di “essere artista”, ovvero la capacità di manifestare la propria creatività attraverso un percorso umano e spirituale che porta ad essere liberi di esprimere se stessi e le proprie emozioni attraverso una propria forma d’arte, che per me sono la pittura e la scultura. Il mio sentire e il mio essere si manifestano attraverso le mie opere, le mie emozioni prendono corpo grazie alle mie forme antropomorfe. L’essere ed il fare portano all’equilibrio, per me dato dalla commistione di forma-colore-materia. La creatività è trasformazione, è libertà di esprimersi attraverso la forma, il colore e la materia, che danno vita ad un’opera unica.

D: Artisti si nasce o si diventa?

R: Per me l’arte è un qualcosa che fa parte di ciascun individuo, è da sempre capacità espressiva e comunicativa. Per l’artista diventa un percorso di vita. Unendo il lato spirituale a quello umano, la propria ricerca interiore diventa capacità espressiva, che si manifesta nella pittura, nella scultura, nella letteratura, nella musica, in ogni forma d’arte. La mia essenza è comunicare, con un forte richiamo alla spiritualità. Ogni mia opera è un racconto, vuole riaffermare, sentire e realizzare i valori cardine dell’essere, la propria unicità, soprattutto in questo momento storico purtroppo caratterizzato dalla perdita di questi valori. I passaggi di stato del mio sentire prendono corpo nelle mie opere, attraverso le mie tecniche innovative voglio trasmettere il messaggio che la creatività è libertà di emozionare ed emozionarsi.

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D: Cosa intendi con il concetto di “Astrattismo Bipolare” applicato alla tua espressione pittorica?

R: Come il paziente che soffre di bipolarismo ossia di continui sbalzi d’umore e contrapposizioni tra stati di angoscia, ansia, felicità, estasi ed euforia, così i miei quadri sono rappresentati dagli stessi sintomi: repentini cambiamenti d’umore dati da pennellate molto veloci, molto dinamiche, che creano composizioni cromatiche che si alternano le une con le altre. Questo è ciò che ho definito “Astrattismo bipolare”, in poche parole continue mutazioni cromatiche caratterizzanti le mie opere, che rappresentano gli stati d’animo sia del pittore sia dell’osservatore.

D: Su quali basi e fondamenta della tradizione passata hai impostato la tua pittura?

R: Sicuramente ho preso la mia ispirazione dagli Irascibili e da Jackson Pollock. Il metodo che utilizzava nella creazione delle sue opere ovvero il “dripping” è stato per me un punto di partenza nell’esecuzione dei miei quadri. Mi aiutava a far uscire quelle emozioni, quegli stati d’animo, che all’inizio erano nascosti o che non volevano uscire e mi logoravano all’interno. Ho poi iniziato a vedere le schizzate di colore sulle mie tele e mi sono reso conto che sembravano troppo simili ai lavori di Pollock. Ho cominciato così a stendere il colore, a sfumarlo e mischiarlo, a creare queste combinazioni cromatiche che poi hanno dato vita al concetto di “Astrattismo bipolare”. Oltre a ciò, io sono un amante dell’Arte Rinascimentale, da Michelangelo a Leonardo al Tiziano, ma non prendo effettivamente spunto da questi grandi artisti; in primis, non ho le competenze tecniche adatte al loro stile e, punto secondo, sono dell’idea che ciò che è passato è giusto che rimanga passato. Nonostante il fascino e l’ammirazione che si possano provare di fronte alle opere del passato, penso sia giusto cercare di contribuire a creare nuovi generi artistici.

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Dalle raffigurazioni di Matteo, sempre curate nel minimo dettaglio, si denota la matura competenza tecnica. Nel processo creativo lo scenario riprodotto diventa il veicolo di trasmissione più adatto e congeniale per rivolgersi, parlare e comunicare con il pubblico dei fruitori, innescando un dialogo di condivisione articolato e stimolante.

Con i suoi lavori si propone di dare vita ad un linguaggio di comunicazione aperta, dove l’esuberanza pittorica del colore funge da catalizzatore e accentratore dell’attenzione per dare maggior risalto all’intera narrazione. Le opere possiedono “un’intelligenza attiva” permeante e coinvolgono visivamente ed emotivamente chi le guarda. La ricchezza della visione attira e cattura in una commistione percettiva di emozione e “giocosità”. Ogni quadro ha una sua sequenza speciale, propria e specifica. Lo stile caratteristico e identificativo delle sua pittura qualifica il “deposito interno” di messaggi e contenuti sostanziali e imprime potenza espressiva alla composizione.

La dottoressa Elena Gollini nel rimarcare gli aspetti fondanti del suo modus pingendi ha spiegato: “Quella di Matteo Fieno è un’arte dotata di efficace formula comunicativa in continuo divenire e in costante progressione, che si propone come un universo di idee ritrovato e rigenerato, al cui interno Matteo ha la libertà piena e totale di esprimersi, attraverso un’estrinsecazione senza vincoli, barriere e convenzioni.

La poetica artistica coincide con la volontà di appropriarsi di un linguaggio senza retaggi e sedimenti schematici imposti, nell’intento di perseguire una possibilità comunicativa autonoma e indipendente. Le opere entrano in relazione diretta e interattiva con lo spazio reale circostante e si genera un contatto diretto con lo spettatore. Matteo dimostra una straordinaria capacità di saper coniugare e sintetizzare insieme l’antico e il moderno in un’incisiva, inedita e accattivante visionarietà dal gusto contemporaneo e al passo con i tempi“.

Inoltre ha sottolineato: “Nel suo fare artistico Matteo è perfettamente consapevole dei cambiamenti in atto nel mondo dell’arte. Considera l’arte viva, in grado di comunicare, di agire con il suo osservatore, se quest’ultimo è capace di partecipazione con interazione diretta e attiva. Le sue opere non appartengono al mondo predefinito e prestabilito dell’apparire e dell’essere, intesi nel senso più comune e di frequente uso del termine, ma assumono una connotazione inedita e sui generis. Il suo pensiero si può accostare a quello dell’illustre storico dell’arte Arturo Schwarz che asseriva che -un’opera d’arte per essere tale deve avere tre caratteristiche fondamentali: essere originale, provocare un’emozione, essere iniziatica“.

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Le opere sono elaborate con sicurezza e competenza d’azione e acquisita conoscenza dei mezzi strumentali e delle tecniche esecutive, delineando un’impronta stilistica responsabile, coerente e accorta, che sorregge la vena ispiratrice estremamente versatile, eclettica e poliedrica. Le forme e i volumi delle composizioni sono armoniosi e proporzionati, consentendo una piena sintonia e assonanza strutturale e producendo un’elegante e ricercata plasticità. Queste qualità compositive sono un riferimento primario nel suo percorso evolutivo di ricerca e sperimentazione e gli permettono di raggiungere una costante e crescente forza espressiva. Alessandro ha una visione moderna del fare arte, dimostrando un fantasioso potenziale creativo e apportando alla pittura significati e simboli non consueti, in nome di un’arte protesa alla comunicazione innovativa, mai scontata e mai ripetitiva.

Su di lui la dottoressa Elena Gollini ha commentato:”Il linguaggio pittorico di Alessandro Zucca denota una personalità umana e artistica incisiva, carismatica, fantasiosa, ricca di vitalità e di contenuti, che lascia emergere uno spirito d’inventiva vivace e passionale, ma al contempo riflessivo e meditativo. La sua pittura rispecchia appieno il suo essere. Nell’alchimia strutturale delle rappresentazioni si delinea una forma di richiamo ed esortazione collettiva e sociale, per coinvolgere l’osservatore con chiavi di lettura di profonda valenza. La sua è un’arte studiata e meditata, fulcro nevralgico di simboli, metafore e allusioni esistenziali importanti. Un’arte pregnante di significati concettuali in codice, realizzata con lungimirante proiezione e razionale capacità di pensiero analitico. Una pittura che racchiude progettualità, abilità, sentimento e amore, in un armonioso intreccio a commistione fissato sulle tele.

C’è in Alessandro l’idea della comunicazione intesa come offerta del sé, dell’esperienza artistica concepita come servizio da condividere e mettere a disposizione degli altri. Le composizioni hanno una formula quasi magica molto accattivante e un’impronta visionaria onirica. Le costruzioni sceniche possiedono un immediato impatto visivo e catalizzano da subito l’attenzione dello spettatore, in modo attivo e partecipe, facendosi apprezzare anche nella loro fruizione estetica di piacevole orchestrazione“.

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R: Per la collettiva di Savona non sono ancora stato informato nel dettaglio in quanto gli organizzatori vogliono mantenere l’effetto sorpresa! So solamente che si terrà dal 23 al 29 Marzo a Palazzo Nervi, sede della Provincia di Savona, e sarà un’esplosione di colori.

Mentre per l’esposizione di Barletta, che avrà luogo presso la Galleria ZeroUno dal 13 al 27 Marzo non mi è stato assolutamente difficile prepararmi in quanto mi sento in perfetta sintonia con il tema e titolo dell’evento “Non sogni”.

Infatti il primo obiettivo del mio lavoro è creare dei personaggi che offrano degli spunti a tutte quelle persone che sentono un desiderio di fanciullezza: in ogni personaggio c’è un qualcosa di volutamente celato che offre un assist all’individuo per dare spazio alla propria interpretazione e dare forma ai propri SOGNI.

D: Ci racconti che tipologia di mostre sono; quali altri artisti avrai accanto a te? Quali organizzazioni le gestiscono?

R: La mostra di Barletta si intitola “Non Sogni” ed è una collettiva incentrata sul binomio “Arte e Cinema”, in particolare sulla pellicola di animazione “Sing”. L’esibizione è a cura della dottoressa Anna Soricaro ed è patrocinata dalla Fondazione De Nittis. Gli altri artisti che espongono sono Assunta Cassa, Alberto Capparoni e Salvo Privitera. La collettiva di Savona curata da Luigi Cerruti si intitola “Colorfull” ed è patrocinata della Provincia di Savona.

D: Con quali criteri di scelta hai individuato le opere da portare nelle due mostre? Quali sono le loro caratteristiche salienti e i tratti distintivi?

R: I lavori esibiti a Barletta sono stati scelti dalla dottoressa Anna Soricaro, da parte mia c’è stato grande apprezzamento per le sue scelte. Le opere si distinguono per una chiara componente cinematografica in quanto i miei personaggi femminili evocano un’atmosfera e raccontano un “background”. Per Savona sto ancora facendo uno studio approfondito sui lavori che più si identificano con il tema del colore. Nei prossimi giorni mi consulterò con l’organizzatore.

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