Matteo Passarelli, giovane compositore, songwriter, arrangiatore dopo aver collaborato con artisti di fama nazionale e con i più importanti broadcast radiofonici, ha realizzato in collaborazione con il regista Max Nardari, la colonna sonora di “Amici Per Caso”, film distribuito da Adler Entertainment

L’intera soundtrack della commedia verrà distribuita da Warner Music Italy in collaborazione con Digital Noises Publishing, di Giuseppe Fisicaro. Si tratta di un progetto musicale molto ampio e variegato frutto della collaborazione tra Max Nardari (regista, sceneggiatore e cantautore) e Matteo Passarelli.

Un lavoro che comprende sia temi strumentali dall’ambientazione comica ma anche riflessiva, sia gli arrangiamenti delle canzoni Pop scritte e interpretate da Max Nardari, come “I’m Back”, con la partecipazione di Marina Suma, e “Give Me A Reason”, in featuring con Clizia Fornasier. Una raccolta di oltre 25 musiche, temi, remix e flasgh-mob song che accompagnano la storia dei protagonisti, una commedia degli equivoci dal ritmo serrato e dai colpi di scena esilaranti.

La colonna sonora interpreta perfettamente le tematiche del film, su come l’incontro e lo scontro tra due persone molto diverse possano portare a imparare l’uno dall’altro e a creare amicizie imprevedibili.

“Amici Per Caso” vede come protagonisti Filippo Contri e Filippo Tirabassi, che diventano coinquilini per puro caso dopo la rottura con i rispettivi partner. Contri è rozzo, ultrà ed eterosessuale, mentre Tirabassi è raffinato, serio e gay. I problemi iniziano quando uno decide di confessarsi all’altro.

Nel cast anche Rocco Fasano, Beatrice Bruschi, Mirko Frezza, Giulia Schiavo, Ludovico Fremont, Daniel McVicar e Marina Suma.

La colonna sonora del film include un brano inedito di Jean Michel Byron, ex frontman dello storico gruppo dei Toto, e vede la partecipazione di Stefano Matranga, già autore della canzone originale di “Pare Parecchio Parigi” (l’ultimo film di Leonardo Pieraccioni) come compositore insieme a Passarelli del brano “I’ll Never Be Alone”, che sarà presente in una scena cruciale del finale del film. Il progetto vede anche la partecipazione del chitarrista Luigi Pistillo e del giovane artista Azzena con la sua “Ci Pensi Mai” e con l’interpretazione di “Marry Me”, sigla di apertura del film scritta da Passarelli e Nardari.

Grande merito anche a Pasquale Mollo per il prezioso lavoro di montaggio del suono e fonico di mix presso il prestigioso studio di produzione cinematografica Sound Art 23 a Roma, che ha arricchito e valorizzato tutta la parte audio del film attraverso l’utilizzo di attrezzature audio-video di ultimissima generazione.

Matteo Passarelli, in veste di music producer è conosciuto anche come ORPH3US. È un pianista-compositore nell’ambito delle colonne sonore e del songwriting italiano ed americano. Diplomato con lode in Composizione Pop-Rock al Conservatorio di Pescara, vanta numerose collaborazioni in veste di arrangiatore per orchestra in collaborazione con Angelo Valori, tra cui quelle con la Sinfonica di Sanremo e i concerti di notevoli interpreti come Morgan, Malika Ayane, Giuliano Sangiorgi, Alessandro Preziosi, Sergio Cammariere, Mogol, Serena Brancale e moltissimi altri. È music composer per Radio Deejay, Radio Capital e One Podcast, la piattaforma podcast di Elemedia di cui fanno parte Repubblica, La Stampa, L’Espresso. È docente di Produzione musicale al CET, la prestigiosa scuola di Mogol. Passarelli è anche compositore di soundtracks per pubblicità e TV. Attualmente, è impegnato in un nuovo e importantissimo progetto cinematografico di cui presto si saprà tutto.

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“Green Power” è il nuovo singolo della rock band romana degli Overcardano, sui principali stores digitali e dal 24 maggio nelle radio italiane in promozione nazionale. Produzione impeccabile dagli arrangiamenti attuali e di tendenza, curati nei minimi dettagli, strizzando l’occhio ad un rock d’oltreoceano di forte ispirazione punk. La band è giunta al quarto singolo nel suo cammino discografico italiano e questo nuovo singolo evidenzia una personalità ben strutturata, figlia di una maturità artistica ormai raggiunta a pieni voti.

Melodie vincenti che entrano in testa sin dal primo ascolto e destinate a rimanerci, su cui scivola l’interpretazione vocale del frontman, autentica e sincera, che dona al tutto un forte impatto emotivo. Il tema è uno di quelli più attuali e delicati in assoluto: il clima impazzito di questo pianeta.

Ogni anno, puntuale come un orologio arriva la notizia: “É stata l’estate più calda degli ultimi cento anni”. Ogni anno fa sempre più caldo e ce ne accorgiamo quando ci ritroviamo la grandine d’estate con chicchi grandi come limoni mentre magari sono mesi e mesi che non cade una goccia di pioggia.

Ma cosa può fare una semplice canzone di fronte ad un problema di questa enorme portata?

“Questa è la domanda che ci siamo posti come gruppo musicale. Può avere senso parlare del tema del clima che sembra essere conosciuto da tutti, ma su cui nessuno di noi in realtà sembra fare realmente qualcosa? La musica può fare una cosa sola ma importante: può fare da “megafono” facendo arrivare il messaggio ad un numero sempre maggior di persone attraverso il piacere che da l’ascoltare musica. Anche e soprattutto a tutti quelli che pensano che questo tema non li riguardi. Un po’ come la “Canzone del Maggio” di De André in cui parlava di coloro che di fronte alle rivendicazioni di quegli anni “giravano la testa dall’altra parte” ma che invece De André considerava “lo stesso tutti coinvolti.” Overcardano

La band continua: “Oggi il tema più “impellente, oltre che importante, non è la politica, né l’economia, ma lo “stato di salute” in cui versa di questo pianeta. Questo è il vero simbolo del cambiamento dei tempi. Nel brano abbiamo disegnato tutti i vari fenomeni che vediamo oggi: abbiamo parlato dell’assurdità del sole che addirittura può arrivare a fare male, dei ghiacciai che si sciolgono, del nostro respiro fatto a pezzi dai veleni delle polveri sottili e lo stesso respiro del mare soffocato dalla plastica. Il monito è chiaro: “Se la terra muore io muoio con lei”!

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Dieci tracce di pop cantautorale, con echi della tradizione italiana, ed un linguaggio ricercato nei testi, tipico dell’artista e polistrumentista.

Il quarto disco di Gianluca De Rubertis ha un taglio decisamente pop cantautorale che segna una sintesi del percorso artistico fin qui attuato e fonde, nelle sue dieci tracce, l’immediatezza melodica del precedente album “La violenza della luce”, all’usuale ricercatezza dei testi, testi che agilmente percorrono argomenti cruciali dell’esistenza: dall’amore puro a quello più passionale, dal ricordo all’incombere dei destini degli uomini, dal dolore alla paura, dal mistero alla società.

Il suono è solido e improntato alla sintesi, la voce in primo piano ci fa immergere immediatamente nella profondità delle parole.

“L’equazione del destino” è un album pop attuale con rimandi ad un passato glorioso di tradizione cantautorale italiana.

Il disco vede le featuring di Dente (ne “Il concetto di virtù”) e di Camilla dei ROS (in “Eterno rosso”).

La title track del nuovo album del cantautore salentino.

lo stesso giorno del suo quarto album in studio fuori anche il singolo  che porta lo stesso titolo ,“L’equazione del destino”. È un brano granitico e orecchiabile al contempo, in cui ci si domanda quando e se riusciremo mai a risolvere le distanze del comunicare umano.

TRACK BY TRACK ALBUM E BIOGRAFIA GIANLUCA DE RUBERTIS

Edizioni: Cramps Music
Distribuzione: ADA Italy

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Questo libro nasce dalla mia 1^a tesi universitaria in Pedagogia. L’incontro tra un grande psicologo, mio relatore, Arturo Conte e un giovane Istruttore di Arti Marziali, quale ero negli anni ‘80, ha dato origine ad un testo particolarmente interessante sulle Arti Marziali. In esso si evidenziano tutte quelle tecniche fondamentali, che vengono quasi messe da parte in una palestra d “ i stampo agonistico. Dopo una prima parte, dedicata alla storia del combattimento, passando sia  per i Samurai che per i Cavalieri medioevali, nella seconda parte sono evidenziati gli aspetti psico-pedagogici dell’Arte marziale, per costruire quella che sarà definita Arte Marziale Olistica.

Si tratta l’aggressività, lo psicodramma, l’io e l’inconscio, le parole fondamentali dell’Arte Marziale, i piedi nudi, il silenzio e la divisione delle tecniche in “lancio” e “slancio”.
Nella 3^a parte, amplificazione della 2^a edizione, si centra ancora di più l’argomento, parlando della relazione tra mano e mente, del Grido e delle sue vocalizzazioni e della “mano viva”, in contrapposizione alla “mano morta”. Remo Periginelli

Un  libro innovativo e unico nel suo genere il cui obiettivo è quello della Salute del corpo e della mente attraverso il “canto degli organi”nelle tecniche dell’Arte Marziale Olistica.
1^a edizione: Febbraio 2020 / Ha ricevuto una segnalazione di merito dalla Giuria del Premio internazionale di letteratura “Francavilla Urban Festival”
2^a edizione ampliata: Novembre 2022

Prof. Remo Periginelli
Il Maestro Remo Periginelli è nato a L’Aquila il 30/06/60 ed è  residente a Montesilvano (Pe); sposato con due figli ha iniziato la pratica delle Arti Marziali all’età di 9 anni.
Nell’ambito degli anni di pratica ha organizzato centinaia di eventi, soprattutto a L’Aquila, sia di gare regionali, nazionali e internazionali, sia di seminari e conferenze  sulle Arti Marziali e sulle Discipline olistiche.  Oggi si dedica alla Formazione Istruttori, sia dal punto di vista tecnico, che da quello psico-pedagogico.

Libri scritti:
Tanto Tori, editrice Futura, anno 1989
Funzione psicoterapeutica dell’Arte Marziale, Ed. Tabula Fati, 2020, 1^a edizione; 2022 (2^a edizione), che ha ricevuto una segnalazione di merito dalla Giuria del “Premio internazionale di Letteratura Francavilla Urban Festival”

Laurea in Pedagogia ad indirizzo psicologico conseguita presso l’Università degli studi di L’Aquila con una tesi su “Funzione psicoterapeutica dell’Arte Marziale”
Laurea in Scienze delle Religioni, con una tesi su “Il Taoismo e l’Esistenzialismo italiano”
Corso post-laurea in “Costellazioni Familiari” metodo Bert Hellinger
Corso post-laurea in Ipnosi clinica
Corso post-laurea in Soluzioni Incantate

Ha codificato un metodo di allenamento denominato ARTE MARZIALE OLISTICA, che comprende le seguenti Arti Marziali.

CURRICULUM COMPLETO AUTORE

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https://www.instagram.com/remo.periginelli_pedagogista/

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Fuori dalle mura, canzoni libere di andare oltre.

Si intitola “Estramenia” il nuovo disco di inediti dell’artista astigiano Jacopo Perosino nato anche con il contributo di NUOVOIMAIE. Canzoni che nascono e si muovono fuori dalle mura, sono quei “freak” per nulla inclini a sottostare a criteri discografici attuali: alcune selvatiche e dense, altre antiche e tribali, altre ancora moderne e suburbane.

Perciò sono libere, in un formato anacronistico e fuori mercato come quello dell’EP.

Nella tracklist sono state inserite anche due canzoni provenienti da “Lanterne” il primo disco dei  Noàis, il suo collettivo musicale-teatrale nato nel 2012. Altri due brani rimasti fuori invece dal primo album solista di Perosino “Retrò”, del 2019, ed infine un inedito, scritto appositamente per questo lavoro, una creatura mezza canzone e mezza epistola perfetta per chiudere il disco.

«Estramenia (rectius – extra mœnia) è ciò che esiste fuori le mura, al di là di un luogo recintato, protetto. Qualcosa di libero, indomabile, selvatico, autarchico, facilmente attaccabile e criticabile. In epoche antiche ciò che era fuori dalle mura sfuggiva alle regole; nessuna legge coercitiva o coattiva se non quella percepita come giusta da un sentire condiviso: quello dei reietti, dei delinquenti, degli strani, dei senza-patria, dei blasfemi, tutti gli scacciati che, uniti sotto lo stesso cielo, vivono un vero anarchismo libertario. Dentro le mura tutto nasce, cresce, si modifica e muore con ordine e classificazione. Fuori invece tutto si perde nei racconti tramandati, il reale si mescola al vero, la parola cristallizza la storia e il mito sopravvive e si autoalimenta nella memoria collettiva». Jacopo Perosino

EP TRACK BY TRACK E BIOGRAFIA

CREDITI

Testi e musiche: Jacopo Perosino
Produzione artistica e arrangiamenti: Andrea “Neura” Nejrotti – Jacopo Perosino
Arrangiamenti voci e cori: Jacopo Perosino – Chiara Figus
Produzione esecutiva: RÆBEL RECORDS e Noàis Produzioni con il contributo di NUOVOIMAIE
Chitarre acustiche ed elettriche: Jacopo Perosino – Paolo Penna – Cosimo Sterlacci
Pianoforte: Jacopo Perosino
Tastiere e sintetizzatori: Andrea “Neura” Nejrotti – Jacopo Perosino
Programmazione elettronica: Andrea “Neura” Nejrotti – Cosimo Sterlacci
Batteria elettronica: Andrea “Neura” Nejrotti
Basso elettrico: Andrea “Neura” Nejrotti
Contrabbasso: Simone Torchio
Violino: Luisa Avidano
Programmazione archi: Andrea “Neura” Nejrotti
Trombone: Gianpiero Malfatto
Sassofoni, Tromba: Cristiano Tibaldi
Rumoristica, Catene, Cori maschili: Roberto “Sciamano” Musso
Bajan: Alberto Fantino
Canto di Sirene: Chiara Effe
Canto delle Comunarde: Marina Occhionero, Chiara Effe, Alice Mammola
Canto da muri: Lu Renè

Progetto grafico: Design Kills You
Foto: Alessandra Lano

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YouTube: https://www.youtube.com/@jacopoperosino

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8 nuove proposte si contenderanno il podio e il contratto con Sony Music Publishing.  Tra gli ospiti anche il comico televisivo Ubaldo Pantani.

10 Agosto in Piazza Gramsci ad Aulla (ore 21.30 – ingresso libero)

Seconda data del Premio Lunezia 2023, 28ª Edizione.  

Serata condotta da Savino Zaba (Rai).  

Dopo l’appuntamento romano del 23 Luglio nel suggestivo scenario del Colosseo, il Premio Lunezia cala il poker ad Aulla, con un cast degno dei più grandi eventi europei e una finale nuove proposte esposta ad un contratto con Sony Music Publishing, l’attuale rotazione radiofonica dei finalisti su Rai Isoradio e nuovi lavori per uno speciale Rai TV in programma a fine anno. 

«Per la prima volta nella storia Aulla ospiterà un’artista internazionale non italiano, una presenza che vale l’ottimo lavoro di Beppe Stanco, impegnato a concretizzare gli indirizzi della Commissione Direttiva. Il nuovo impegno dell amministrazione aullese riapre le speranze di ripristinare in futuro la tradizione del Premio Lunezia nella formula dei tre giorni, tradizione più festivaliera e ancora più efficace per lanciare il nome di questa piccola cittadina, già nota nel mondo della musica leggera». Stefano De Martino

La tipologia dei premi agli artisti annunciati sarà declamata in sede di spettacolo.  

Ubaldo Pantani imitatore e comico di successo, nonché volto televisivo, sarà testimonial della Mission Sociale che combatte l’azzardopatia, promossa dal Premio Lunezia, da “Lucca Crea” e da Usl Toscana Nord Ovest.  Il Premio Lunezia avrà però un secondo solco nell’impegno sociale, il Red Carpet, anticamera dell’accesso al backstage, sarà dedicato alla lotta contro l’omofobia, con lo slogan “Aganist Homophobia” per idea della stilista Marzia Cerolin. Sul Red Carpet anche la nota Drag Queen toscana Ivana Tram.  

Molta attesa anche per la finale nuove proposte:
«6 ragazzi  e due band di indubbio talento quest’anno il lavoro per promuovere nazionalmente i nostri finalisti si è intensificato vista la garanzia di un contratto editoriale da parte di Sony Music Publishing, l’ulteriore programmazione radiofonica del vincitore su Rai Iso Radio, la presenza di molti produttori musicali e la promozione radiofonica di uno dei finalisti scelto da Radio Bruno» Loredana D’Anghera – direttrice artistica della sezione nuove proposte e docente di canto al Conservatorio di Parma

Ecco le magnifiche 8 promesse del 10 Agosto ad Aulla, Sezione Nuove Proposte:
– Malvax Band
– 4 Calamano Band
– Federico Rubin in arte   “Federubin”
– Domenico Giovanni Pini in arte “Djomi”
– Francesco Sacco
– Francesca Giannizzari
– Kheyre Yusuf Abukar Issak in arte “Il Barone Lamberto”
– Valentina Tioli
Titoli del brano inedito e provenienza geografica verranno resi noti in sede di spettacolo. 

Il Premio Lunezia è patrocinato dal Ministero della Cultura, dalla Regione Toscana, dal Comune di Aulla, con la collaborazione della Fondazione Cassa di Risparmio di Carrara, Usl Toscana Nord Ovest, Fondazione Cassa di Risparmio della Spezia e i privati “Ferrera Flowers” di Ragusa, Gce Srl Costa di Albiano Magra.

Fondamentali anche le collaborazioni culturali, mediatiche e logistiche di Dario Salvatori, Giuseppe Anastasi, Selene Pascasi, Demetrio Sartorio, Savino Zaba, Momo, Pino Strabioli, Umberto Mostocotto, Roberto Benvenuto, Andrea Caponi, Marina Pratici, Carla Bertolini, Sara Acerbi, Rosi La Camera, Rachele Nicole Ferrari, Lorenzo Varese, Paolo Bedini, Antonella Bertolini, Riccardo Monopoli.   

Un particolare ringraziamento a “Slow Life, Slow Game”, “All Music Italia”, Rai News per i servizi Lunezia 2022 e “Arte Musica” di Fulvio Fusaro.

Contatti
Sara Acerbi
Segreteria Stampa  Premio Lunezia
347 3065739 – 347 9660177 

https://www.premiolunezia.it/#

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Un rock grintoso per esorcizzare il disordine delle cose, della vita e di se.
“Disordinata” è il nuovo inedito di Artika, al secolo Francesca De Rosa, un misto di grintoso pop-rock che, unito all’indole ed alla personalità della cantante, ne fanno un pezzo esplosivo assolutamente da ascoltare.

«C’è chi sostiene che il mondo sia nato dal Caos. Charlie Chaplin diceva: “dal caos nasce una stella”. Qualcun altro ha scritto “dal caos nasce l’ordine, dalla confusione dei sentimenti l’amore”. E poi l’aforisma di Nietzsche che ritroviamo ovunque “bisogna avere il caos dentro di sé per partorire una stella danzante”». Artika

Brano scritto e composto dalla stessa Artika in collaborazione con Luigi Aulito e David Vuto, con la partecipazione dell’artista Renato Esposito e del producer Francesco Galdieri. Dopo la pubblicazione del singolo “Catartika”, “Disordinata” segna la seconda uscita del nuovo progetto con l’etichetta milanese Da Vinci Label.

Etichetta: Da Vinci Label

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Artika, nome artistico di Francesca De Rosa, nasce a Battipaglia nell’89.

Sin dalla tenera studia canto e danza. Le sue doti vocali, per timbrica, estensione e duttilità, le permettono di sperimentare con vari generi musicali come jazz, soul, rhythm and blues, leggera, pop e rock. Ed è proprio per l’energia e la grinta del rock, supportata anche da una fortissima presenza scenica nelle sue esibizioni live, che la sua pagina artistica supera i 60.000 fans.

Nel Marzo 2015 pubblica on line e su tutti i canali web il suo primo singolo e video dal titolo “Non ci sarò” con cui ottiene vittorie in vari contests radiofonici che le permettono di andare in rotazione su diverse radio italiane. Nel mese di Luglio dello stesso anno vince il premio “Top Chart” al contest radiofonico Sonic Factory 2015.

Grazie agli ottimi risultati ottenuti nel brevissimo tempo, con la produzione ApM Progetto Musica iniziano a prospettarsi anche esperienze internazionali importanti, infatti in quel mese di Agosto riesce ad entrare tra le dodici nazioni finaliste del prestigioso Pirogovsky Rassvet 2015, festival internazionale tenutosi a Mosca. In un’atmosfera surreale e con una cornice di diecimila spettatori canta in lingua russa ed italiana, la sua interpretazione del brano “Kukushka” le permette di aggiudicarsi il premio di “artista più votata dal pubblico”.

A Settembre 2015 pubblica un secondo inedito dal titolo “Scappo via”. Dopo la partecipazione alle selezioni di Sanremo di quell’anno ed al 22° Festival di Avezzano 2016, il 5 Maggio 2016 inizia la promozione nazionale ed internazionale di un nuovo inedito dal titolo “Fantastico” che porta ad ottenere più di 260.000 visualizzazioni del videoclip su You Tube, cinque settimane di permanenza in Classifica Italiana Indie (MEI), inoltre, dalla prima settimana di Giugno 2016, entra in Classifica Europea Indie ed ottiene la prima posizione che conferma per quattro settimane (a cui si aggiungono anche cinque settimane al secondo posto e 15 settimane in Top Ten).

A Dicembre risulta al sesto posto assoluto nella Classifica Europea Indie (EIMC STATS). Il 2017 si apre con la pubblicazione del singolo “Solo un nome” anche questo ottimamente accolto dal popolo della rete e dalle classifiche indipendenti. La pandemia ferma un po’ tutti ma a fine 2021 torna in scena con la pubblicazione del nuovo inedito “Rosso indelebile” che tratta della violenza di genere. Il 2023 porta con sé l’inizio di una proficua collaborazione con l’etichetta milanese Da Vinci Label che pubblica ad aprile “Catartika” e, in estate, l’ultimo singolo dal titolo “Disordinata”.

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Una serata che non ha avuto i risvolti sperati ha creato l’ispirazione.
La canzone vuole essere un inno dedicato a tutte le persone che d’estate si divertono, ma allo stesso tempo non si accontentano mai e riescono inevitabilmente a vedere i lati negativi della bella stagione, che spesso poi lascia l’amaro in bocca.

«Il testo racconta il bisogno di staccare dal casino della vita di tutti i giorni e di come noi riusciamo a trovare il nostro rifugio nella musica, che abbiamo personificato in una ragazza. In ogni circostanza, se manca lei non ci divertiamo ed è bellissimo tuffarsi nel suo universo. Inoltre ci soffermiamo su elementi che per noi sono tipici dell’estate: le facce stravolte dalla stanchezza, le paranoie sempre presenti e ripetere errori fatti mille volte che puntualmente facciamo finta di non avere mai imparato. Però, nonostante tutto, ci ricordiamo come questo sia il periodo più bello dell’anno e che nel bene e nel male quando finisce “Ti fa piangere tutte le volte”».

Il singolo è prodotto da ​​Fractae che ha cercato un suono molto fresco ma allo stesso tempo da club, con strofe e primo ritornello molto asciutti a livello di arrangiamento, lasciando come protagonisti basso e batteria. Andando avanti con la struttura, il brano si apre fino a scoppiare in un solo di sax.

I Five Hundred sono:

Riccardo Ceccarelli – voce e chitarra
Federico Currà – basso
Erik Brienza – batteria

Etichetta: autoproduzione
Radio date: 30 giugno 2023

Five Hundred
Band pop di Torino attiva dal 2015. Dopo anni di concerti su diversi palchi come Hiroshima Mon Amour, Gru Village Festival e l’Ariston di Sanremo, con la partecipazione a Casa Sanremo e Sanremo Rock, la band decide di rendere pubblici i propri lavori in studio.

Nel Maggio 2018 esce il loro primo EP “Dolci Ispirazioni” con al suo interno i primi cinque inediti che descrivono le influenze musicali dei componenti. Dopo un anno di ricerca di una propria identità artistica, esce il singolo “Oggi ho scelto” caratterizzato da uno stile Indie Pop. Per i Five Hundred il 2020 rappresenta un anno chiave determinato dall’uscita di due singoli come “Fuori Tempo” e “Non so il perché”, dove si può gustare a pieno la maturità artistica della band. Dopo un anno di inattività concertistica, il 16 Aprile 2021 esce il loro nuovo singolo “Adrenalina”, canzone che simboleggia una risposta positiva in contrapposizione al periodo storico. Grazie a questo singolo finiscono in varie playlist di Spotify e Apple Music e, inoltre, il 26 Giugno 2021 partecipano al “Fatti Sentire Festival” trasmesso il 12 Agosto dello stesso anno su Rai 2.
Il 27 Gennaio 2023 esce il loro primo album contenente 8 tracce “Romantici”, all’interno si trovano i due nuovi singoli “Noi due e basta”, “Gelosia cronica” . L’estate 2023 per i Five Hundred significa in radio con il nuovo inedito dal titolo “Afterparty”.

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La bella stagione, leggerezza, energia positiva e i profumi di Sicilia.
La bella stagione racchiusa in una fotografia pop. Il nuovo singolo del cantautore siciliano Sebastiano D’Amato esprime il concetto della bella stagione, passata in leggerezza e allegria, esaltando la bellezza della sua Sicilia.

«Il testo racchiude in sé molti significati, sta a voi scovarli e decifrare ogni singola frase». Sebastiano D’Amato.

Autoproduzione
Radio date: 13 luglio 2023

Sebastiano D’Amato, siciliano originario di Francofonte (SR) classe 89.
Dall’età di 14 anni inizia a cimentarsi nei primi live esplorando ogni genere, dal pop all’heavy metal, rock e blues. Nasce così l’esigenza anche di scrivere i primi inediti ai quali segue la partecipazione ad eventi e premi: tra questi citiamo la finale del “Tour Music fest” e la finale di “Sanremo Rock” sul palco dell’ Ariston di Sanremo, e non ultimo Sanremo Discovery di Mario Greco. Di recente la sua partecipazione al talent in onda su La7 Gold. Seguiranno concerti in Egitto come cast artistico nei teatri per conto di “Alpitour”, in Sardegna e poi a Matera per Radio Italia. Attualmente porta avanti concerti nei più importanti club di Taormina.

Il nuovo singolo “La nostra estate” in uscita a luglio 2023, apre le porte a nuovi singoli di prossima pubblicazione.

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Un modo Tech House per intendere il suono che tutto circonda.

«Saper ascoltare tutto ciò che ci circonda: questo è il mio modo di intendere la musica. Ogni suono intorno a noi è musica, basta saperli ascoltare e poi convertirli in melodie. Il sapersi adattare ad ogni situazione che ho davanti è il mio modo di suonare, l’essere il più eclettico possibile così da poter suscitare divertimento ed offrire la miglior performance al mio pubblico.» Diego Antonelli

“Keep About Strong” è un brano Tech House energico e intenso capace di raccontare qualsiasi tipo di serata, in un club, un party, una festa. Una scrittura capace di sostenere il ritmo del Dance Floor.

Etichetta: Clockbeats Music Group
Radio date singolo: 6 giugno 2023

Nato a Brescia, classe ‘95, Diego Antonelli comincia ad intraprendere la sua carcere da DJ nel 2017 suonando nei locali e per feste private come lauree ed eventi organizzati come l’evento chiamato “Storm”, che si tiene durante la notte di Halloween.

Nel giugno del 2019 inizia un percorso di studio presso gli studi di registrazione della Clockbeats e da qui arriva al maggio del 2021 dove pubblica la sua prima traccia Tech House dal titolo “Make it better” che ottiene un buon riscontro dal pubblico con 78.000 ascolti in tutto il mondo. Nel luglio dello stesso anno pubblica una seconda traccia ma questa volta più dance con suoni molto più freschi ed estivi chiamata “This Time”. Ed infine a dicembre, sempre dello stesso anno, pubblica una terza traccia dal carattere deep house dal titolo “My Head” dentro cui campeggia una voce femminile a far gli onori di casa.

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«Quando la frenesia della vita ci induce a correre, ad avere pensieri pesanti, all’ansia, è necessario prendere una pausa e ascoltare il ritmo che abbiamo dentro. Amare e poi dimenticare, per poi essere pronti ad amare di nuovo». Farmeo

Si inizia a pregustare l’estate con le note del nuovo singolo “Cono gelato” di Farmeo. Prodotto da Francesco Meta (in arte Janula), scritto da Marco Poletto e con Roberto De Rosa al basso. “Cono gelato” ha anche un suo video ufficiale sul canale Youtube del giovane artista.

GUARDA QUI IL VIDEO:

Autoproduzione

Farmeo (Matteo Marsella) è un cantautore del basso Lazio classe ’95.

Fonda il suo progetto artistico nel 2019 sulle basi dell’energia e del groove, creando una miscela tra vari generi: pop, indie, soul, funk. Nello stesso anno pubblica il suo primo EP, minimale ma al tempo stesso efficace per il pubblico. Nel 2020 pubblica il suo primo videoclip sul suo canale Youtube “Via Da Me” video girato da Francesco Meta. Nello stesso anno pubblica, insieme alla band, “Senza Dubbio” una cover degli Articolo 31 e ”Thàlia”.

Nel 2021 pubblica “Sul filo dell’entusiasmo” un brano funk, prodotto da Fabrizio Migliorelli. È dell’11 giugno la pubblicazione del singolo intitolato “Respira”, una canzone dedicata all’estate, sound dal pop curato alla cui produzione ritroviamo ancora Francesco Meta e Fabrizio Migliorelli. Durante l’autunno di quello stesso anno, Farmeo, fu costretto a mettere in pausa il suo progetto per motivi lavorativi. Trascorse 7 mesi in Francia, lavorando come operaio presso lo stabilimento Psa di Hordain. Grazie al prezioso aiuto a distanza da parte di Vincenzo Folcarelli e Riccardo Berticelli, ”Sfortuna” iniziò a prendere forma: un singolo presentato alla redazione artistica di Sanremo giovani, successivamente scartato e dunque pubblicato il 18 novembre.

Senza perdersi d’animo, il 13 gennaio 2023 pubblica “Ridicola”: brano scritto da Marco Poletto (finalista di Sanremo giovani nel 2021) e prodotto di nuovo da Francesco Meta.

Il singolo “Cono gelato” apre la strada che condurrà al suo album d’esordio.

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Sentire l’affanno della vita, una sensazione comune, al giorno d’oggi, nella nostra società.

“Mancandoti l’aria”, una frase che dice molto di questi ultimi periodi, dove purtroppo, anche fisicamente, viviamo tutti in questa condizione di affanno continuo.
Il respiro è vita e quando si fa fatica a respirare arriva la paura, la paura di morire, di fallire, di non farcela.
Il respiro può aiutare a calmarsi, a raggiungere una sorta di pace interiore.

«Con questo brano cerco di dare forza e speranza, voglio dare un consiglio, ossia di aprirsi agli altri, a chi ti viene incontro, e non avere paura di accettare una mano.
L’amore è ciò che salverà noi e il mondo intero» Mr Joy

Etichetta: G records

Mr. Joy – alias di Andrea Robicci – nasce a Milano nel 1970, da una famiglia di importanti gioiellieri. A 17 anni si inventa il mestiere di PR e la sua “bigiata party” fa storia nella “Milano da bere”.
Diventa un creativo che anima i locali più “in” di tutta Italia e inizia parallelamente la carriera di cantautore e produttore. Mr. Joy esordisce a Milano all’Osteria della Musica in una serata improvvisata, che gli regala una nuova consapevolezza.

Suona e riempie piazze e collabora con il Maestro Massimo Luca, chitarrista e produttore di Lucio Battisti, Grignani, Minetti, Moro e molti altri, arrivando in finale all’Accademia di Sanremo durante la direzione artistica di Pippo Baudo. Pubblica due singoli, poi dopo il tour con Radio Italia, incide il brano “Vivere” prodotto con Gabriele Fersini, chitarrista di Laura Pausini, Biagio Antonacci ed Eros Ramazzotti.

Il 2 settembre pubblica “Pinocchio”, brano dedicato alle maschere che ognuno indossa ogni giorno. Mentre a dicembre esce col brano “Natale senza”, la più classica delle melodie per consolare chi si sente solo. Poi l’11 aprile 2023 è la volta del brano “Mancandoti l’aria” che anticipa l’album in uscita prima dell’estate.

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“Il titolo dell’album è parte di una poesia che ho scritto, di cui la prima frase è “Luca , il Mondo, Perdona!”. Quindi Mondo Perdona in questa ottica è un’esortazione comune ovvero “Tu, Il Mondo, Perdona”. Un mondo che si cerca di perdonare nonostante le sue angherie , la sua natura spietata, i suoi abitanti a sangue freddo, un mondo che alla fine a pensarci bene andrebbe solo compatito. Ma si fa difficoltà.” Luca Amoroso.

Nella copertina l’artista si presenta  senza maschere, Si ritira in una cornice rurale disabitata da esseri umani, ma solo da animali. Fuori da questa cornice c’è un mondo provato e malvagio, che gli ha causato quella ferita presente  sulla fronte.
Per questo decide di ritirarsi in questo Locus Amoenus, nel quale si sente in armonia con se stesso conducendo  una vita serena all’insegna della pace e della tranquillità (simboleggiata dall’ Agnello che abbraccia), curando le sue ferite, fisiche e non.

Enfant Prodige, Luca Amoroso, dopo essere nasce a Roma nel 1997, inizia a tre anni ad improvvisare suonando i tasti di una piccola tastiera a Pavia, luogo dove si trasferì con la sua famiglia.
A sei anni compone scherzosamente le sue prime melodie a voce accompagnate da testi parodistici e simpatici che cantava alla mamma.
A otto anni il primo vero approccio con uno strumento, impara infatti a suonare la chitarra, grazie a suo padre, che gli insegna i primi accordi principali.
Inizia a scrivere le sue prime canzoni intorno a quell’età.
Dotato di orecchio assoluto, con un piccolo quadernino dove erano scritti tutti gli accordi esistenti, impara presto tutti gli accordi fondamentali.
A nove anni la prima esibizione live, suonando la chitarra e cantando.
Nel frattempo Luca registra le sue composizioni su un registratore a cassetta, regalatogli dalla mamma.
A dieci anni, deducendo gli accordi dalle note della chitarra, impara a suonare la tastiera, affascinato soprattutto dall’Arpsicorde, predecessore del Pianoforte.
A 11 impara la batteria assieme al grande batterista italiano Ezio Zaccagnini.
Nel frattempo continua i live assieme a suo padre e successivamente con diverse band nel fervido ambiente musicale dei Castelli Romani dell’epoca sia come batterista e cantante, sia come chitarrista e cantante.
Continuano i live e a quindici anni impara a suonare il basso.
Nel frattempo si dedica alla composizione di poesie, sia in italiano che in greco antico.
A ventidue anni inizia la composizione del suo primo album da professionista, molto atteso, intenso e altrettanto complesso, che scorre con un filo conduttore alle spalle, il cui processo di creazione e registrazione lo impegnerà per due anni: il titolo dell’opera è “Mondo Perdona”.

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Questa canzone funky-reggae è – in parte – il seguito di “Monete”, un brano presente in “Disco rotto”, il secondo album di Andrea Tarquini. Racconta la storia di una coppia. Una coppia di pazzi, un rapporto malato in cui lei va a casa di lui e gli fa le pulizie perché altrimenti lui affoga nella sporcizia. Ovviamente non può farne a meno, ma entrambi si accorgono, piano piano, che questa unione è basata più sul bisogno (e poi sul rancore) che sull’amore e la stima.

«Lo speciale sound americano de L’Amore in Frigo, nel quale si mischiano strumenti della tradizione folk bluegrass con quelli del funky, è in gran parte dovuto alla partecipazione di un personale tecnico e artistico americano con base a Nashville (TN) U.S.A., dove sono state fatte registrazioni aggiuntive. Tutti nomi di livello stellare.
Il mandolinista John E. Frazier III (per anni mandolinista di John Cowan ex leader dei New Grass Revival) e tutti questi interventi, come altri sul disco, sono stati ripresi e realizzati da Robertson Stokes, ingegnere del suono che ha più volte lavorato con James Taylor, Jerry Douglas, Sam Bush, Alison Krauss, Mary Chapin Carpenter, solo per citarne alcuni». Andrea Tarquini

Il brano è una delle nove canzoni contenute in In fondo al ‘900, terzo album del cantautore romano, milanese di adozione, nato come chitarrista del celebre Stefano Rosso. Il disco, prodotto da Fabrizio “Cit” Chiapello contiene la traccia omonima “In fondo al ‘900”, canzone che è entrata nella cinquina Tenco 2022 come Miglior Canzone. In copertina l’opera di Alfred Drago Rens “La petite Gau”. Drago Rens ha curato anche l’immagine grafica del disco.

Dicono di “In fondo al ‘900”

«Terzo lavoro solista per l’ex chitarrista di Stefano Rosso che, in nove tracce orbitanti tra cantautorato americano e folk, racconta storie quotidiane di artisti, poeti, cantautori indipendenti, coppie al bivio, e altre sfumature grigiazzurre di una modernità alienante a cui le generazioni “di ieri” non riescono a rassegnarsi, continuando a cercare la bellezza nelle piccole cose.» Rumore

«Tanti sono gli spunti che caratterizzano questo disco che ha il complesso compito di illuminare quegli angoli della vita che solitamente restano in penombra. Si parla di scontri generazionali, di gap incolmabili e ricerca della bellezza. Godere dei racconti della vita reale è il plus che rende questo lavoro discografico un viaggio in un porto sicuro: un approdo tranquillizzante» Low Music

«Un titolo che può apparire di primo acchito pretenzioso, se non altro per l’immensità di quello che porta dentro di sé quel decennio; in concreto però Tarquini utilizza un titolo altisonante solo per cercare un rifugio nell’anima (che è quello che molti di noi fanno) andando indietro con la mente a periodi della vita in cui eravamo felici o quantomeno ingenuamente vicini alla felicità.» Clap Bands

«Lui è Andrea Tarquini, storico chitarrista della scena romana, di Stefano Rosso tanto per dirne una non di poco conto… lui è un eterno sognatore ma anche un concreto uomo di cultura e di arte e lo dimostra con la delicatezza di un disco alto come “In fondo al ‘900” giunto ad un passo nell’aggiudicarsi la tanto agognata Targa Tenco.» Cherry Press

Etichetta: MoovOn
Release album: giugno 2022

Andrea Tarquini, romano trapiantato a Milano, esordisce negli anni ’90 del secolo scorso come chitarrista e corista del mitico Stefano Rosso. Dopo molti anni di formazione passati a suonare musiche tradizionali nordamericane, Andrea Tarquini si sposta a Milano dove inizia un percorso didattico nel quale insegna le tecniche della chitarra acustica americana. Grazie all’amicizia con Luigi “Grechi” De Gregori, fratello maggiore del più celebre Francesco, nel 2013 con la produzione di Paolo Giovenchi, pubblica il suo primo disco, “REDS! Canzoni di Stefano Rosso” (Self) disco finalista alle Targhe Tenco 2013 nella categoria interpreti. Nel 2014 i buoni risultati del primo disco realizzato lo portano a diventare endorser di Bourgeois Guitars, uno dei più prestigiosi marchi di alta liuteria chitarristica degli Stati Uniti. Nel 2016, con la produzione di Anchise Bolchi pubblica “DISCO ROTTO” (Self-Ice Records) disco finalista alle Targhe Tenco 2016 come Miglior Opera Prima.
Sempre nel 2016 istituisce il premio per cantautori chitarristi Corde & Voci d’Autore presso l’Acoustic Guitar Village di Cremona che si tiene ogni anno all’interno di Cremona Musica Exhibition & Festival. Nel 2017 partecipa al Premio Bindi dove vince la Targa Beppe Quirici per il “Miglior Arrangiamento”.
Tra il 2018 e il 2021 collabora con il rapper Jesto per il quale compone le musiche di molti suoi brani.
Nel 2019 amplia ulteriormente il suo rapporto di reciproca sponsorizzazione con alcuni marchi di strumenti di alta qualità tra i quali i microfoni Ear Trumpet Labs e l’italiana Acus, fabbrica specializzata nella produzione di amplificatori per chitarra acustica. Queste collaborazioni porteranno poi i marchi ad avviare attività di sostegno ai produttori di contenuti e live.
Nel giugno 2022 pubblica il suo terzo disco che si intitola “In fondo al ‘900” (MoovOn-Altafonte-Self). Il brano “In fondo al ‘900” in esso contenuto entra nella cinquina Tenco 2022 come Miglior Canzone.

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La memoria olfattiva è una delle più profonde del nostro inconscio eppure profumi e odori sono sfuggenti e incontrollati e non possiamo richiamarli alla mente quando ne sentiamo il bisogno.

«Siamo vittime, schiavi, dell’udito e della vista. Possiamo ricordare il colore rosso pensando al sangue o a un semaforo. Possiamo ricordare e riprodurre lo stridio delle ruote sull’asfalto oppure la voce del nostro compagno di banco delle elementari. Ma non possiamo in alcun modo ricordare i profumi: non possiamo rievocare il profumo dei capelli della mamma o l’odore del mare in un giorno di maggio.» Le rose e il deserto

“Due note soltanto” è una delle dieci canzoni che compongono “Cocci sparsi”, viaggio dal piccolo, personale e domestico al grande e universale. Si guarda alla vita partendo, per forza di cose, da quella che si conosce meglio, la propria, per allargare gradualmente l’inquadratura canzone dopo canzone.

Al contempo il disco è un viaggio fra i generi e le sonorità, nato dall’incontro/scontro fra i mondi musicali di Luca Cassano (voce, penna e anima de Le rose e il deserto) e Martino Cuman (Non voglio che Clara) che ha prodotto il disco, oltre a suonare il basso e cantare i cori su tutti i brani. Il disco è profondamente ispirato dalle sonorità acustiche e dall’elettronica rarefatta delle ultime produzioni di Niccolò Fabi e Piercortese, mantenendo al tempo stesso la profondissima impronta cantautorale di dieci canzoni nate sul taccuino e sulla chitarra.

Dicono di Cocci Sparsi

«Lo spirito è semplice, lo stile è diretto, le emozioni sincere e universali» Rumore

«…E il risultato è delicato, ricco di aria espansa dentro lunghi tratti strumentali e questa voce di periferia, cruda ai bordi, lontana, narrante da un tempo che sembra non questo.» Raro più

«Sono davvero cocci sparsi queste dieci belle e intense canzoni. Dieci storie, dieci film mentali, raccontati con semplicità e gusto da cantautore classico con riferimenti internazionali.» Il blog dell’alligatore

«Tante le influenze sonore, gli stili e le suggestioni musicali che Le Rose e Il Deserto ha inserito all’interno di questo lavoro, eleganti componenti elettronici, arrangiamenti in cui i synth sono la matrice sonora più definita e marcata ma anche una parte più folk e indie, oltre che la lezione cantautorale della scuola romana.» RockOn

Etichetta: PFMusic
Release album: 18 novembre 2022

Le rose e il deserto è il progetto artistico di Luca Cassano, un po’ calabrese, un po’ pisano, attualmente milanese.

Come un Tuareg, Luca osserva le dune metropolitane alla ricerca delle poesie che spontaneamente affiorano dalle sabbie della sua immaginazione. Il testo è al centro della sua ricerca: il suo interesse è nei suoni e nelle immagini che le parole da sole, anche senza musica, sono in grado di evocare. Le rose e il deserto è un progetto con due anime. Da un lato l’esigenza di esternare le proprie inquietudini, le paure e le passioni, la malinconia. Dall’altro la voglia di gridare contro le ingiustizie che quotidianamente osserviamo.

Nato a Corigliano Calabro, in provincia di Cosenza nel 1985, Luca Cassano studia sin da ragazzino chitarra e pianoforte. I lunghi e noiosi pomeriggi di solfeggio insieme alla vecchia maestra di musica ben presto lo allontaneranno però dagli strumenti. Per i successivi vent’anni Luca si dedicherà esclusivamente alla lettura di qualsiasi forma di testo scritto passasse per casa iniziando contemporaneamente ad avvicinarsi alla scrittura di poesie. Alla soglia dei trent’anni, da poco arrivato a Milano, decide di riprendere la via abbandonata e di affiancare la chitarra ai testi e poesie che nel frattempo aveva prodotto. Inizia così l’attività di busking che viene affiancata dalle serate nei locali di Milano dove suona cover con il duo che nel frattempo aveva fondato con l’allora coinquilino: i Citofonare Colombo. Allo scioglimento del duo, Luca decide che è arrivato il momento di lanciare un progetto con cui portare sui palchi le canzoni che nel frattempo prendevano vita: è la primavera del 2018 e nascono Le rose e il deserto. Dopo il primo anno e mezzo, in cui si muove sui palchi di Milano e della Lombardia, nell’autunno 2019 il progetto entra in studio, presso le Manifatture Morselli Recording di Modena per registrare l’EP d’esordio, intitolato “Io non sono sabbia” pubblicato per PFMusic nel giugno del 2020. Nel Marzo 2021 Le rose e il deserto ha anche pubblicato la sua prima raccolta di poesie, intitolata “Poesie a gettoni vol.1”.

Le rose e il deserto ha avuto il piacere di aprire i concerti di Gnut, Bianco, Nicolò Carnesi, The Niro, kuTso, Sandro Joyeux, Gianluca De Rubertis, Federico Sirianni, Livia Ferri, Andrea Labanca e Rufus Coates & Jess Smith.

Fra gli altri, Le rose del deserto ha avuto l’opportunità di suonare a Milano nei circoli Ohibó e Bellezza e allo storico Legend Club, al circolo Tambourine di Seregno, al salotto di Mao a Torino, a Ferrara per la rassegna Il silenzio del cantautore, a Roma per la rassegna Piccoli concerti, al Joe Koala ad Osio Sopra, al teatro San Teodoro di Cantù, al circolo Scuotivento di Monza, al Catomes tot di Reggio Emilia. Il 18 novembre 2022 pubblica “Cocci sparsi”.

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«Era arrivato il tempo di fare il punto su tutta la mia produzione personale, i 20 anni (2020) sarebbero stati perfetti da celebrare, ma si è messa di mezzo la pandemia che ha reso gli intenti decisamente più precari, quindi alla fine, questo “riassunto delle stagioni passate” esce ad inizio 2023.» Andrea Mirò

Le “camere con vista” di questo doppio disco sono come contenitori di storie minime o universali.

Ma anche tutte le camere da cui Mirò ha guardato, immaginando che fossero quelle d’albergo durante i tour, o quelle di casa nel passare di questi anni, sempre diverse perché c’è sempre qualche elemento che cambia sullo sfondo, e perché cambia lo stato d’animo.

Il titolo rende l’idea del divenire rimanendo se stessi.

«Dal primo disco pubblicato si sono alternate molte esperienze nel mio percorso, alcune particolarmente formative e incisive, e credo che ascoltando la raccolta (che ha una sequenza per lo più temporale) in generale si possano percepire i cambiamenti, soprattutto lo sganciarmi più frequentemente dalla forma canzone nella sua accezione comune. Mantenendo però una cifra coerente nel tempo, per la scelta delle tematiche che mi interessa mettere in scena, e per lo stile testuale che è maturato rimanendo il più possibile asciutto.

Ho scelto i brani che secondo me avevano caratteristiche tali da rendere più chiaro possibile l’ambito in cui mi muovo, così eterogeneo, ma è stata anche una scelta per introdurre al mio mondo chi mi segue per gli altri progetti paralleli – che in questi ultimi anni sono stati i più vari, spesso e volentieri legati al teatro – e soprattutto per chi ancora non ha ascoltato nulla della mia produzione, per spiegare quali sono gli argomenti cardine che amo trattare e qual è il mio modo di esprimerli.» Andrea Mirò

Il doppio cofanetto edito da Anyway e distribuito da Halidon è realizzato con Treedom, realtà internazionale che sostiene e finanzia direttamente progetti agroforestali.

ALBUM  TRACK BY TRACK

Etichetta: Anyway Music

Andrea Mirò è polistrumentista, autrice, produttrice, cantante e direttore d’orchestra. Otto dischi all’attivo, pubblicati tra il 2000 e il 2016; negli anni precedenti, il lavoro in studio e le esibizioni live si sono alternate a collaborazioni con molti tra i più grandi nomi del cantautorato italiano. 

Ha scritto e diretto l’orchestra sia in studio che live, al Festival di Sanremo per Enrico Ruggeri, Nina Zilli, Andrea Nardinocchi, Zibba, Perturbazione. A Sanremo come artista ha partecipato 4 volte, vincendo nel 2003 il premio come miglior testo con “Nessuno tocchi Caino”, ed è stata Presidente di giuria alle selezioni di SanremoLab nonché Giurato di Qualità.

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Dopo il successo di Digging for Diamonds accolto dai fan con milioni di streams e views, distribuito dalla Universal Music Group, che tratta  il tema attuale del tradimento in chiave reattiva.

“Io vittima di un ragazzo ipocrita? Il traditore è vittima di se stesso, delle sue bugie e meschinità. Meglio alzare i tacchi e andare oltre con forza e consapevolezza del proprio valore, che non viene determinato dai comportamenti degli altri” – afferma Matilde G – “Ho scritto Hypocrite per mandare un messaggio forte a chi è stato tradito: non vergognatevi perché il vero loser è il traditore! Prima di arrivare a questa consapevolezza sono passata attraverso esperienze dolorose che mi hanno segnata ma anche resa più forte e determinata a non permettere a nessuno di manipolarmi e farmi del male.”

Già dal primo ascolto si capisce che Hypocrite rappresenta un’ulteriore evoluzione e crescita nello stile della giovane artista, che affronta contenuti più intimi con sonorità pop più mature e articolate che ammiccano al rock. La produzione musicale della società svedese The Kennel AB valorizza sia  il brano che la voce da vera popstar di Matilde G.

Il music video, accattivante e dinamico, rappresenta visivamente l’ipocrisia con un manichino ma anche con ballerini mascherati, che non mostrano il loro volto reale. La giovane artista svela la sua sensualità con la danza ma ci porta  anche nel suo mondo interiore con  emozionanti scene  al pianoforte.

Prodotto dalla Black Bird Production, è stato girato a Singapore in diverse location tra cui la Rock Star Suite dell’Hard Rock Hotel Sentosa e lo studio della Pianoland, che hanno abbracciato il progetto mettendo a disposizione le loro location. Per i costumi Matilde G si è invece affidata a talentuosi studenti della Raffles School of Design, mentre ha voluto curare personalmente il suo make up e hair style.

Matilde G ha diciassette anni ed è una cantante Italiana che vive a Singapore. Cresciuta a Roma ha studiato canto fin da piccola ed è stata sul podio dei più importanti festival nazionali, tra cui il Tour Music Fest e  il VideoFestivalLive.

Nel 2019 si è trasferita a Singapore per esigenze familiari, dove si è fatta subito conoscere cantando nei locali della città e posando come modella per fotografi asiatici. Inoltre, ha partecipato e vinto diversi talent locali tra cui il  Singapore’s Got Talent e ha performato in diversi teatri asiatici tra cui il famoso Teatro di Nagoya in Giappone e lo Scape di Singapore.

Le sue canzoni pop ci raccontano la sua vita di teenager: la sua voglia di diventare una pop star in Cup Of Tea, il desiderio di lasciarsi andare ai piaceri della vita in Doorbell, un rapporto in cui non si sente valorizzata in Digging For Diamonds che ha riscosso gradimento sia su Spotify che su YouTube, con milioni di streams e views.

Ispirata da icone del pop femminile come Ariana Grande e Lady Gaga, questa artista emergente non si vergogna di mostrare il suo talento e la sua creatività quando si tratta di scalare le classifiche musicali, dove l’abbiamo vista arrivare in TOP10 portando energia giovane e aggiungendo il suo “stile Matilde G” unico e fresco  alla scena del pop internazionale.  Non a caso a soli 17 anni ha avuto l’attenzione di stampa come Billboard.

I brani della giovanissima artista hanno complessivamente ottenuto 5 milioni di streams su Spotify e fino a 100.000 ascoltatori mensili. Ottima anche la sua presenza su Facebook, TikTok ed Instagram, dove ha accumulato un totale di oltre 250K followers.

Nel 2021 Matilde G ha pubblicato anche due brani in Italiano, Più Ti Vivo e Lasciamo qui. Con quest’ultimo è stata ammessa alle audizioni live di fronte alla commissione artistica di Sanremo Giovani 2021, presieduta da Amadeus, dove a soli 16 anni, unica minorenne tra i 46 prescelti, ha avuto l’opportunità di farsi conoscere ed apprezzare anche in Italia.

Durante l’estate Matilde G, dagli studi della “The Kennel” in Stoccolma, ha lavorato alla produzione di cinque nuovi brani che ascolteremo nel 2023. Siamo certi saranno altrettanti successi e che li sentiremo in radio a ripetizione.

Website social e store:
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Il Natale ci fa sentire ancora più intensamente l’assenza delle persone che amiamo. Ci fa pensare ai ti voglio bene che avremmo voluto dire e non abbiamo detto. A volte tornare indietro è impossibile e resta solo il calore dei ricordi. A volte, invece, si può. E questa è un’opportunità che non va sprecata.

Il singolo farà parte di un nuovo lavoro discografico che uscirà nel corso del 2023. La produzione artistica porta la firma di Marco Rinalduzzi, tra i più importanti chitarristi italiani, per anni al fianco di artisti del calibro di Lucio Dalla, Zucchero, Sting e Mina.

Lisa. P è Lisa Praticò, interprete e cantautrice. Originaria di Praia a Mare, in Calabria, vive tutta la vita tra Roma e Milano. Studia canto jazz presso il Saint Louis College of Music e canto moderno presso la Melody Music School di Roma con i vocal coach Fabrizio Palma, Silvia Aprile e Francesco Di Nicola. Parallelamente studia recitazione presso il corso STAP del Brancaccio con Daniele Monterosi.
A 14 anni inizia ad esibirsi e, autodidatta nello studio della chitarra classica, comincia a comporre i primi brani. A 18 anni si trasferisce a Roma dove si laurea in economia a “La Sapienza”. Dopo diverse collaborazioni musicali, dal 2009 inizia quella con Giovanni Risitano, nella Capitale per lavorare all’ultimo disco di Antonello Venditti (è compositore del brano “Unica”). Con lui tiene concerti in diversi club delle principali città italiane.
Nel 2012 fonda la band Lisa P. Live Band e lavora con musicisti noti della Capitale come Daniele Leucci, batterista (Mannarino, Alex Britti, Tozzi), Jacopo Carlini, pianista (Giorgia, Ultimo, Festival di Sanremo) e tanti altri.
Con il brano “Per un pugno d’amore”, che racconta la violenza sulle donne attraverso gli occhi delle vittime, riceve condivisione e apprezzamento da parte di artisti del mondo della tv e dell’intrattenimento (Jenny De Nucci, Maria Chiara Giannetta, Aurora Ruffino…)
È semifinalista al Festival di Castrocaro con il brano “Dove sei”, di cui è autrice, e semifinalista ad Area Sanremo con il brano “Roma di Notte”, di cui è autrice insieme a Piji Siciliani.

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«Sto bene» è un’espressione che troppe volte si usa in modo incoerente e soprattutto, non veritiero. È un modo per evitare di spiegare, di raccontare, di dire veramente ciò che si sta affrontando.

«In realtà non sto bene, spesso e volentieri mi ritrovavo a far festa in mezzo  a gente felice ed io lì a fissare un punto. Non è che non mi piacciono le feste anzi, ma arriva sempre un momento delle serata dove mi escludo dal resto, le voci diventano suoni e le persone immagini.» Il Cartello

Il messaggio del brano andava condiviso e così sono nate le collaborazioni che lo hanno arricchito e completato. Enéri ha dato voce e parole con il suo speciale timbro, mentre Max al Majorizm Lab ha donato il giusto sound al tutto.

Il video è stato ideato e realizzato da Samuele Apperti ed è caratterizzato dalla scelta stilistica di utilizzare vibes indie e riprese a mano libera per avvicinare il brano e gli artisti al pubblico, collegando il sentimento vero della canzone a delle riprese reali, quasi documentaristiche. La scelta di posizionare Enéri e il Cartello in ambienti allegri e spensierati dà il contrasto che accentua il loro stato d’animo di infelicità. Il ballo creato e realizzato dalla ballerina Carmen Diop è ispirato alla shuffle dance.

Il Cartello, pseudonimo di Salvatore Diego Di Gioia, è un cantautore italiano. Nato a Foggia nel 1993 si trasferisce a Rimini nel 2007 e comincia a muovere i primi passi nel mondo della musica.
Nel 2015 canta all’interno di una band alternative rock “ Breathing The Night ”. Nel 2019 inizia a scrivere brani per altri artisti e per se stesso dando vita ad un progetto pop con influenze indie. Nel 2020 avvia il suo progetto come solista con il nome d’arte “Il Cartello”, usando questo nome vuole dare un punto di riferimento a chi nella musica si appiglia.
Dopo alcune demo e preparazione in studio, l’8 gennaio 2021 esce il suo primo singolo che lancia il suo progetto con la canzone dal titolo “Ricordare”, brano che parla di ricordi di una storia finita e di quanto essi siano perfetti così, senza il bisogno di tornare indietro e cambiare qualcosa, esattamente come una canzone scritta male. Il 1 aprile 2021 esce “Siamo Rotti Dentro” che racconta di come un cuore possa sopravvivere pur essendo a pezzi, incollato con della colla da due soldi e di come un’amore sia perfetto così, tra due esseri senza identità sessuale e senza la paura di essere giudicati. Il 1 giugno è il turno di “Un Mondo Senza Filtri” che raggiunge più di 30 mila streaming su Spotify, racontando racconta una ricerca continua di un mondo senza finzioni. Il 25 marzo 2022 lancia il nuovo progetto con Enéri, brano dal titolo “Cosa importa a noi”. Il videoclip girato in Spagna ha raccolto quasi 200 mila views su YouTube e tanti altri streams sulle varie piattaforme digitali. Ora in lavorazione il suo primo album presso il Majorizm Lab.

Enéri, pseudonimo di Musarra Pizzo Maria Irene, è una cantautrice italiana. Nata a Paternò, in provincia di Catania, muove i primi passi nella musica partecipando ad alcuni concorsi canori già all’età di 4 anni. A 19 si trasferisce a Rimini dove approfondisce le sue conoscenze musicali registrando cover soul. Inizia il suo percorso da cantautrice Incidendo il primo singolo ‘’Cosa Importa A noi’’ in collaborazione con Diego Di Gioia (Il Cartello) è attualmente impegnata nella creazioni di nuovi brani con diversi featuring.

Il Cartello
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Enéri
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«In ogni album ho voluto affrontare le tematiche più svariate, cercando sempre di scavare nell’animo umano e nelle sue complessità ed ogni lavoro ha quasi sempre avuto un leit motiv tra le canzoni. Quest’ultimo album ha avuto invece una “gestazione” completamente diversa: Enrico Ruggeri ha voluto donarmi 8 testi inediti da musicare» Gabriele Masala.

Una delle caratteristiche compositive di Masala, infatti, è partire dal testo prima che dalla musica per dare vita ai propri brani e l’amico Enrico Ruggeri, conoscendo questa sua caratteristica, ha deciso di affidargli alcuni dei suoi testi. È nato così “Avevamo ragione”, 8 brani in cui si raccontano storie di vita, di persone, dal borghese al trasformista, dal giovane attirato dai Talent allo scettico, e così via; tanto è vero che il primo titolo scelto per l’album era proprio “Personae”, inteso nella sua accezione di «maschera». Solo successivamente la scelta è ricaduta su “Avevamo ragione”, titolo di uno dei brani dell’album.

Track by track

Etichetta: MegachipMusica
Edizioni: Anyway Music
Release album: 1 dicembre

Gabriele Masala, cantautore, autore e scrittore sassarese di 48 anni.
Ha all’attivo 9 album da solista, due romanzi gialli (un terzo uscirà a gennaio 2023) e oltre 200 canzoni pubblicate in 30 anni di attività. Nei suoi album ha avuto parecchie collaborazioni importati: Enrico Ruggeri, Luigi Schiavone, Piero Marras, Gino Marielli e tanti altri. Ha scritto decine di canzoni per altrettanti interpreti Sardi, tra cui spiccano brani vincitori di importanti concorsi nazionali, come Castrocaro, il Festival di Piombino, RockAmicizia ed altri. Da sempre molto attivo anche in attività concertistiche nell’Isola, ad oggi sono più di 600 le esibizioni tra concerti in piazza, teatri, auditorium e quant’altro.

Nasce come chitarrista autodidatta, ma è la voglia di mettersi in gioco come autore che da subito si manifesta e lo porta ad una prolifica produzione artistica.

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